Спектакль Мадам Бовари театра им. Е. Вахтангова, официальная премьера которого состоится 22 марта 2018 года, подробно рассказал зрителям не только печальную судьбу самоубийцы из Нормандии, покинувшей бренный мир в 1840 годах, но и перипетии французского писателя-реалиста Гюстава Флобера, литературный дебют которого спровоцировал упреки в аморальности и жаркие судебные споры в 1857 году.
Довольно трудно начинать спектакль с негатива, особенно если ты любишь произведение и хочешь влюбить в него зрителей. Но режиссер спектакля Ольга Субботина смогла превратить суд в часть действия, использовав его как акцент на вполне христианской духовной линии романа. И драка адвокатов за и против Флобера выглядела также вполне повествовательно…
Во Франции Мадам Бовари – частый гость французской и бельгийской сцен. Её воплощениями занимаются театр Бастилии (Théâtre de la Bastille), Театр де Л’Иль Сен-Луи Поль Рей (Théâtre de l’Ile Saint-Louis Paul Rey), Театр Ромена Ролана (Théâtre Romain Rolland) и многие другие. Предложенное на сцене театра Вахтангова объединение романа и судебного процесса практикуется в Западной Европе, но в некоторых случаях буквально смешивается с текстом, стирая границы между общественной и частной жизнью.
Проблематика сосуществования супружеского долга и романтической страсти вряд ли покажется острой сегодняшнему зрителю, живущему в условиях свободы нравов. Сюжет прост – сельская девушка, начитавшаяся романтических книг, разочарована в браке и изменяет мужу. На кривой дорожке её затягивают пороки и злые люди доводят до самоубийства. К тому же, в зависимости от актёрского состава, зритель найдёт здесь два совершенно разных решения образа героини.
Эмму Бовари на сцене театра Вахтангова воплощают две актрисы – Анна Дубровская и Наталья Масич, обе играют превосходно. Режиссер, видимо, предоставила актрисам много свободы – первая в своей игре сделала акцент на чувственность и эротизм, вторая – на эмоциональность и трагизм.
Ольга Субботина устроила зрителям настоящее путешествие в XIX век, и постановка вахтанговцев по формату напоминает экскурсионный тур в прошлое, в буржуазный мир старой Франции. Это путешествие достигается эффектной сменой декораций, и даже передвижением зрителей, вслед за героиней переезжающих из одного зала в другой в первом акте.
Единственное, чего недостаёт в следовании за хронологией романа – это полноценной смены актёров, которым приходится играть разные роли на протяжении спектакля, что не всегда представляется оправданным с точки зрения воплощения образов. Мать здесь оказывается моложе сына, актёр зрелого возраста играет и школьника, и молодого человека, и зрелого мужа, что порой выглядит странновато. Но мы живём в то время, когда небольшой бюджет может ограничить замыслы создателей.
Создание романа потребовало от Гюстава Флобера 4.5 года тяжелого труда, а та кропотливость, с которой писатель-фанатик реалистического стиля подходил к тексту, вызывала улыбки. Поэтому даже самые радикальные постановщики привыкли щадить изящный текст Флобера, хотя и осовременивая до неприличия его сцены. Но надо отдать должное Мадам Бовари в театре Вахтангова – разработка сюжета здесь бережно обошлась не только с текстом, но и с образами героев. Даже суд и драка адвокатов оказались на высоте, не говоря уже о более тонких материях.
http://newtribuna.ru/news/2018/03/21/81025/ 21 марта 2018, 14:23, Любовь ЛЕБЕДИНА Разум умолкает, когда торжествует страсть "Мадам Бовари" Гюстава Флобера на Симоновской сцене Вахтанговского театра повествует о женской страсти вопреки нравственным законам и долге хранительницы семейного очага.
Автор фото: Валерий Мясников
Ольга Субботина, впервые поставив спектакль в этом театре, не использует авангардные приемы, чем она славилась ранее, и пальму первенства отдает французскому классику Х1Х века, то есть, последовательному повествованию из жизни провинциальной львицы, жаждущей любви, как измученный путник в отсутствии воды.
Начитавшись запретных романов в монастыре, юная воспитанница, выйдя замуж за скромного лекаря Шарля Бовари и взяв его фамилию не может смириться с серыми буднями, скукой и однообразием, ведь она рождена для большего… Поэтому ей необходим воздух приключений и интересных знакомств, чего никак не может дать заштатный город примитивных обывателей. Безвольный муж во всем потакающий своей избраннице, (его замечательно играет Владислав Демченко), тоже раздражает, злит и эта ненависть постепенно превращает красивую женщину в угрюмую, всем недовольную особу, готовую срываться по пустякам.
При таком раскладе в первой части первого акта режиссерская трактовка лежит на поверхности – лиши любую женщину мечты, закрой ее в четырех стенах, и она не просто завянет, в ней умрут самые лучшие качества, которые смогли бы превратить ее в личность. Весьма спорное утверждение, а как же материнские чувства?.. Но поскольку в 19 веке об эмансипации женщин еще не говорили, то Флобер и режиссер Субботина отдают героине опасную территорию любви. Той любви, которая сводит с ума, делает женщину послушной рабой нахлынувших чувств, забывающей о долге и достоинстве.
В русской литературе есть тому пример – "Леди Макбет Мценского уезда" Лескова, где ненависть и страсть рождают преступления. У Флобера нет таких крайностей, все держится на психологическом состоянии главной "преступницы", преступившей черту дозволенного в пуританском обществе и не жалеющей об этом. Эти чувства передаются двумя исполнительницами Анной Дубровской и Натальей Масич в брутальном изложении, как, впрочем, и мысли окружающих их исполнителей. Но описание остается описанием, в нем нет внутреннего действия, поэтому литературный текст превалирует, а сюжетная линия дробится на эпизоды, превращаясь в театральный сериал. Наверное, на телевидении такой стиль приемлем, и он существует, но у театра, и это хорошо известно Ольге Субботиной, другая природа. Растянутое повествование во времени настраивает на холодное созерцании, а также своеобразное чтение инсценированного романа.
Перенос событий из одного зрительного зала в другой, по-видимому, предложен художником Максимом Обрезковым для создания более правдоподобной атмосферы другого города, куда переезжает семья Бовари, и для Эммы в исполнении Анны Дубровской начинается новый этап в ее жизни. Причем беременность не делает ее счастливой, в отличии от восторженного Шарля, скорее обременяет.
Помимо Анны Дубровской и Владислава Демченко, которые, несмотря на клиповую структуру спектакля, все же создают характеры, все остальные исполнители, играющие по несколько ролей – это своего рода маски, выступающие в том или ином эпизоде повествовательного сюжета.
И вот, наконец, при первой встрече с дамским угодником Родольфом Буланже, пунктирно намеченном и в дальнейшем развитом Кириллом Рубцовым, Эмма получает то, о чем мечтала – сильные чувства и всепоглощающую страсть. Подобно скаковой лошади она мчится с неотразимым соблазнителем навстречу своей судьбе, в надежде, что так будет вечно, оставляя в неведении доверчивого мужа и не испытывая перед ним никакой вины.
После расставания с Родольфом, утомленным от навязчивых притязаний Эммы, жрица любви не может остановиться и с радостью погружается в глубокий омут новой страсти с молодым Леоном Дюпюи в исполнении Федора Воронцова. Надо сказать, вторая исполнительница этой роли Наталья Масич делает этот переход весьма деликатно, избегая пошлости и надрывной мелодекламации.
И все же любовные свидания не отличаются большим разнообразием, напоминая сентиментальные голливудские проекты 50-60-х годов. В них нет- нет, да и промелькнет слащавая оперетка. Может быть, таким образом, режиссер хотела внести иронию в бурные романы, заканчивающиеся плачевно для Эммы? - Не знаю. Но вот, что странно, смерть Эммы Бовари, запутавшейся в долгах и обмане, принявшей мышьяк, не вызывает сострадания. Видимо потому, что чувственная страсть изображается, а не проживается. Хотя по идее все гораздо сложнее, вопреки узаконенным правилам бытия, ведь разум молчит, когда страсть доводит до белой горячки.
http://thr.ru/theatre/pro-lubov-madam-bovari/ 20.3.2018 Про любовь мадам Бовари Эвелина Гурецкая Режиссер Ольга Субботина, запомнившаяся многим по фильму «Про любоff» с Федором Бондарчуком и Оксаной Фандерой в главных ролях, поставила в театре имени Вахтангова спектакль «Бовари» по знаменитому роману Гюстава Флобера.
«Мадам Бовари –это я!» — с этой знаменитой фразы Гюстава Флобера, создателя романа «Мадам Бовари», начала свой спектакль режиссер Ольга Субботина на сцене Симоновской сцены Театра имени Вахтангова. Это не пьеса по признанному литературному шедевру, а инсценировка романа, то есть сценическое оформление литературного теста. Задача артиста не просто играть свою роль, а по сути читать текст романа, включая авторские комментарии. Что очень легко сделать в кино — не зря было множество экранизаций «Мадам Бовари» — а вот воплотить это на сцене задача не из легких. Так что нужно отдать должное и режиссеру, и артистам, взявшимся за такую работу.
Впрочем, таковы были изначально планы художественного руководителя театра Римаса Туминаса по использованию Симоновской сцены. Он предложил Ольге Субботиной взять хорошую классику ХIХ века «чтобы воспитывать в актерах чувство стиля». Режиссер выбрала роман, признанный одним из шедевров мировой литературы, в котором не только увидела, но и сумела передать своей постановкой иронию и даже сарказм, особенно в изображении персонажей французского общества и в устройстве человеческого сообщества в целом. «Я не хочу выделять только Мадам Бовари, — признавалась Субботина во время работы над спектаклем.- Эмма в романе не одна — вокруг нее муж, свекровь, дочь, да и вообще — все провинциальное общество, все это такое собирательное понятие „Бовари“».
Ольга придумала необычное сценическое решение. Вначале на сцене всего один герой, сам писатель, произносящий знаменитую фразу. Затем появляются другие персонажи — и вот уже публика в зале из зрителей превращается в участников заседания суда. Рассматривается дело самого Гюстава Флобера, написавшего скандальный роман. Как и положено, в суде два главных действующих лица — обвинитель и защитник. И у каждого свои веские доводы. Чью сторону примет каждый из присутствующих в зале — решать ему самому. Приговор суда так и не будет оглашен.
Этот заявочный эпизод спектакля — реальный исторический факт. После публикации романа Флобер вместе с редактором журнала, на страницах которого роман впервые увидел свет, были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Эта сцена для понимания спектакля имеет очень важное значение. Дальше развитие действия пойдет уже по сюжету, хотя и не в прямой последовательности. Если роман начинается с истории дочери фермера Эммы, ставшей женой провинциального врача Шарля Бовари, то режиссер начала свое прочтение романа с истории Шарля Бовари (блестящая работа артиста Владислава Демченко). Буквально с его детства, когда он был нерадивым учеником-переростком. С уклада в его семье, где соседствуют полное равнодушие к сыну отца и собственническая любовь к нему матери (Светлана Йозефий). Этот ход даст многое для понимания формирования характера одного из главных действующих лиц. Большой ребенок, этакий недотепа, полностью подчиненный воле матери, он даже женится не по своему, а по ее выбору. Увидев впервые Эмму, Шарль Бовари буквально остолбенел. Это была любовь с первого взгляда. Но у этой любви есть препятствие — он женат. Как известно, у любви нет преград: супруга вскоре уходит в мир иной, Шарль женится на Эмме. Он бесконечно счастлив, связав навсегда свою жизнь с любимой женщиной.
С этой свадьбы, собственно, и начинается история главной героини, самой Эммы Бовари. Чтобы обозначить этот своего рода «водораздел», режиссер переместила действие спектакля в другой зал сразу после свадьбы Эммы и Шарля. Так что зрители на какое-то время словно становятся участниками модного нынче жанра «спектакля-бродилки». Первую часть первого акта режиссер сумела превратить в захватывающее зрелище, с множеством мизансцен, с массой иронии и юмора, где четко выписаны характеры каждого из героев. А вот характер главной героини будет раскрыт чуть позже. И в этом огромная заслуга актрисы Анны Дубровской в роли Эммы Бовари. Она сумела тонкими штрихами создать образ провинциальной барышни, выросшей на романах, мечтающей о любви и страсти, но вполне, кажется, счастливой поначалу просто выйти замуж. Натура яркая, неординарная, в которой заложены изначально и чистота, и порок — такова Эмма Анны Дубровской. И сразу становится понятно — эта женщина не способна смириться, она бунтарка по своей сути.
Тут невольно вспомнишь опять признание Гюстава Флобера: «Мадам Бовари - это я». Под этим может подписаться любая незаурядная женщина, и не только. В каждом человеке такая масса противоречий, в каждом уживаются и порок, и добродетель, стремление жить по законам социума, с одной стороны, и непреодолимая потребность восстать против этих правил. Каждый человек сам делает свой выбор. И никому не дано право никого судить. Вот об этом спектакль «Бовари» в постановке Ольги Субботиной.
Впрочем, во многом эта заслуга и задействованных в нем артистов. Как призналась режиссер, они равноправные создатели спектакля. Вместе с режиссером каждый искал свой рисунок роли. Не всем это удалось в равной степени. Несколько «ходульными» получились в спектакле образы любовников Эммы — Родольфа Буланже (Кирилл Рубцов) и Жюстена (Юрий Поляк). Кстати, тот же Кирилл Рубцов в небольшой роли Флобера воспринимается более адекватно. Выше всяческих похвал Владислав Демченко в роли Шарля Бовари. Несмотря на всю свою нелепость, его Шарль вовсе не смешон, напротив, вызывает чувство искренней симпатии. Он обычный рядовой человек, несчастье которого в том, что судьба соединила его с женщиной незаурядной. Артист так искренне смог передать беззаветную влюбленности в свою Эмму и счастье быть рядом с ней каждую минуту. А уж когда она подарила ему дочь, веришь безусловно, что для его героя это стало высшим блаженством: «Теперь я могу сказать, что испытал в своей жизни все». Как всегда, удалось создать яркий образ Юрию Краскову в роли адвоката, отца Шарля Бовари. Запоминается и говорливый фармацевт Оме в исполнении Валерия Ушакова. Яркими получились и герои артиста Михаила Васькова — и папаша Руо, отец Эммы, и торговец Лере. Блеснул в эпизодической роли гида в Руанском соборе Игорь Карташёв.
Многие персонажи романа Гюстава Флобера, по признанию режиссера, напомнили ей гоголевских героев. В результате в ее спектакле получилась великолепная галерея образов в гоголевских тонах. Ведь почему роман «Мадам Бовари» можно назвать историей на все времена? Именно потому, что писателю удалось в нем показать все стороны устройства человеческого общества. И как бы ни менялась жизнь, эти правила будут существовать всегда. В целом же впечатление от спектакля неоднозначное. Понятно, что невозможно в три часа — а именно столько длится представление — уложить весь роман «Мадам Бовари». Но невероятно трудно в течение этого времени удерживать внимание зрителей. И если в первом акте режиссеру это блестяще удалось, то акт второй откровенно затянут. Накапливается усталость от постоянных разговоров, не разбавленных действием, как это было вначале. Понятно стремление создателей — и режиссера, и артистов — как можно более полно передать содержание романа. Но ведь на этот спектакль пойдет преимущественно зритель и роман прочитавший, и не одну из его экранизаций уже посмотревший. Так что если режиссер решится чем-то из второго акта пожертвовать, спектакль в целом от этого только выиграет.
Человеческую цивилизацию населяют Мужчины и Женщины. Это те вселенные, которые не могут существовать отдельно, но между ними существует непреодолимая пропасть – в ментальности и психологии. На пути друг к другу эти галактики с мощным противоположным зарядом притягиваются, преодолевая разные слои атмосфер. В Московском Театре им. Евгения Вахтангова постоянно расширяют горизонты и ломают консервативные стереотипы.
Новая премьера театра – именно такой спектакль. Сегодня, 22 марта, на Симоновской сцене Театра им. Е. Вахтангова пройдёт премьера постановки «Бовари», поставленной по знаменитому французскому роману Гюстава Флобера. Точнее будет формулировка – на сценах, ведь действие этого спектакля пройдёт сразу в двух зала Симоновского пространства: в Амфитеатре и Камерном зале. Часть первого отделения проходит в Амфитеатре, потом зрители, увлекаемые актёрами, переходят в Камерный зал, словно, как и главные герои, совершают переезд в другой город.
В этой сценической находке можно провести корреляционную параллель с иммерсивными шоу, имеющими большой успех у публики. И это сравнение будет вполне корректным, ведь в «Бовари» Вахтанговского театра зрители чувствуют себя не просто наблюдателями, а знакомыми или приятелями героев, которые наблюдают за происходящими событиями в их жизни. А наблюдать есть за чем! В спектакле бушуют страсти, вершатся судьбы, на кон желаниям и порывам ставятся жизни.
Роман Флобера признан одним из шедевров мировой литературы.Однако современники Флобера восприняли произведение неоднозначно и даже агрессивно. После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Реалистический психологизм был признан оскорблением общества. Спектакль начинается с судебного заседания, в котором звучат реальные речи прокурора и адвоката, основанные на архивных документах. Козырем обвинения становится фраза из романа «Грязь супружеской жизни», а главным аргументом адвоката: «Роман - побуждение к добродетели через демонстрацию ужасов порока». У Флобера был очень эрудированный адвокат, и в нелепом уголовном преследовании писателю был вынесен оправдательный вердикт. По прошествии времени смело можно утверждать, что «Мадам Бовари» Флобера - не только литературное достояние, но и энциклопедия человеческой личности, со страстями, сомнениями и бесконечной борьбой с самим собой.
Режиссёру и автору инсценировки Ольге Субботиной, известной своими кино и театральными работами, удалось трансформировать огромный роман в блистательный спектакль. Продолжительность постановки - три часа с антрактом, действие динамично и увлекательно, нет скучных или проходных моментов. К слову, между режиссёром и актёрами ещё продолжаются жаркие дискуссионные споры: Ольга настаивает на том, что хронометраж спектакля ещё нужно немного сократить, а актёры, сроднившиеся со своими героями, за то, чтобы сохранить первоначальную версию. Несмотря на трёхчасовой хронометраж и длительные диалоги, события развиваются увлекательно и динамично, зрители внимательно следят за происходящим, сочувствуют и сопереживают героям или осуждают их.
В постановке задействован великолепный актёрский ансамбль, каждый из актёров, по словам Субботиной, не просто исполнитель, а полноценный соавтор своей роли. В роли Эммы Бовари — заслуженная артистка России Анна Дубровская и заслуженная артистка России Наталья Масич. У обеих актрис – своя Эмма, символ истинной женщины, готовой во имя безграничной любви и всепоглощающей страсти на всё. Потрясает Владислав Демченко в образе Шарля Бовари. Актёр на полутонах, без гипербол передаёт разнообразную гамму чувств - от беззаветной преданности и робкого томления до полного разочарования и всепрощения.
Кирилл Рубцов воплощает сразу два персонажа. На суде актёр предстаёт в образе Флобера, а в контексте самого спектакля играет главную и единственную любовь в жизни Эммы - Рудольфа Буланже. В этом образе представлен яркий гротеск. Ох, сколько женщин узнают в Рудольфе знакомые черты природных ловеласов, которых в наше время принято называть «мачо». В спектакле участвуют: Ольга Гаврилюк, Светлана Йозефий, Федор Воронцов, Юрий Красков, Валерий Ушаков, Михаил Васьков и Юрий Поляк.
Сценограф и художник по костюмам Максим Обрезков под чутким руководством Субботиной создал завораживающее пространство. Декорации лаконичны, но ёмки, каждая деталь вносит свою атмосферу и колорит. И костюмы персонажей отражают их характер. От безликого наряда Шарля до модных туалетов Рудольфа. От нежных девичьих платьев Эммы до роскошных туалетов мадам Бовари. Отдельного внимания заслуживает шарфик героини, то романтично-развевающийся на ветру, то способный задушить её в тисках своих же грехов и общественных предрассудков.
Несмотря на то что одноимённый роман называется «Мадам (Госпожа) Бовари», создатели назвали спектакль просто «Бовари». Что логично, ведь произведение отнюдь не только о судьбе Эммы, оно гораздо шире, масштабнее и многограннее. Спектакль начинается с фразы Флобера: «Мадам Бовари – это я». Словно искусное кружево, роман соткан в захватывающе повествование, где нет 100%-ых злодеев и героев, где у каждого своя мотивация, стремления и иллюзии.
Отдельно хочется восхититься великолепием русского языка, на котором говорят герои. Во то время, когда вокруг стремятся замусорить наш Великий язык разнообразными иностранными терминами, на сцене Вахтанговского из уст героев, подобно музыке, льётся восхитительная речь, насыщенная эпитетами, аллегориями и олицетворениями. Перевод Флобера филигранно осуществил Николай Лебедев.
Каждый человек в той или иной степени сталкивается с диссонансом причинно-следственной связи потребностей и возможностей, желаний и обязательств, целей и задач. Жизнь так устроена, что день ото дня ставит перед нами нелёгкие задачи: ради достижения целей и исполнения желаний, порой приходится жертвовать очень многим… У Рэя Брэдбери есть мудрая цитата: «Если бы мы слушались нашего разума, у нас бы никогда не было любовных отношений. У нас бы никогда не было дружбы. Мы бы никогда не пошли на это, потому что были бы циничны: «Что-то не то происходит», или «Она меня бросит», или «У меня уже раз обжёгся, а потому…» Глупость это. Так можно упустить всю жизнь. Каждый раз нужно прыгать со скалы и отращивать крылья по пути вниз».
Эмма Бовари прыгнула к свободе и неизвестности! Да, это обернулось трагедией, но ведь она попробовала изменить свою жизнь и стать счастливой… Имеет ли право бескомпромиссное общество судить эту женщину? Отнюдь! Но лучше всё же не совершать по жизни таких ошибок, ведь для каждого предательства рано или поздно неминуем закон бумеранга.
Любая премьера в Вахтанговском театре являет собой целое событие, тем более такая – Флобер на Симоновской сцене! Режиссёр Ольга Субботина, имеющая опыт работы с Петером Штайном и Декланом Донелланом, по совету Римаса Туминаса рискнула взять французский роман, «лонгрид» на современном языке, которому уже более 150 лет, и оживить его на новой театральной сцене.
Спектакль получился как живая книга – удивительно органичное прочтение классики. Причём «прочтение» в буквальном смысле, потому что актёры начитывают авторский текст. Пугаться не стоит, это происходит незаметно, проскальзывая между репликами, воспринимаясь продолжением прямой речи, и ироничный язык Флобера, эмоциональный, лёгкий, обогащает спектакль, доставляя дополнительное удовольствие эстетам.
Роман «Госпожа Бовари» был написан в середине 19 века, и что самое поразительное, книга возмутила французского читателя, Гюстав Флобер был обвинён в оскорблении морали и привлечён к суду. Но неужели банальный адюльтер мог настолько смутить французов и заставить их заговорить об аморальности? Или в чём-то ином заключается загадка Бовари?
Спектакль начинается сценой в зале суда, автор находится на скамье подсудимых, адвокат и прокурор произносят пламенные речи в защиту и обвинение, воспроизводя реальные диалоги, которые звучали когда-то в зале парижского суда. Это вторая находка Субботиной после текстовой начитки. Зрителям отведена роль присяжных, на чьих глазах протекает жизнь французских обывателей, происходят драматические события, и которым необходимо вынести вердикт о виновности или невиновности главной героини.
В этой истории, если уж осуждать, то всех. Если сочувствовать, то всем. В этой истории никто свыше не награжден даром любви в полной мере, ни родители Шарля, ни семья Эммы, ни первая семья Шарля - нигде отношения не зацементированы любовью. Герои, дрожа от напряжения, как атланты пытаются удержать на своих плечах небесный свод семейный жизни, разъезжающийся по всем швам. Нигде не звучит ни слова о душе, зато царствуют желания тела. Соединение двух тел насильно против воли одного есть нарушение законов природы, и тело устраивает бунт, требует любить его.
Если присмотреться, то легко заметить, что никто здесь никого не любит, хотя с этим можно не согласиться и воскликнуть: «Ах, позвольте, а как же бедный Шарль!». Но ведь люди держатся друг за друга душами, не телами, а Шарль любит только тело жены, её красоту, но не душу, они не сонастроены, в браке это два фальшиво звучащих инструмента. Мужчины Эммы воспринимают её, прежде всего, как телесный объект для удовлетворения желания, используют как вещь. Да и сама Эмма совершенно не нуждается в душевной близости, поскольку живёт в системе материальных ценностей. Эмма не способна оценить даже такой великий дар небес как материнство. Душевной связи с мужем у неё нет, с ребёнком нет, с отцом, отчим домом – нет. В монастыре, где воспитывалась юная Эмма, она смогла усвоить лишь внешнюю форму разговора с Богом, храм для неё место для свиданий, сцена встречи с Леоном в Руанском соборе комична и особенно подчёркивает её приземлённость. Мир Эммы - иллюзии, её нравственное питание – сентиментальная романтическая литература. Природа её влечения к мужчинам - эгоистична. Экзальтированные вспышки чувств, искажённое подобие любви, которую Эмма дарит мужчинам, скорее похожи на путы Лаокоона, на цепи, от которых хочется освободиться. Даже мужчина-любовник вынужден напоминать Эмме о том, что у неё есть дочь. Материальные желания нарядов, денег, роскоши, исступленное желание физической близости можно было бы объяснить молодостью, но Жанна Д’Арк пылала на костре в 19 лет из-за веры, а страдания Бовари связаны с телесным голодом. Глубоко погружаться в психологические переживания Эммы особо не хочется, слишком они прозрачны и предсказуемы.
Выбор двух актрис на главную роль позволяет приоткрыть завесу таинственной актёрской алхимии создания образа – Эмму Бовари играют Анна Дубровская и Наталья Масич (в спектакле два состава). Интересная деталь, любимая сцена Дубровской - «прогулка с молодым человеком под зонтиком», у Масич - вторая, насыщенная страстью часть спектакля. Очень интересно смотреть на то, какие краски используют обе актрисы для передачи внутреннего мира своей героини. Дубровская более нервная и утончённая, Масич - более зрелая и чувственная. У обоих в образе присутствует чеховская горчинка. Конечно же, невозможно не сравнивать Эмму Бовари с её поздними русскими двойниками, но лично я не увидела возможного сходства с толстовской Анной Карениной, поступками которой движется совсем другая любовь и которая в состоянии разделить любовь к мужчине и любовь к сыну, скорее с чеховской Анной «на шее».
Партнёрское сосуществование на сцене идеальное. Шарля Бовари, мужа-телёнка, его искрящуюся преданную незамысловатую привязанность превосходно показывает Владислав Демченко. Самоуверенного эгоистичного любовника-самца Родольфа Буланже отлично играет брутальный Кирилл Рубцов. Федор Воронцов прекрасно подходит на роль молодого романтика Леона Дюпуи. За изящную сценографию отвечал Максим Обрезков, очень хороши сцены рождения ребёнка, первой случайной встречи Эммы с Леоном, конной прогулки Эммы и Родольфа, свидания с Леоном на лодке.
Легко направлять увеличительное стекло и разбирать поведение далёкой, сошедшей с пожелтевших страниц романа мадам Бовари из позапрошлого века, но возможна ли такая героиня в нынешних условиях и как бы она выглядела сейчас в глазах общества? Мысленно переодеваешь госпожу Бовари в современное платье, пытаешься оправдать более широкими понятиями свободы и … не получается. Спектакль сфокусирован не на смаковании букета чувственных удовольствий неверной жены с последующим переходом в гневное общественное порицание, но на осознании атрофированного материнского инстинкта, что ужасает и заставляет сжиматься сердце! Возможно, именно этот момент и возмутил французских читателей. Эмма, несмотря на привлекательную внешнюю оболочку, больше похожа на животное, хотя и те облизывают своих детёнышей. Наверное, поэтому в финале появляется дочка Эммы и Шарля и рассказывается об её печальной судьбе. Наверное, поэтому в эпилог французской драмы хочется поставить мысль Достоевского о том, что «счастье всего мира не стоит одной слезинки на щеке невинного ребёнка».
Но - конечно, по разному можно ощущать и воспринимать историю Бовари. Вполне возможно, что молодому зрителю измены Эммы покажутся милыми приключениями, её исступленность чувств они назовут безбашенностью и поставят дизлайк её поведению, за то, что сорила деньгами сама, вместо мужчин, и сильно переживала из-за сущих пустяков.
Позволю себе заметить, что выбор двух залов, Амфитеатра и Камерного, с перемещением зрителей во время спектакля из одного в другой, не совсем комфортен. Но в любом случае необходимо приветствовать стремление театральных режиссёров ставить спектакли по классическим произведениям, особенно по шедеврам мировой литературы.
Спектакль, конечно же, не побуквенно и не постранично воспроизводит громадный объём романа. Ольга Субботина выбирает из него самые выигрышные и сочные сцены, фразы, очень удачно их соединяет. Используя понятия «темпа» старается «утрамбовать» в трехчасовые границы спектакля как можно больше флоберовского текста – правильно делает, это нравится актёрам и нравится зрителю. Амплитуда зрительского внимания, как и Эмма Бовари, то находится на пике чувственного наслаждения, то вместе с ней падает в бездну отчаяния. Спектакль получился очень цельным, без провисаний, стремительным, летящим как стрела из лука, и, несомненно, будет пользоваться успехом и любовью театралов всех поколений.
http://localdramaqueen.moscow/2018/03/bovary/ 23.3.2018 Судебный процесс, любовные драмы и семейная трагедия в спектакле «Бовари» на Симоновской сцене Театра Вахтангова Катерина Большакова
Работа на открывшейся всего несколько месяцев назад Симоновской сцене Театра Вахтангова не прекращается ни на минуту, и вот уже театр представляет зрителю очередную премьеру — спектакль «Бовари» по роману Гюстава Флобера. Режиссер Ольга Субботина, выпускница Хейфеца, много работающая как в России, так и за рубежом, сознательно лишила название спектакля слова «Мадам». Перед нами не только и не столько история самой Эммы Бовари (в этой роли сменяют друг друга Анна Дубровская и Наталья Масич), но и целая галерея персонажей, которых так или иначе закружило вихрем ее безрассудства.
Это уже второй спектакль на Симоновской сцене, действие которого разворачивается сразу на двух ее площадках, разделяя жизнь главной героини на два этапа: жизнь добропорядочной жены и жизнь запутавшейся «рабы любви».
На этот раз все начинается в Амфитеатре — здесь мы знакомимся с Шарлем Бовари (Александр Демченко), о жизни которого чаще всего забывают в кратких описаниях произведения. Детство, взросление, родители, первый брак, роковое знакомство с Эммой, свадьба.. Прямо в середине первого действия зрителя приглашают проследовать за Шарлем и Эммой в их новую жизнь в новом месте, городке Ионвиль, и мы идем за актерами в Камерный зал не через фойе, а прямо сквозь арьерсцену Амфитиатра. Здесь в эффектных декорациях Максима Обрезкова, где есть место и шикарным апартаментам и комнате судебных заседаний (все-таки, Камерная сцена позволяет реализовывать удивительные по красоте и лаконичности интерьерные решения) скучающая и жаждущая страстей Эмма совершит свой первый шаг к пропасти.
Сегодня нам сложно представить, что когда-то роман стал не только чрезвычайно скандальным, но и привел к судебном процессу (которым начинается и заканчивается спектакль). В обществе, где женщина свободна, ни адюльтер как таковой, ни пренебрежение семейными ценностями, в целом, уже не особенно оскорбляют нашу мораль.. А поскольку ни читать роман, ни смотреть 3-х часовой спектакль постоянно держа в уме мысль о скандальности подобного поведения в XIX веке практически неосуществимо, на первый план выходят иные смыслы и стороны истории, актуальность которых не исчезла и поныне.
Инфантильность Эммы, полное отсутствие у нее моральных принципов, способных служить сдерживающими факторами не только для измен, но и для безрассудства и эгоистичности, которыми определяются все ее поступки. Она грешит не потому даже, что любит, а потому, что, либо ищет в любовнике (Рудольф — Кирилл Рубцов) воплощение в реальности своих представлений об идеальной любви и идеальном союзе мужчины и женщины, либо потому, что, не имея не внутреннего стержня, ни способности осознать необходимость брать на себя ответственность за собственную жизнь, поддается соблазну не самого блистательного совратителя (Леон — Федор Воронцов).
Она тратит, не задумываясь ни о муже, ни о последствиях, слушает советы любого встречного, не пытаясь подвергнуть их критическому осмыслению. И даже ее финальное самоубийство становится следствием столкновения ее мира грез с непрезентабельной действительностью — отвергнутый всеми переросток-ребенок выпивает яд, сбегая от грядущих катастроф и от обидчиков, которые обязательно должны же были ее спасти, но почему-то, негодяи, отказались.
У Ольги Субботиной получился спектакль не о скандале и не о банальности внебрачных связей. Он о том, в какую трагедию может превратиться жизнь женщины в обществе, с самого рождения не признающем за ней никаких прав и дающем ей только одну возможность достойной жизни — удачное замужество. Никогда не имевшая необходимости и возможности взять ответственность за свою взрослую жизнь в собственные руки, Эмма одна рушит судьбы своих близких.
Тем более горек финал произведения — после преждевременной кончины опозоренного Шарля дочь Эммы вынуждена идти зарабатывать на прядильную фабрику. Ребенок искупает не просто грехи, но и характер матери, навсегда застрявшей в наивном и эгоистичном детстве. У Берты Бовари шансов не повзрослеть нет никаких.
P.S. На этот раз у зрителей с билетами на последние ряды Камерного зала не будет причин жаловаться на ограниченный обзор с их мест (это, увы, случается на других спектаклях и будет исправлено к началу следующего сезона). Спасибо режиссеру, которая подняла сцену на добрых полтора метра — мое место в 9 ряду оказалось весьма комфортным.
http://eclectic-magazine.ru/madam-bovari-teatr-imeni-vaxtangova-novyj-spektakl/ март 2018 Мадам Бовари: между прихотью и условностью Представить женский роман в новом свете на театральных подмостках способна только женщина. Смело. Уверенно. Режиссер Ольга Субботина презентовала свое видение произве-дения «Мадам Бовари» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова.
На Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова состоялся пресс-показ спектакля «Бовари» по скандальной книге Гюстава Флобера в постановке Ольги Субботиной. Своими впечатлениями от шедевральной постановки делится корреспондент ECLECTIC.
Мужчины любят писать про женские трагедии. Флобер, Толстой, Ги де Мопассан, Гюго. Рассказывать чувственно, проникновенно, со всей своей большой любовью. И с невероятным сочувствием ко всему женскому полу. «Мужчина, по крайней мере, свободен: ему доступны все страсти, все чужие края, он волен преодолевать препятствия, вкушать от наиболее труднодостижимых наслаждений. А женщине всюду помехи: её вечно увлекает какая-нибудь прихоть, вечно сдерживает какая-нибудь условность»,- сокрушался Флобер.
Но представить женский роман в новом свете на театральных подмостках способна только женщина. Смело. Уверенно. Режиссер Ольга Субботина презентовала свое видение произведения «Мадам Бовари» на Симоновской сцене Театра имени Евгения Вахтангова.
Пьеса начинается с суда над писателем и его скандальным произведением, который состоялся в 1857 году в Парижском Дворце правосудия. Флобер заявляет: «Мадам Бовари — это я», отрицая наличие прототипа героини. Блюстители закона требуют запретить непотребное чтиво, называя его «оскорблением морали». Прокурор Пинар и защитник Сенар, соревнуясь в ораторском мастерстве, затевают драку. Красноречивый диалог, предшествующий драке, был взят из исторических документов. «Копнув под Флобера» мы открыли для себя несколько особенностей — что автор был судим за этот роман уголовным судом; что Шарль Бовари был его… одноклассником!», — рассказала журналистам режиссер спектакля.
Это была трагедия и комедия одновременно. Все оттенки эмоций взрывались на сцене. Чувства летели и хлестали зрителей в первых рядах. Досталось и тем, кто сидел на последних. Накал. Шквал. Страсть. Нежная, дерзкая, развратная, несчастная и временами, безумно счастливая, Анна Дубровская органично проживала роль Эммы Флобер. Сливалась с образом целиком. И спустя пару минут после начала спектакля, никто уже не видел заслуженную артистку России, а только мятежную и страстную молодую женщину, в поисках истинной любви. В поисках себя.
Мастерcки искал и обретал себя Владислав Демченко в роли Шарля Бовари. Перевоплощался, тяготился, мучился, скорбел и пребывал в экстазе. Отражая мимикой лица каждую волнительную мысль. «Быть дураком, эгоистом и обладать хорошим здоровьем — вот три условия, необходимые для того, чтобы быть счастливым. Но если первого из них не хватает, то остальные бесполезны», — упоминал автор «Мадам Бовари» Здоровый и радостный дурак. Без грамма эгоизма. Это Шарль. И если вдруг вы не читали Флобера, то потрясающая игра Демченко покажет наглядно, как может выглядеть такое счастье.
Не обойтись в женском романе без Дон Жуана — Родольфа Буланже. Змея искусителя. Покорителя женских душ. Обманщика. Любителя высокопарных слов. Полную противоположность Шарлю Бовари. Дьявольски красивого сердцееда воплощает Кирилл Рубцов. Пленительного, страстного, увлекательного, жгучего и богатого злодея. Каждое движение его выверено, томно и эротично. Он — строг, безжалостен, заманчив и чертовски привлекателен. Кирилл настолько обаятельно играет совратителя, так точно, что женский пол готов простить мадам Бовари эту маленькую слабость. И оправдать.
В произведении нет положительных героев. Нет их и на сцене. Реализм воплощается в театре, показывая истинную суть вещей. Идеальных людей не бывает. Флобер тщательно прописывает характеры героев, за ним следует режиссер. Точно под микроскопом зритель видит тончайшие намеки на будущие черты личности. Греховные черты. Кроткая, на первый взгляд, Эмма вдруг оказывается высокомерной. Затем появляются неуверенные ростки гнева и зависти. К ним присоединяются похоть и лень. И под занавес является алчность. И каждый герой демонстрирует свою «темную силу». Родольф Буланже — похоть, мать Шарля — зависть, Шарль Бовари — лень, священник — чревоугодие, Леон Дюпюи — похоть и тщеславие. Лишь дочь Берта Бовари, играющая, по сути, второстепенную роль, лишена греховных мыслей. Но реализм — есть реализм, и за чистоту своих помыслов она остается сиротой и вынуждена идти работать на прядильную фабрику.
Флобер любил беспощадно прорисовывать детали так, что его самого тошнило от некоторых сцен. Ольга Субботина безжалостно точно очерчивает малейшую эмоцию каждого героя. Нет второстепенных фигур. И нет главных. У всех персонажей своя история, характер и чувства. Их отрицательные черты переплетаются, образуя смертоносную воронку и опасный сюжет.
В простой и, казалось бы, совершенно не примечательной истории, Флобер, а вместе с ним и режиссер, и актеры раскрывают жестокость и реальность женской судьбы, смелость отчаянной, маленькой души в погоне за большим счастьем. Стремление быть, а не казаться, попытки урвать хоть немного радости. Да, безрассудно, эгоистично, рискованно сражаться с ветряными мельницами собственной участи. Но разве стоит за это осуждать?
Женщина в романе Флобера — не просто жена, любовница, тень мужчины. Она — личность, которая хочет сказать свое, весомое слово. Правда, за это писатель решает её отравить. Анне Карениной тоже не прощают вольнодумия. Но будь другой финал — был бы оправдательный приговор и отдельное издание романа? Может быть. Лет через 20…
Спектакль обогащает и наполняет потрясающий актерский состав: Анна Дубровская/Наталья Масич, Кирилл Рубцов, Владислав Демченко, Светлана Иозефий, Федор Воронцов, Ольга Гаврилюк, Игорь Карташов, Юрий Красков, Валерий Ушаков. Секрет их потрясающей и сплоченной работы — очень непрост. В попытках написать сценарий из объемной и серьезной книги Ольга Субботина сделала ход конем. Распечатала на бумаге роман и отдала по экземпляру каждому из основных героев. Принимать решение за то, какая сцена войдет в спектакль, должны были актеры. Режиссера обвинили в расточительстве. Еще бы, в романе 487 страниц. Но затея того стоила!
Не пропустите великолепный спектакль по одному из величайших романов всех времен! Ближайшие даты: 1 и 25 апреля. 2018 года.
http://www.teatral-online.ru/news/21309/ Юлия Борисова: «У меня в доме никогда не было журналистов» Новости/ 27 Марта 2018 17:00/ Мария Михайлова | Фото: Юлия Солодовникова/
Во вторник, 27 марта, в Театра Вахтангова были представлены две новые книги: издание «Люблю. Юля» о легендарной актрисе Юлии Борисовой и книга с CD-диском «Музыка и театр. Фаустас Латенас». Встреча с героями состоялась на следующий день после трагических событий в Кемерово, поэтому интонация разговора была непраздничной, речь шла о жизни и судьбе, о ее непредсказуемых драматичных поворотах.
«Так случилось, что презентация наших двух долгожданных книг, проходит в дни, когда вся страна переживает скорбные события, связанные с Кемерово. В самом начале прошу почтить память жертв этих трагических событий минутой молчания», - этим вступлением ведущий встречи искусствовед Дмитрий Трубочкин задал особый тон мероприятию, ведь оно проходило на фоне страшной беды, к которой никто в стране не остался равнодушным. Поэтому разговор получился о жизни и судьбе с ее неожиданными и драматичными событиями.
«Эту книгу «Люблю. Юля» долгие годы писала и составляла Вера Анатольевна Максимова, блистательный театровед, большой друг Вахтанговского театра, она ушла от нас, не закончив книги и не оставив нам сценария, как ее завершить, - рассказал готовивший книгу к изданию Дмитрий Трубочкин. - Но, благодаря огромной воле инициатора издательской программы Вахтанговского театра, директора Кирилла Крока, эта книга все же увидела свет, как и издание «Музыка и Театр. Фаустас Латенас».
Юлия Константиновна Борисова никогда не давала интервью, полагая, что вся ее жизнь - на сцене, она избегала общения с прессой, и вот, наконец, вышла первая книга о настоящей легенде театра. В этот день актриса пришла в театр вместе со своими близкими, чтобы рассказать о совместной работе с театральным критиком Верой Максимовой, но начала свое выступление со слов благодарности коллеге по театру композитору Фаустасу Латенасу, тоже представляющему сегодня свою книгу.
- Я хочу несколько слов сказать о Латенасе. Он очень просто и лаконично вошел в наш театр. Он не аккомпанирует актеру. Его музыка живет вместе с актером, его музыка как бы посылает душу актера в зрительный зал. Он помогает актеру своей музыкой. Это редкий дар! Я счастлива, что он у нас работает, в наших спектаклях его музыка выходит вместе с нами на сцену.
Что касается Веры Анатольевны Максимовой, она относится к великой плеяде театральных критиков. Таких как Инна Соловьева, Наталья Крымова, Александр Свободин. Эти критики – зерно нашего театроведения.
Обо мне писали и Свободин, и Крымова, но так получилось, что я сблизилась именно с Верой Анатольевной. Однажды она мне сказала: «Я хочу попробовать написать о вас книгу. Но если получится, то – хорошо, а если не получится, то и бог с ней». И мне эта фраза как-то понравилась, и я сказала: «Пробуйте!» Она ответила: «Но для этого мне надо с вами поговорить». «Ну, давайте поговорим у меня в гримерной. Там столик и кресла, можно удобно расположиться». Но она сказала: «Самое ужасное место для нашей встречи – это Театр Вахтангова. Это совершенно не подходит, потому что там шум, крики, нам будут мешать. Лучше всего – у вас дома! В какое время вам удобно?» Я как-то напряглась, потому что у меня в доме никогда не было ни журналистов, ни критиков, ни фотографов. Но все-таки согласилась: «В два часа». Она отвечает: «Мне тоже с двух до пяти очень удобно!» Я подумала: «Мама родная, три часа сидеть!», но сказала: «Давайте попробуем!». И она стала приходить ко мне каждый день в два часа, а уходила в пять, а иногда задерживалась даже до те пор, когда мои родственники, сын и невестка, приходили с работы. Иногда она и с ними тоже беседовала. Эти встречи продолжались очень долго.
Верочка входила, садилась в кресло возле маленького столика, я - напротив нее, она вынимала свой вечный блокнот, который всегда носила в своей сумочке и ручку, включала совсем маленькое, чуть больше спичечного коробка, записывающее устройство. И начиналось: вопрос-ответ, вопрос-ответ…
Потом начался какой-то другой период в нашем общении: она стала рассказывать мне о каких-то интересных явлениях в театре, о спектаклях, об актерах, о критиках. Ее кумиром был Юрий Мефодьевич Соломин. Она была его правой рукой, очень любила его, была тепло принята его семьей, бывала у него на даче. Она очень много с большой нежностью рассказывала о нем.
Прошло примерно года два-три она стала рассказывать мне о каких-то личных вещах, о своем муже, о своей дочери, которую она очень любила и внуках, которых боготворила. Так продолжалось наше общение. Прошло, приблизительно, лет пять. И вдруг она сказала: «Я набрала значительную долю материала, мне достаточно для того, чтобы писать, поэтому живите спокойно, я пишу книгу».
Проходит год, она всё пишет, потом я узнаю, что она беседует с актерами театра, приходит в наш музей, изучает какие-то материалы. Еще год проходит. Когда прошло уже лет семь с начала этой работы, я думаю: «Ну, сколько же можно писать?». Вдруг она мне говорит: «Я много думаю о том, как назвать вашу книгу». Я сказала: «Это легче легкого! Назовите «Борисова дома и в театре», но она сочла, что это совсем не подходит. Потом вышел мой альбом, который мне очень нравился, и я, встретив Верочку, говорю: «Вера, я понимаю, что у тебя что-то не получается, или тебе наскучила эта тема, прекрати, пожалуйста писать книгу, потому что в альбоме уже все обо мне сказано». А он сказала: «Есть у меня ваш альбом. Ничего там не сказано. Что такое фотография? Это момент, который фиксирует фотограф, и всё. Фотография молчит, она - нема, а если вы читаете критическую статью, то вы начинаете ощущать даже шелест платья, надетого на актера. Вы начинаете следить за ним. Вот актер понижает голос, потому что ему больно, вот он почти не может говорить, вот он падает, и вы видите всё это, вы видите спектакль! Вот что такое критик».
И действительно, когда читаешь ее статьи, зримо видишь театр, просто находишься там, вместе с актерами ощущаешь все, что происходит на сцене. Я благодарю судьбу, что она меня свела с Верой Анатольевной. Спасибо ей большое за всё!
Я благодарю наших музейных работников, они собрали статьи, которые были написаны Верой Максимовой на мои спектакли, и участвовали в отборе фотографий. Я чрезвычайно благодарна Дмитрию Трубочкину, он очень бережно отнесся к рукописи и изумительно написал предисловие к книге, причем в манере Веры Анатольевны. Жизнь сложилась так, что очень много для меня в театре сделала Галина Львовна Коновалова, а оформление книги, ее дизайн, сделала внучка Галины Львовны Саша Осенева, я ее благодарю за это. Благодарю издательство и тех, кто печатал. По мнению Трубочкина и Осеневой, для этой книги немало сделал мой сын, спасибо ему.
Завершилась встреча прекрасной и трагической музыкой Фаустаса Латенаса, который, предваряя исполнение сказал: «Я предлагаю вам послушать одно произведение, которое называется музыка к будущему спектаклю. Это «Болеро» написанное в этом году. Давайте послушаем эту музыку и подумаем о том, что произошло, о том, с чего мы начали нашу сегодняшнюю встречу и о том, что нас ждет. И будем надеяться, что все-таки мы будем жить спокойно, любя друг друга, и небо будет в алмазах…»
Вот воистину: настоящая красота возраста не знает. Видела Юлию Константиновну Борисову пару лет назад – в 90 лет она прекрасна. Это была настоящая прима театра имени Вахтангова. Сейчас слово «прима» затерлось и почти ушло из лексикона, но когда-то оно существовало и имела точный и высокий смысл. Примой МХАТа была Алла Тарасова, театра Мейерхольда – Зинаида Райх, театра Революции ( ныне Маяковского) Мария Бабанова, на Малой Броннной - Ольга Яковлева. Юлия Борисова царствует на вахтанговской сцене более 70 лет! Она и сейчас играет в «Пристани» и с театром не расстается. Маленькая хрупкая женщина, она всю жизнь прожила в одном весе. Поэтому могла играть Турандот до 50 лет – из зала не был виден возраст, к тому же по роли лицо принцессы прикрыто вуалью. А играла Борисова озорно и молодо всегда. Хорошо, что лучшие ее спектакли записаны на пленку, и каждый может насладиться и Турандот, и «Иркутской историей», и «Варшавской мелодией», и Клеопатрой, и «Миллионершей». И деревенских девчонок, и королев, и авантюристок, и принцесс она играла одинаково убедительно и искрометно. Никогда не забуду своего театрального потрясения от «Варшавской мелодии», дуэт Борисовой и Ульянова просто рвет душу. Это лучшая постановка пьесы Зорина и пока ее никто так и не переиграл. У Юлии Константиновны только два «недостатка»: она практически не снималась в кино и она никогда никому не дала ни одного интервью. Две кинороли за всю жизнь – зато какие! Настасья Филипповна в «Идиоте» и Посол Советского Союза. Почему она решила для себя раз и навсегда не пускать киношников и журналистов в свою жизнь? Это был ее выбор. Обещала написать книжку и все там рассказать. Ждем.
...tati15, 2018-03-18 18:11 В молодости часто ходила в театр Вахтангова, была возможность... Турандот, Клеопатра - это что-то из области, не подвластной обычной актерской игре. Да, даже в возрасте за 50, от ее интонаций и взглядов мужчины замирали, это было видно невооруженным взглядом."Варшавская мелодия " - одна из самых замечательных историй о любви. Ну, а что интервью не дает, так за это еще больше уважаю!
День театра в знаменитом доме на Арбате был отмечен представлением двух уникальных изданий. 27 марта в АРТ-КАФЕ Вахтанговского театра прошла презентация книг, посвященных легендарной актрисе, Народной артистке СССР Юлии Борисовой и чудесному композитору Фаустасу Латенасу. Оба произведения изданы в начале 2018 года театром имени Евгения Вахтангова совместно с издательством «Театралис» и стали прекрасным подарком настоящим театралам и меломанам.
Книга известного театроведа Веры Максимовой «Люблю. Юля» под общей редакцией Дмитрия Трубочкина вызывает особый интерес у всех поклонников знаменитой актрисы, ведь Юлия Константиновна Борисова никогда не давала интервью. Вежливо, спокойно, но твердо она отклоняла любые попытки журналистов вызывать ее на разговор, считая, что артист должен все высказывать своей работой на сцене, а не на пресс-конференциях или в кулуарах театра. Только Вере Анатольевне Максимовой удалось уговорить Юлию Константиновну дать ей большое интервью, собрать материалы для книги.
Юлия Борисова: - Она стала приходить ко мне каждый день в два часа, уходила в пять, иногда задерживалась до тех пор, пока мои сын с невесткой приходили с работы, она и с ними беседовала. В общем, эти встречи продолжались очень долго. Сначала, интервью, потом личные беседы. Так продолжалось около пяти лет, и вдруг она сказала, что набрала достаточно материала для книги. Потом я стала узнавать, что она разговаривает с актерами нашего театра, приходит в наш музей, там требует какие-то вещи. Прошло лет семь, а книга все не написана. Вдруг, выходит мой альбом, он мне очень нравится. Я встречаю Верочку и говорю, что можно прекращать писать книгу, потому что все обо мне сказано. Но она не согласилась. Сказала, что есть у нее этот альбом, ничего в нем не сказано, ни одного слова. Что такое фотография? Это момент, который фиксирует фотограф, и все. Фотография молчит, она немая, а если вы читаете критическую статью, то вы начинаете даже ощущать шелест платья, которое на актере, вы начинаете следить за ним – вот, он понижает голос потому что ему больно, вот он почти не может говорить, вот он падает, и вы видите все, вы – видите спектакль, вот что такое критик. И действительно, когда я читала ее статью, просто зримо видишь театр, сидишь с актерами и ощущаешь все, что происходит на сцене. Я очень благодарю судьбу, что она мне подарила встречу с Верой Анатольевной.
Вера Анатольевна работала над книгой несколько лет, но закончить, к сожалению, не успела. Поэтому волевым решением директора театра имени Евгения Вахтангова Кирилла Крока к изданию произведение подготовил Дмитрий Трубочкин.
Дмитрий Трубочкин: - Она ушла от нас, не закончив книги и даже не оставив сценария для нас, тех, кто приступит к материалам после ее кончины, как ее завершить. Но Кирилл Крок, директор Вахтанговского театра твердо решил довести дело до конца и книгу непременно издать.
В книгу вошли еще и критические статьи Веры Максимовой, посвященные Юлии Борисовой и множество уникальных фотографий, предоставленных музеем театра.
Второе издание, представленное в этот день, не менее интересно, ведь произведений, посвященных театральным композиторам, практически не существует. Книга Дайвы Шабасявичене и Расы Васинаускайте «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас» не просто переведена на русский язык, но и дополнена главой «Говорят Вахтанговцы», в которую включены материалы, написанные Римасом Туминасом, Кириллом Кроком, Дмитрием Трубочкиным и актерами-участниками спектаклей, оформленных музыкой Фаустаса Латенаса: Галиной Коноваловой, Людмилой Максаковой, Евгением Князевым, Владимиром Симоновым, Сергеем Маковецким, Алексеем Кузнецовым, Юрием Красковым, Анной Дубровской, Евгенией Крегжде, Екатериной Крамзиной.
Юлия Борисова: - Он как-то просто и органично вошел в наш театр. Он не аккомпанирует актеру, его музыка живет вместе с актером. Его музыка как бы посылает душу актера в зрительный зал, он помогает музыкой актеру, он композитор, который плюсует актеру. Это редкий дар! И я счастлива, что он работает в нашем театре и его музыка выходит вместе с нами на нашу сцену.
В книгу вложен аудио-диск «HARMONIA = THEATRUM» с музыкой Фаустаса Латенаса, звучащей в спектаклях театра Вахтангова – от «Ревизора» до «Царя Эдипа».
Кирилл Крок: - За последние 8 лет жизни нашего театра мы издали уже порядка 16 книг. И каждый раз наступает момент, когда ты думаешь, но наверное, вот эту книжку мы сейчас издадим, а какая будет следующая? И так жизнь наша проистекает, что каждая следующая книга к нам приходи абсолютно сама: появляется тема, появляется автор, появляется наше желание это делать. Пока у нас будут силы, возможности и желания, а все это у нас, слава богу, пока есть, мы будем продолжать издательскую программу нашего театра и дальше, не будем останавливаться, в этом ритме – каждый год по две книжки, связанные с Вахтанговским театром.
Книги можно приобрести в театре имени Евгения Вахтангова и книжных магазинах "Москва" и "Московский дом книги".
Презентацию двух уникальных книг «Люблю. Юлия» и «Музыка и театр. Композитор Фаустас Латенас» Вахтанговский театр представил в Международный день Театра, в уютном и располагающем пространстве ART-кафе. На встрече с театральной публикой пришли герои этих книг – всенародно любимая актриса театра им. Вахтангова Юлия Борисова и талантливый литовский композитор Фаустас Латенас, написавший музыку к огромному количеству Вахтанговских спектаклей.
Римас Туминас, художественный руководитель Вахтанговского театра: «В этом кратком слове «Люблю» Юлия Константиновна выражает свою личность, а мы продолжим: «А мы Вас любим, любим, любим, любим, любим… Любовь сопровождает Вас всю жизнь. Вы красивы. Я всегда смотрю её выходы на сцену, бегу в зал, за кулисы и наслаждаюсь её элегантностью, точностью. Фаустас Латенас мой старинный друг. Чем дальше мы живем, тем меньше разговариваем. Каждый день встречаемся. Все спектакли сопровождает его музыка. И я рад, что мы понимаем, чувствуем театр. И также с любовью он относится к нам всем, к актёрам, всему цеху, режиссёрам. Бесконечная любовь к театру. Всегда иду к ним и говорю: «Мне страшно, помогите, помогите».
Дмитрий Трубочкин, помощник художественного руководителя театра им. Вахтангова по творческим вопросам: «Первая книга «Люблю. Юля» очень уютная, узенькая и длинная. Её можно взять в руки, затрепать, любовно перелистать, внимательно читать и делать для себя пометки. Это немного дамская книга, в которой очень интересный рассказ, перемежающийся с фотографиями (их очень много). В ней есть огромная глава, которая называется «Юлия Борисова. Интервью» - и это первое развёрнутое интервью (*ЮК их никогда не давала и даёт), которое появляется в печати и записано с уст Юлии Константиновны, так что выход этой книги многократно историческое событие». Вторая книга «Музыка и театр» напоминает компакт-диск, он приложен внутри и называется «Гармония театра». Этих двух книжек в разных смыслах могло бы и не быть. С каждой книгой связаны определённые события. У каждой книги своя история. «Люблю. Юля» писала наш замечательный блестящий театровед и друг Вахтанговского театра Вера Анатольевна Максимова, и книга не была ею завершена. Огромное значение имела воля директора Вахтанговского театра Кирилла Игоревича Крока и идея довести издание до победного конца, до её выпуска в свет принадлежит ему. По книге «Музыка и театр» мы долго беседовали - как можно издать книгу, посвящённую театральному композитору, это очень большая важная задача и для театроведения, и для читателей. Но как найти издателя, как сделать так, чтобы было корректно, правильно, интересно читать? Вновь Кирилл Игоревич Крок подставил плечо и, таким образом, у нас появились эти две красивые, замечательные, приятные для чтения книжки».
Кирилл Крок, директор театра им. Вахтангова, инициатор и руководитель издательской программы театра: «За последние восемь лет жизни Вахтанговского театра мы издали порядка 16 книжек. И каждый раз наступает такой момент, когда думаешь, вот эту книгу мы сейчас издадим, какая же будет следующая? И так жизнь наша проистекает, что каждая следующая книга приходит к нам абсолютно сама - появляется тема, появляется автор, появляется наше желание это делать. Мы будем продолжать издательскую программу, и каждый год будем выпускать две книжки, связанные с Вахтанговским театром. С книгой Юлии Константиновны была долгая история, так случилось, что Вера Анатольевна Максимова не смогла довести свою работу до конца. Название придумала Вера Анатольевна, она сказала, что книга должна называться только так: «Люблю. Точка. Юля» и ни в коем случае никак по-иному. Благодарен дочери Веры Анатольевны Наташе за то, что она откликнулась на нашу просьбу и материалы, которые остались у Веры Анатольевны на рабочем столе, её рукописи, её записи, те разрозненные клочки, которые сейчас составляют эту книгу, она передала к нам театр. Давайте скажем спасибо Вере Анатольевне Максимовой за этот труд, и её семье за то, что они передали его в театр Вахтангова. И благодаря этому сегодня мы держим книгу в руках! Также хочу выразить огромную благодарность Дмитрию Трубочкину. Он взял рукописи, что-то было на флешке, что-то в бумажном варианте и стал постепенно читать, погружаться в историю о Юлии Константиновне, это длилось порядка четырёх месяцев. Так появился первый вариант, который мы стали дорабатывать, доделывать, иллюстрировать фотографиями.
Хочу сказать также несколько слов о книге «Музыка и театр», посвящённой нашему прекрасному композитору Фаустасу Латенасу. Римас его зовёт «придворный композитор театра Вахтангова», мы так его иногда величаем. Это тоже был большой труд. Она была написана на родном литовском языке. Мы нашли очень толкового в Литве переводчика, который прекрасно литературно перевёл книгу. Марине Тимашевой благодарны за то, что она помогла дополнить книгу интервью с артистами московских театров, и спасибо нашему звукоцеху, где всю его музыку обработали, собрали и сделали тот музыкальный диск, который вклеен в эту книжку. Не могу не выразить благодарность нашему постоянному партнёру в книжных сериях издательству «Театралис» за сотрудничество с театром. С сегодняшнего дня эти две книги появятся в книжном киоске Театра Вахтангова - и на Основной сцене, и на Новой сцене, и на Симоновской сцене. Пожалуйста, покупайте. Я уже их прочёл, они стоят того, чтобы их иметь в домашней библиотеке. И в ближайшее время планируем передать книгу в Торговый дом «Москва» и Дом Московской книги».
Юлия Константиновна Борисова, актриса театра им. Вахтангова, народная артистка СССР: «Вера Анатольевна Максимова относится к той великой группе критиков – Соловьева, Крымова, Свободин – которые есть зерно нашей театральной критики. Я сблизилась именно с ней. Как-то она сказала: «Вы знаете, я хочу попробовать написать о Вас книгу. Если получится, то хорошо, если нет, то Бог с ним». И мне это сразу понравилось. Нам надо было где-то с ней встретиться, поговорить. Я предложила гримёрную. Она ответила, что театр Вахтангова - самое ужасное место для нашей встречи, где могут ходить, разговаривать со мной, хлопать дверями. «Лучше всего нам встретиться у Вас дома». Она стала приходить ко мне каждый день в два часа, уходила в пять. Эти встречи продолжались очень долго. Вытаскивала свой вечный блокнот и ручку, включала записывающее устройство, и начиналось: вопрос-ответ, вопрос-ответ… Прошло лет семь. Вера Анатольевна говорит: «Я думаю над тем, как назвать Вашу книгу». Я предложила, назовите «Борисова. Дома и в театре». Она сказала, что название совсем не подходит. В это время выходит мой фотоальбом, который мне очень нравится. Я встречаю Верочку и говорю: «Вера, я тебя умоляю, я понимаю, что у тебя что-то там не получается, или тебе наскучила эта тема, я понимаю, но, пожалуйста, прекрати писать обо мне книгу, потому что всё обо мне уже сказано!» Она отвечает: «Ничего там не сказано! Что такое фотография? Это момент, который фиксирует фотограф и всё. Фотография молчит, она немая. А если вы читаете критическую статью, то вы начинаете даже ощущать шелест платья, которое на актёре. Вы начинаете следить, вот он понижает голос, потому что ему больно, вот он почти не может говорить, вот он падает, и вы видите всё – вы видите спектакль! Вот что такое критик». И когда я читала статьи, её и других критиков, действительно, виден театр! Ты находишься вместе с актёрами, ты ощущаешь всё, что происходит, на сцене! Благодарю судьбу за встречу с Верой Анатольевной. Это радость - и большое ей спасибо за всё!
Я благодарю музейных работников нашего театра. Они достали рецензии, которые были написаны Верой Анатольевной на мои спектакли и включили их в книгу. Кроме того, они участвовали в отборе фотографий. Очень, очень, очень благодарю Дмитрия Трубочкина. Он очень бережно отнесся к рукописи, стал работать над ней, написал совершенно изумительное предисловие в манере Веры Анатольевны. Оформление книги, её дизайн сделала внучка актрисы нашего театра и моей подруги Галины Львовны Коноваловой Саша Осенева, я её также благодарю. Благодарю издательство «Театралис», всех, кто печатал эту книгу. Немало сделал для этой книги и мой сын. Я и его благодарю. Несколько слов о Латенисе. Он как-то очень просто и органично вошел в наш театр. Он не аккомпанирует актёру, его музыка живет вместе с актёром, его музыка как бы посылает душу актёра в зрительный зал. Он помогает музыкой актёру. Это редкий дар, и я счастлива, что он работает в нашем театре, и его музыка выходит вместе с нами на нашу сцену!»
Фаустас Латенас, композитор, Лауреат Национальной премии Литвы в области литературы и искусства: «Иногда людям не надо разговаривать, просто смотришь в глаза и видишь, что человек, тебя понимает, и ты его понимаешь, и таких людей в жизни очень мало. Идея родилась потому, что не было книги о композиторе, который работает в театре, пишет музыку для театра. Так сложилось, что моя творческая жизнь связана с театром, и я решил, что надо написать об этом. Материала очень много, я работал почти со всеми знаменитыми литовскими режиссёрами, известными и в России и не только в России. Когда начали делать книжку, идея сначала затухла, но на этом этапе присоединилась моя супруга, искусствовед, которая знает толк в книгах, как это делается, она взяла на себя всю организацию и, благодаря ей, книга появилась. Есть ещё координаторы проекта, люди которых не видно, потому что все смотрят на автора, артистов, но чтобы автору воплотить, режиссеру что-то сделать, чтобы спектакль появился в хорошей атмосфере, хорошем настроении, работают те кровеносные клеточки, которые бегают по жилам. Это и есть координаторы проекта, это постановочная часть, весь, весь коллектив. Так что главные в этой книжке - это координаторы проекта. И, конечно, переводчик. Найти переводчика в принципе несложно. Неправда, когда говорят, что русский язык у нас мало кто знает, нет, его знают хорошо, есть и кафедра славистики, но такой переводчик как Георгий Ефремов это, действительно, редкость, потому что он не переводит что-то формально, к тому же переводит литовскую поэзию, сам пишет. Человек, знающий язык так, как, наверное, редкий из нас знает. Я ему очень благодарен, за то, что он согласился и сделал очень достойную книгу с высшим уровнем перевода.
Я благодарен вахтанговцам. У меня есть ещё одна любовь в театре, Юлия Константиновна, Вы уж меня извините, это Людмила Васильевна Максакова. Она из тех великих людей, кто, если плохо, говорит плохо, они не боятся говорить правду о том, что ты сделал, это мне помогает, мне важно это слышать. Одна моя знакомая литовская актриса говорит: «Жизнь так сложна, столько трудностей, что порой приходишь вечером в театр и не понимаешь, как сейчас будешь играть в таком состоянии, стоишь за кулисами и думаешь, что мне сейчас делать, но звучит твоя музыка, и я уже там, я уже иду жить на сцене, иду делать то дело, которое я люблю». Список артистов, которые обо мне написали большой, потому что в России я работал со многими режиссёрами, в том числе молодыми, и я очень рад, что они являются учениками Римаса Туминаса. У меня есть проверка режиссера на его профессиональность, иногда просто даёшь музыку и то, как режиссер справляется с этой музыкой, как он её уложит в спектакль, ты понимаешь, настоящий он режиссер или нет. Я работаю по принципу: «Если у меня не получается сделать очень хорошо, то я делаю хорошо». Я работаю медленно. Большие вещи не рождаются, их надо придумать и сделать, необходимо терпение, новая постановка растет как ребёнок, надо ждать, когда повзрослеет, выйдет из подросткового возраста и станет красивой женщиной».
Евгений Князев, ректор Театрального института им. Щукина, народный артист РФ: «Никто не посмеет спорить, а если кто будет спорить, тот проспорит - Вы царица и королева нашего театра! Вы величаете театр этой короной, мы любим вас! Я помню те уроки актерского мастерства, которые Вы мне дали и даёте. Вы никогда не хотели стать педагогом, но, находясь с нами на площадке, вы можете дать неоценимые советы, которыми я пользуюсь сейчас. Это так просто… Как этому научить, можно только почувствовать… «Если ты хочешь стать артистом, никогда не делай ничего в пол силы, делай в полную силу». «Ты должен играть так, чтобы партнер твой сыграл, неважно какой партнер». Вас все держат на руках, я тоже в спектакле держал Вас на руках, а сейчас я хочу встать перед Вами на колени.
Людмила Максакова, актриса театра им. Вахтангова, народная артистка РСФСР: Ваш авторитет безусловный, всё, что Вы говорите, попадает в самое сердце, всё что Вы говорите, остаётся в голове. Так, Настасью Филипповну не играл ни один человек, никогда не видела. Обычно либо орут, либо кривляются, чтобы, действительно, подлинно сыграть персонажа Достоевского надо иметь талант от Бога! Это энергия, феномен! Всегда, когда я стояла с Вами на сцене, я начинала себя уважать. Вы сказали: «Сцена - это не пол, когда я выхожу на сцену, я чувствую, что она меня поднимает, и это остается в зале». За крылья, которые Вы мне и всем нам подарили я безмерно благодарна судьбе, случилось счастье, что я стояла и стою на сцене рядом с Вами! Музыка Латенаса обладает уникальным качеством - она твой партнер, твой помощник. В спектакле «Царь Эдип» он написал знаменитую виолончельную тему. Я вышла на сцену и впервые подумала, что мне ничего не надо играть, не надо ни таращить глаза, ни кричать, ни делать никаких движений, а просто жить жизнью персонажа.
Встреча началась с минуты молчания, которой вахтанговцы и театральная публика почтили память погибших в Кемерово. Завершилась встреча музыкой Фаустаса Латенаса «Болеро», написанной в этом году для будущего спектакля, через которую, по его словам он дарит всем нам надежду на то, что «мы будем жить спокойно, любя друг друга, и небо будет в алмазах…».
... pamsik, 1 апр, 2018 22:57 Обе книги - изумительные! Книга Фаустаса Латенисас cd-диском, а музыка у него... не нахожу слов...как подобрать... Второй Микаэл Таривердиев, наверное так Юлия Борисова - легенда! В самом настоящем понимании. Легенда, звезда и королева.
Режиссёр Римас Туминас приехал на гастроли в г. Вильнюс с Театром им. Евгения Вахтангова под собственным руководством, пояснил желание заниматься постановкой драмы Софокла «Царь Эдип»: «Кто-то хочет, чтобы мы стали слепыми, и не видели того, что творится вокруг нас. Но, спасибо нашему Господу, слепые пока что не утратили способности слышать. Царь Эдип прозрел всего лишь на несколько минут, а до этого, на протяжении всей своей жизни, был ослеплён своими амбициями, славой и превосходством. Эти минуты прозрения - самое важное, и мы не имеем права бессмысленно тратить своё время в этом мире».
«Царь Эдип» от Р. Туминаса увидел свет в 2016 году, одновременно с завершением Национального Римского театра в Греции. Инициатором данного проекта был Стафис Ливафинас, художественный руководитель Национального театра Греции. Именно по его инициативе и родился ежегодный фестиваль «Эпидавр», который проводится в самом старом амфитеатре во всём мире, вмещающем 14 тыс. человек.
«Прикасаться к старине всегда опасно. Открывать двери в такой далёкий и завораживающий мир со своими законами, эстетикой и историческими поворотами. Каким же образом реконструировать данный временной промежуток, оживить его, сделать его не только понятным для зрителя, но и наполнить эмоциями, страстью, приблизить к современной аудитории, взволновать повествованием? Каким образом протянуть руку через вечность? Каким образом сегодня заново пережить тот отрезок времени?» - все эти вопросы были затронуты в процессе беседы с Римасом Туминасом о постановке «Царь Эдип».
Его спектакль – о достоинстве человека, о чести, о сильной личности, о лидере, который способен сам себя наказать: выслать себя из страны, выбрав жизнь нищего. На поле брани убив множество людей, король почивал множество лет на своих лаврах. «Поэтому он и ослеп. И наши лидеры живут подобным образом, словно всё знают и всё видят, но на самом деле они слепы. Эдип, поняв правду, решает сам себя наказать. Это истинный героизм человека, который подвергает себя суду, и, в конце концов, приводит приговор в исполнение. Высокоморальный удар. Сегодня никто себя и не думает подвергать внутреннему суду» - размышляет Р. Туминас.
Монолог режиссера
Перед пятничным спектаклем в Национальном драмтеатре, была проведена пресс-конференция с артистами театра им. Е. Вахтангова. Литовские журналисты и театральные критики впервые видели обычно спокойного, но тут, до такой степени взволнованного Р. Туминаса, он жестикулировал кулаком, повышал голос.
«Обидно что я только недавно понял, что мир сходит с ума, истерия из-за войны, всепоглощающие конфликты. Мир стремится к войне! И тогда мне стало до такой степени хорошо. Вы не поверите – даже маняще сладко! Каким свободным тогда я становлюсь! Благодаря тому ничтожеству и хамству попадаю в совершенно другой мир. Уверен, подобные чувства овладевают и другими людьми, связавшими свою жизнь с искусством. И не потому, что мы особенные, или гордые и якобы иронично смотрим из поднебесья на мирские заботы, а из-за того, что нас вынудили отгородиться от ада. И что мы видим, ад – пуст!!! Все его жители – тут, на Земле!
С детства знал адрес ада. Но теперь тот адрес уже не действителен, так как все здесь, вокруг. Почему мы друг друга ненавидим, почему друг другу завидуем? Потому что все мы – из ада. Потому что ад уже тут, - на Земле. И чем же всё это закончится? Кто выиграет – ад или любовь? Пока что побеждает ад, и от него отгородиться можем только искусством. Иного выхода не существует. И что с того, если купим два танка? И ради их мы должны жертвовать возможностью постройки музыкальной или художественной школы в одном из районов Литвы? Разве эти танки – не безумство? Конечно, безумство. Но почему его никто не обуздает?
Я не верю ни петициям, ни заявлениям или требованиям, адресованным к правительствам. Всё это не нужно. Мы должны подняться над всем этим и заниматься своим делом, так как всё это временно, и они в конце концов уйдут. С ними не нужно даже сотрудничать, так как они противники нашего образа жизни! Они убивают наше будущее, творчество, наши мечты. А что будет со страной, если в ней не место мечтам?
Мы не можем оставаться рабами. Мы обязаны освободиться. Вот это Литва обязана понять! И тот факт, что в этом году отмечается столетие восстановления независимости, не говорит, что мы свободны. Мы должны начать истинную борьбу за свободу. Теперь! А не радоваться тому, что сто лет назад наша страна стала независимой или обрела государственность. Каждый час, каждый день мы обязаны доказывать тот факт, что мы независимы.»
Продолжая свой монолог, Р. Туминас словно сам себе задал вопрос: Кто герой сегодняшнего дня, богатырь, подвижник? Нет такого. Возможно, раньше… и были, но об их уже давно люди позабыли. Поэтому, согласно высказываниям режиссёра, его личная и артистов его театра миссия заключается в том, чтобы найти, вернуть к жизни сподвижников, богатырей, принять их в своём сердце. Возможно это является основным оружием против окружающих злодейств и вырождения?
Уже настало время. Уже давно пора возвращаться домой!
«Уехал из Литвы, так как чувствовал себя униженным. Нет, меня никто не обижал и не оскорблял, однако условия, на которых мне предлагалось управление Вильнюсским малым театром были для меня неподъёмными. Мне было стыдно, у меня были связаны руки – я не мог толково заниматься постановкой спектаклей, не мог влиять на зарплату актёров. Финансирование не было скудным. А по справедливости, его вообще не было. Никуда из Литвы уезжать не хотел. Планировал уехать в деревню. Борцом я уже быть неспособен, но мой возраст даёт мне возможность сказать правду. Такого беспорядка, как теперь, никогда не было. Теперь не уделяется внимания ни образованию, ни культуре, ни медицине» - высказался Р. Туминас, вспоминая свой отъезд в Москву в 2007 и проводя оценку текущего состояния Литовской Республики.
- Вы, в вашем спектакле «Царь Эдип», затрагиваете весьма тяжёлую, возможно, невыполнимую проблему – каким образом человек может сам себя наказать? - Так как я очень устал наблюдать как люди вокруг сваливают свою вину на другого. Это уже стало нормой жизни. То виновником оказывается политический заговор, то виноваты оказываются противники или конкуренты и т.д. Ошибаться и совершать большие ошибки – в норме вещей. Но никогда не поздно их признать и стать настоящим человеком, спасти страну и самого себя. Нужно уметь проводить самоочищение.
- Приходилось ли вам самого себя наказывать? - Виню себя каждый день. Причина – кого-либо обидел, не смог предотвратить какой-либо конфликт, кого-либо не оценил, не заметил вовремя, возможно не уделил достаточно времени тем, кому это очень было нужно.
- Послезавтра будут проводиться выборы в России. Их результаты в Литве ожидаются с ужасом. - Никакого ужаса нет. Президентом снова будет Владимир Путин. Всё останется так, как было раньше. Только, возможно, в этот раз его никто не будет поздравлять. - Изоляция России идёт ей только на пользу. Она сама встанет на ноги. И не стоит дразнить этого медведя. Он может стать агрессивным.
- Как, по вашему мнению, стоит строить отношения Литве, чтобы избежать угрозы со стороны? - Нужно покинуть Европейский союз. Я и раньше считал, что не стоит вступать в это Общество, лучше вместе с Латвией и Эстонией создать союз и стремиться к странам Скандинавского полуострова.
- Счастливы ли вы в Москве? - Отнюдь. Но, должен признаться, несколько раз пережил безграничную радость, когда в Лондоне, Нью-Йорке, Бостоне и в других местах вместе с театром им. Е. Вахтангова занимались постановкой «Улыбнись нам, Господи». Тогда тихо, про себя думал: « Этим спектаклем рассказал миру о Литве, о части её истории. Это и является моим праздником в честь столетия независимости Литовской Республики.
- Хочу задать вопрос, уже ставший для вас банальным – планируете ли заниматься постановками в Литве, привлекая ваших бывших актёров? - Я об этом мечтаю. Строю планы. Постоянно об этом думаю. На самом деле – пора возвращаться домой. Уже давно пора возвращаться домой…
Пьеса Ники Симоновой «Фрида. Жизнь в цвете» о всемирно известных мексиканских художниках Фриде Кало и Диего Ривере. Об их творчестве, любви, противоречиях, спорах и примирениях. Об их непростой судьбе: изменах и расставаниях, — которые неспособны были разрушить их творческую общность.
Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в пригороде Мехико. В восемнадцать лет она попала в тяжёлую аварию и получила серьёзные травмы, год была прикована к постели, а проблемы со здоровьем остались на всю жизнь. Именно после трагедии она впервые занялась живописью. В 1929 году вышла замуж за Диего Риверу, ей было 22, ему — 43. Их сближало не только искусство, но и общие политические убеждения — коммунистические. Их бурная совместная жизнь стала легендой. Спустя много лет Фрида говорила: «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего».
В работах Фриды Кало заметно очень сильное влияние народного мексиканского искусства. Её творчество насыщено символами, и одновременно влиянием европейской живописи, что особенно проявляется в её ранних работах, равно как и присутствие стилистики наивного искусства. Большое влияние на живопись Фриды Кало оказал Диего Ривера. В её творчестве преобладает жанр автопортрета, метафорически отражающего события её жизни. В 1953 году состоялась первая персональная выставка художницы на её родине. В 2003 году выставка работ Фриды Кало и её фотографий прошла в Москве. Яркая и неординарная личность Фриды Кало нашла своё отражение в литературе и кинематографе.
Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года на северо-западе Мексики. С 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии Художеств в Мехико, учился в Мадриде, жил и работал в Париже. Диего Ривера — один из самых знаменитых латиноамериканских художников-монументалистов ХХ века. В своём творчестве обращался к истории и современности коренных народов Америки, и в первую очередь — Мексики. Он испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства, так и модернизма, в частности — кубизма. Ему были близки традиционные мексиканские художественные жанры и стили.
В 1927 году Диего Ривера приезжал в СССР, участвовал в праздновании десятой годовщины революции. Несколько лет работал в США, его фрески украшают огромное число общественных зданий. Писал на темы фольклорных сюжетов, верований и обычаев народов Мексики и революционного движения в стране. В 1955-56 гг. Ривера вновь посещал СССР. Скончался 24 ноября 1957 года в Мексике, похоронен на территории Ротонды выдающихся деятелей. «Такие люди, как Ороско, Тамайо, Ривера, — подобны вершинам Анд», — сказал поэт Пабло Неруда.
Режиссер Лейла Абу-аль-Кишек: «Творчество Фриды Кало неотделимо от ее жизни, большинство ее картин автобиографичны. Ее жизнь настолько насыщена событиями, что может послужить вдохновением для множества драматических произведений. Каждая картина – маленькая пьеса. За три дня до смерти Фрида напишет картину "Viva la Vida!". Это название звучит как манифест всей ее жизни, которую она прожила с благодарностью, несмотря на множество трагических обстоятельств. «Да здравствует Жизнь!» - говорит Фрида Кало на прощание. Спектакль «Фрида. Жизнь в цвете» о том, что скрыто за яркими и, отчасти, наивными картинами Фриды Кало. Это история об одиночестве, страсти, боли, любви и предназначении».
Ника Симонова, автор текста «Фрида. Жизнь в цвете»: «История сама по себе настолько драматическая, красочная и самодостаточная, что все время нашей работы над спектаклем она вела нас: автора, режиссера, исполнительницу главной роли и всех создателей спектакля, – за собой, направляя, подсказывая решения. В сценах мы использовали документальные материалы, отрывки из дневника Фриды Кало, фрагменты интервью Диего Риверы, мексиканские крылатые фразы, песни, но также и свой субъективный взгляд на внутреннее развитие персонажей. Для меня «Фрида. Жизнь в цвете» - это в первую очередь история преодолений и подвигов одной маленькой женщины, которой суждено было стать большим художником. Это история любви и публичного одиночества. Это история победы цвета над серостью, выдумки над повседневностью, жизни над смертью».
В спектакле звучит народная мексканская музыка Запись музыки осуществлена в студии Театра имени Евгения Вахтангова Звукорежиссёр - Руслан Кнушевицкий В записи принимали участие: Михаил Айнетдинов (труба), Николай Шипулин (гитара, бас-гитара, перкуссия, ударные), Андрей Сергиевский (рояль, синтезатор), Жазира Абдигали (виолончель)
Создатели спектакля выражают благодарность Посольству Мексики в России и лично советнику по культуре Наталье Фортуни за неоценимые консультации в процессе репетиций.
В воскресенье в Москве проходит вручение 31-й Национальной премии кинематографических искусств и наук «Ника». Лауреатом почетной номинации «Честь и достоинство» имени Эльдара Рязанова стал народный артист СССР 95-летний Владимир Этуш. «Сегодня горд театр Вахтангова, где служит великий из великих, это праздник театра», – сказал худрук театра имени Вахтангова Римас Туминас, вручая награду Этушу. «Я очень рад, и больше я ничего сказать не могу. Я долго-долго-долго чего-то делал, как артист, и все. Больше я ничего не делал. Спасибо, я очень тронут», – сказал Этуш.
В номинации «Открытие года» победил режиссер Александр Хант. Фильм «Салют-7» отметили за лучшую операторскую работу, а «Матильда» победила в номинациях «Лучшая работа художника» и «Лучшая работа художника по костюмам». Владимир Дашкевич получил награду за музыку к фильму «Три сестры», а лучшей работой звукорежиссера признали Сергея Чупрова (фильм «Большой»). Лучшим неигровым фильмом назвали «Геннадий Шпаликов. Жизнь обаятельного человека», а анимационной картиной – «Два трамвая».
Победители в каждой номинации получили статуэтки крылатой древнегреческой богини Ники.
Мадам Бовари никогда прежде не заглядывала в Вахтанговский театр. Не читала там женских романов в девичестве, не грезила о лучшей доли в замужестве, не дорисовывала в бальзаковской перспективе в своих мечтах образы ни заурядного соблазнителя, ни прекрасного рыцаря и не искала на чердаке дома крысиного яда в финале истории - решить все свои проблемы сразу и радикально. Вероятно, дальше откладывать ее визит было некуда, поэтому пришло время реабилитироваться на Арбате перед Флобером.
Прежде чем взглянуть на мир глазами мадам Бовари, Анна Дубровская сыграла почти всех лучших чеховских и шекспировских героинь. Фото: Валерий Мясников
Когда худрук Вахтанговского театра Римас Туминас предложил режиссеру Ольге Субботиной обратить внимание на французскую литературу и взять для воспитания в актерах чувства стиля хорошую классику ХIХ века, коронный выход Бовари настал. Готовили спектакль на новой Симоновской сцене с чувством, с толком, с расстановкой, не спеша работая над инсценировкой вместе с актерами. Когда не на бумаге, а уже в зале, ногами, мерили на репетициях необходимость каждого слова, силу каждого вздоха и угол каждого наклона головы.
Мужской взгляд на суть вещей: Шарль Бовари был слишком снисходителен и умен, мадам Бовари не смогла дорасти до своего мужа, и поэтому стала заглядываться на мальчиков. Женский ракурс проблемы: он был изначально глуп и слишком наивен, и что еще оставалось делать ей в глухой провинции, как не завести любовника?
В Вахтанговском театре режиссером стала женщина, ставившая спектакли в Петербурге, Финляндии, Франции и снявшая несколько фильмов и сериалов на телевидении. В своей первой постановке в Вахтанговском Ольга Субботина решила пересказать роман Флобера, в 1856 году взорвавший общество, на сегодняшний лад. Легко и непринужденно. Привлекательно, но не слишком обременительно. Вспомнив телевизионные приемы удержания и переключения внимания аудитории. Например, в новый город с семейством Бовари зал переезжает буквально. Встает со своих мест, с удовольствием перемещается. Долго рассаживается на новых, по ходу разглядывая воссозданные готические интерьеры Руанского собора. И любуясь многофункциональной сценографией главного художника Вахтанговского театра Максима Обрезкова, способного создать любую палитру настроения самыми минимальными средствами, в чем и гениальность.
“Муж был глуп. Что оставалось делать ей в глуши, как не завести любовника?
Ольга Субботина призывает поначалу себе в помощники Фрейда - "в этой истории мы его обнаружили, так тонко и изощренно анализирует Флобер распад личности Эммы, приведшей ее к самоубийству". Но сложносочиненные психологические конструкции, с которых все благополучно начиналось, уступили место односложным линейным мотивам поведения. Как режиссер Ольга Субботина не анализирует ситуацию, но внятно, пошагово излагает суть событий. Сверхзадачи показать, что с каждым новым мужчиной, появлявшимся в ее жизни, Эмма Бовари становилась другой, видимо, не стояло. Женщина-режиссер подводит женщину-героиню к краю гибели созданием сломленным, но с взглядом запутавшегося, отчаявшегося ребенка. Прекрасно понимающего, что прощения не будет.
Но ведущей актрисе Вахтанговского театра Анне Дубровской - мадам Бовари - там есть что играть. Превращение из девочки в невесту. Из невесты в жену. Из жены в женщину. Из женщины в обманутую женщину. А из нее в циничную, затем в отчаявшуюся. И наконец в мертвую... И если после первого любовника в жизни Бовари начинается бег по кругу одинаковых эмоций, то на самом начальном этапе развитие личности ее героини виртуозно идет по спирали. На очаровательном, почти детском личике отражается целая радуга женских характеров. Ее Бовари впитала в себя и чистоту Зиночки из "Дядюшкиного сна". И красоту Елены Андреевны из "Дяди Вани". И надрывность Раневской из "Вишневого сада", и роковую покорность Дездемоны из "Отелло", и смертельную боль Сарры из "Иванова". Ведь прежде чем взглянуть на мир глазами Бовари, Анна Дубровская успела сыграть в театре и кино уже, кажется, большинство лучших женских ролей мирового репертуара. Их хор будто стоит за плечами Бовари, нашептывая и успокаивая: не ты первая, не ты последняя…
Андрий Жолдак, поставивший "Мадам Бовари" в Петербурге, объяснил метания замужней женщины волей богов: в его спектакле, предшествующем вахтанговскому, некие высшие существа ставили эксперименты над людьми, заражая их сегодня особой чувствительностью к любви и повышенной ранимостью. Люди эксперимента богов не выдерживали, чувствительный человек был обречен на гибель, любовь провозглашалась опасной и без моральных революций Флобера. У Ольги Субботиной в Москве Эмма Бовари гибнет, просто потому что так автор написал. И так доктор Шарль Бовари (Владислав Демченко) великодушно прописал своей жене: купить амазонку для конных прогулок с Рудольфом (Кирилл Рубцов), отправиться в другой город проконсультироваться с Леоном (Федор Воронцов)… Подлинный масштаб благородства Шарля Бовари его жена мадам Бовари никогда не оценит. В новом спектакле мужчины слепо любят женщин, а женщины ничего не хотят понимать про мужчин.
В театральном пространстве АРТ-КАФЕ открылась фотовыставка известного театрального фотографа Дмитрия Дубинского - «Вахтанговские лица». На выставке представлены работы, сделанные Дмитрием Дубинским не только во время репетиций, премьер и за кулисами Театра Вахтангова, но и во время фотосессий с актёрами в студии. Любимые артисты разных поколений по-новому раскрываются перед зрителем.
Дмитрий Дубинский профессионально занимается фотографией более 20 лет; его фотографии публикуют не только российские, но и европейские издания. Член Союза фотохудожников России, лауреат премий «The Best of Russia» 2012 и 2014 года, «Viva! PhotoAwards-2012», член жюри фестиваля фотографии «Эволюция», постоянный фотограф российского Национальной театральной премии и фестиваля «Золотая маска».
С Театром имени Евгения Вахтангова фотограф сотрудничает уже более пяти лет. За это время он сделал множество замечательных фотографий репетиций и спектаклей: «Пристань», «Дядя Ваня», «Маскарад», «Евгений Онегин», «Берег женщин», «Анна Каренина», «Отелло», «Медея», «Ветер шумит в тополях», «Принцесса Ивонна», «Пиковая дама», «Мадемуазель Нитуш», «Бесы», «Гроза», «Кот в сапогах», «Тихая моя Родина…» и др. Эти снимки стали неотъемлемой частью летописи Театра.
Артисты театра имени М. Вахтангова представят бессмертное творение А. П. Чехова «Дядя Ваня» в постановке Римаса Туминаса 16 апреля на сцене Тюменской филармонии. Тюменцы познакомились с творчеством режиссера в прошлом году, когда московский театр привозил в наш город «Евгения Онегина».
Литовский режиссер Римас Туминас возглавил Государственный академический театр имени Е. Б. Вахтангова в 2007 году. По мнению режиссера, «Дядя Ваня» нужен современному человеку для того, чтобы он не стал грубым, бессовестным и циничным. Премьера прошла на сцене театра имени Е. Вахтангова в сентябре 2009 года. В спектакле «Дядя Ваня» заняты известные актеры: Сергей Маковецкий, Владимир Симонов, Владимир Вдовиченков, Людмила Максакова, Анна Дубровская.
Великий классик считал свои пьесы комедиями, вот уже на протяжении ста с лишним лет зрители стараются понять, почему эти истории, наполненные страданиями и недосказанностью, причислены автором к веселому жанру. В творчестве Чехова многие видят признаки будущего театра абсурда. Его герои думают одно, говорят другое, делают третье. Римас Туминас в своем прочтении очистил пьесу от быта и лишних декораций, на сцене довольно условно обозначена дворянская усадьба. В туминасовском прочтении хорошо знакомых персонажей узнать довольно сложно, и даже известные чеховские слова, которые, кажется, знаешь чуть ли не наизусть, звучат со сцены совершенно непривычно.
У меня был выбор: сводить детей на Кролика Питера в кино или в театр. Время нашлось только в четверг (точнее я думала, что оно будет, ну, да не важно уже, ведь билеты я взяла загодя). В четверг, судя по афише, единственное, что более-менее соответствовало нашим пожеланиям, был этот спектакль и выставка Марвел. Питера Пэна мы читали, и я нашла это произведение глубокомысленным и полезным для любого возраста. И вот мы здесь.
Театр Вахтангова новый, приятный, чистый. Очень приличная публика. Ничего пошлого. Ни тёток в китайских костюмах "под шанель", огромной *опой и сверкающими в поисках халявы и фоток глазками, ни торговцев хламом, ни лотков со жратвой, вроде попкорна или сладкой ваты. Всё, как и должно быть в театре: программка, бинокль, гардероб, буфет. Приятные капельдинеры в чистых ботинках и аккуратных костюмах. Респектабельные бабушки, с бирюзой в ушах, с капелькой горьких духов за ухом, с внуками, которым они передают некую торжественность момента. Я вспомнила своё детство. Ведь я тоже когда-то была одной из этих детей в сопровождении такой же бабушки. Боже! Я обожаю такие театры! Там даже пахнет по-другому!
Что касается постановки, если бы меня спросили сходить или нет? Я бы без колебаний сказала: сходите! Произведение сложное. Лучше перед просмотром всё же прочесть, что бы дети понимали сюжет. Как ни старался постановщик, но впихнуть большую книгу в два часа спектакля невозможно! И некоторые сцены вышли усеченными. НО! Дети в восторге! Они два часа смеялись, пугались, топали, хлопали. Пираты! Индейцы! Русалки! Актёры играют просто чудесно! Сама постановка - интерпретация детской игры, которую исполняют взрослые, - это стоит видеть, родителям не буде скучно. Фантазия, фантазия и ещё раз фантазия! Картонная, склеенная из бумаги, намалеванная гуашью! И она оживает!
Отдельно отмечу, что мы любим антракт. Если театр настолько хорош, то этот ритуал следует соблюсти. Даже если вы съедите банальный бутерброд с кофе, это же буфет! Вам подадут его девушки в перчатках и бабочке! Если идёте на взрослый спектакль, берите шампанское! Это добавляет изюму в такие мероприятия! Антураж же!..
Я довольна, как слон. Мне не жаль ни секунды времени! Билеты, кстати, успела купить каким-то чудом. Причём детям они достались в первом ряду, а мне на одном из задних. Это были последние! Зал битком! Обычно в театр Вахтангова билеты покупают за несколько месяцев. Нам достались самые крайние места. Но зал устроен таким образом, что сцена хорошо видна с любой точки. Так что даже с самого края первого ряда дети отлично всё разглядели.
Симоновская сцена Театра Вахтангова приглашает зрителя на очередную премьеру сезона. Репертуар Камерной сцены новой сценической площадки пополнила работа молодых талантов — спектакль «Фрида. Жизнь в цвете». Режиссер постановки Лейла Абу-аль-Кишек — недавняя выпускница Щукинского училища, автор пьесы — Ника Симонова, молодая поэтесса, закончившая ЛИ им. Горького, в главных ролях — молодые актеры труппы театра.
«Фрида. Жизнь в цвете» – это хронология очень короткой, но невероятно насыщенной жизни великой мексиканки. Не стоит придирчиво искать в ней исторической или биографической правды (в самом деле, можем ли мы знать наверняка, был ли Лев Троцкий так дорог нашей героине?). Несмотря на то, что самые известные и ключевые эпизоды ее непростой судьбы нашли отражение в постановке, это история не о биографии, это история о характере.
Вот Фрида (Аделина Гизатуллина), еще совсем юная влюбленная бунтарка в мужском костюме садится в автобус — удар, черные стулья в руках актеров взлетают вверх и прорезают хрупкое тело девушки, едва начавшей жить. Это первая авария в ее жизни. Вторая, самая, по ее собственному признанию, страшная, случится несколькими годами позже, когда она, заново научившись ходить, принесет показать свои работы известному художнику Диего Ривере (очень убедительный Денис Самойлов). Союз двух гениев, бунтарей, не знающих полутонов и не понимающих деликатной семейной недосказанности, станет для Фриды еще одним испытанием. Горечь невозможности стать матерью, постоянные измены мужа, расставание с ним после предательства родной сестры Кристины, роман с Троцким, тело, постоянно отказывающее ей в полноценной жизни.. Ни разу за весь спектакль она не склонит гордой головы.
На сцене почти не меняются декорации — меняется лишь сама Фрида, облачаясь то в мужские брюки, то в безликую белую ночную рубашку прикованной к постели искалеченной девушки, то в кокетливое алое платье влюбленной молодой женщины. Она раскрашивает свою одежду цветами и яркими узорами, или вновь надевает черный костюм в самые темные моменты своей жизни. Спектакль не переполнен ярко выраженным мексиканским колоритом, тут настроение постановке предают два персонажа — рассказчик (Андрей Удалов) и певица (Полина Чернышева), исполняющие что-то звонкое, чувственное, латиноамериканское, в том числе знаменитую La Llorona.
Нет тут и картин Фриды. Есть слово — ее дневники, стихи (самой Фриды и Ники Симоновой), как вырывающаяся из нее боль, горькая правда о собственной такой неласковой судьбе. Да, в спектакле много Фриды-женщины, но почти нет Фриды-художницы. И тем не менее ее картины незримо присутствуют на сцене, ведь на всех ее полотнах изображена только ее собственная жизнь, какой она и была — яркая палитра как постоянная борьба с жестокой судьбой, затягивающей ее в черную бездну. Это история о людях, о том, как они любили, как они страдали, о неистовстве характера и ценности свободы, о предательствах и гордости, о прощении и бесконечной боли, которая и есть сама жизнь.
История о невероятной силе духа, даже на смертном одре выплескивающей в лицо врагу все самые яркие краски мира. Жизнь в цвете. Вопреки всему.
МОСКВА, 16 апр — РИА Новости. Известный итальянский режиссер Лука де Фуско поставит спектакль по пьесе комедиографа Эдуардо де Филиппо "Суббота, воскресенье, понедельник" на сцене театра имени Вахтангова в Москве, репетиции начнутся в сентябре, рассказал на пресс-конференции в понедельник директор театра Кирилл Крок.
Торжественная церемония открытия "Русских сезонов" в Италии состоялась в середине января в Риме: гости церемонии посетили гала-концерт симфонического оркестра Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева. Около миллиона человек посетили мероприятия фестиваля в первые сто дней с его начала. Крок уточнил, что в рамках фестиваля театр Вахтангова в ноябре покажет в Милане постановку "Евгений Онегин".
"Контакты театра Вахтангова с итальянской культурой не ограничиваются только "Русскими сезонами", они очень крепки и прекрасны… По результату переговоров мы подписали контракт с известным итальянским режиссером Лука де Фуско. Он приезжает в Москву в театр Вахтангова в сентябре и начинает репетировать спектакль по пьесе Эдуардо де Филиппо. Премьера будет в январе будущего года", — сказал Крок.
Он уточнил, что пьеса называется "Суббота, воскресенье, понедельник".
https://www.hab.kp.ru/daily/26821.4/3857300/ 18.4.2018 Театр Вахтангова привезет в Хабаровск пять лучших спектаклей Гастроли московской труппы пройдут в краевом центре с третьего по шестое мая Элина ОГАНЕСЯН
Театральных ценителей ждет приятная новость: в Хабаровск едет труппа Государственного академического театра имени Вахтангова. Актеры прибудут в дальневосточную столицу практически в полном составе - 120 человек, чтобы показать хабаровчанам и гостям краевого центра легендарные спектакли: «Евгений Онегин» и «Дядя Ваня», а также «Крик Лангусты», «Медея» и «Наш класс». В представлениях будут заняты звезды одного из лучших театров страны: Сергей Маковецкий, Людмила Максакова, Ирина Купченко, Юлия Рутберг, Григорий Антипенко, Андрей Ильин и Алексей Гуськов и другие.
Гастроли пройдут на двух сценах: в Краевом театре драмы и Краевом музыкальном театре.
- За плечами Вахтанговского театра уже 98 лет. В молодом задоре его артистов и режиссеров, в стремлении разобраться в сложных нравственных проблемах, пробуждая в непростое сегодняшнее время добрые зрительские чувства, в многокрасочной театральности и заключен секрет творческого долголетия театра, - рассказывает Галина Родэз, руководитель литературно-драматургической части Хабаровского краевого театра драмы. - «Нет праздника - нет спектакля», - говорил Вахтангов. Этот девиз стал определяющим для всей творческой жизни театра имени Евгения Вахтангова.
Пять спектаклей покажут с третьего по шестое мая. Для Хабаровска это поистине знаковое событие. Театр Вахтангова существует уже почти 100 лет. Все постановки в нем объединяют классические каноны театральной культуры, а также современное видение искусства. Особое внимание уделяется в спектаклях актуальным проблемам общества. В составе труппы выступают известные в России и за ее пределами актеры, завоевавшие миллионы зрительских сердец во Франции, Германии, Италии, Греции, Чехии, Венгрии и США. Теперь оценить и проникнуться игрой Вахтанговских артистов предстоит хабаровчанам.
С 21 по 24 апреля на сцене театра им. Вахтангова свои спектакли представит старейший репертуарный театр Израиля «Габима». Гастроли приурочены сразу к двум знаковым датам — столетию коллектива и 70-летию государства Израиль. Вахтанговцам и самим до векового юбилея рукой подать, но разговор с Римасом Туминасом коснулся не только праздников, но и будней.
культура: Гастроли «Габимы» не просто «визит вежливости»? Туминас: Мы часто бываем в Израиле, и нас там всегда очень тепло принимают. Но дело, конечно, не только в этом. Между нашими театрами существует незримая, но прочная связь, имя которой — Евгений Вахтангов. На первый взгляд неожиданно — национальный театр старше своей страны, но, как видите, возможно и такое.
культура: Как случилось, что Вахтангов, у которого была собственная студия, принял под крыло еще и «Габиму»? Туминас: Это был любительский коллектив, объединивший людей, которые хотели играть спектакли на иврите. Они желали вернуть к жизни язык, давным-давно считавшийся мертвым. А создатель студии Наум Цемах мечтал о профессиональном еврейском театре. Он понимал, что студийцам не хватает настоящей театральной школы, и обратился за помощью к Станиславскому. Константин Сергеевич попросил Вахтангова взять на себя художественное руководство труппой, и тот согласился.
культура: Не владея языком, на котором предстояло играть его актерам? Туминас: Он начал брать уроки иврита, изучал еврейскую культуру и литературу. Но поначалу многим артистам все равно не нравилось, что ими руководит чужак. Пришлось Цемаху придумать целую легенду: мол, Евгений Багратионович — потомок одной из ветвей царского рода Багратиони, восходящего к самому царю Давиду. Легенда оказалась такой живучей, что Вахтангова до сих пор многие считают грузином, хотя его отец был армянином, а мать — русской. Легенда — легендой, а ивритом Вахтангов овладел: к началу репетиций «Гадибука» он уже прекрасно понимал, а к концу — мог даже разговаривать.
культура: Для еврейского театра «Гадибук» значит примерно то же, что для нашего — «Принцесса Турандот»? Туминас: Я не стал бы сравнивать. Несомненно одно — ни один другой спектакль Вахтангова не имел такого мирового признания. В конце 20-х годов «Габима» гастролировала с ним едва ли не по всему свету. Постановке была суждена очень долгая жизнь: «Гадибук» продержался в репертуаре до начала 60-х, то есть больше сорока лет, дольше, чем было отпущено его создателю.
культура: Максим Горький, побывав на «Гадибуке», был восхищен актерами, которые играли «с упорством и самозабвением верующих в чудесную силу красивого слова». За сто лет многое изменилось и в театре, и в жизни. Во что сегодня должен верить артист? Туминас: По-прежнему в Слово. В начале было слово — этого еще никто не отменял. Когда к нам в театр пришел Юрий Любимов и начал репетировать «Бесов», я видел, как актеры постепенно возвращались к тому, что было подзабыто — точная работа со смыслом, бережное отношение к звучанию слова.
культура: Но слово все больше вытесняется из нашей жизни чередой стремительно сменяющих друг друга картинок. Как заставить зрителя не только видеть, но и слышать? Туминас: Это трудно. Актеру надо быть не только исполнителем, но и мыслителем. Если хотите, отчасти философом. Впрочем, и зрителю это не помешает. Вообще всем нам. Беда не в том, что мы впускаем в себя слишком много информации, а в том, что большая ее часть нам не нужна. Сохранить ясную голову можно только научившись избавляться от словесной шелухи: избегать приблизительности, осторожно обращаться с современной лексикой. Она вносит пыль в нашу жизнь.
культура: А между тем новояз осаждает нас все сильнее. Заимствованиями из английского мы, не задумываясь, заменяем даже те слова, которые имеют точные русские аналоги. Туминас: Это мода. Мы хотим чувствовать себя современными и перестаем обращать внимание на то, что и как мы говорим. Считаем, что главное — донести информацию как можно быстрее, а насколько она на самом деле важна и нужна, не думаем. Заимствования заимствованиям рознь, но вот исландцы, к примеру, пытаются заменить такие привычно интернациональные понятия, как компьютер и телевизор, на слова, имеющие корни в их родном языке.
культура: А ведь и у Вахтанговского театра столетие не за горами. Туминас: И я уже переживаю. Когда к 90-летию предложил труппе поставить «Пристань», то сказал, что, если получится не очень хорошо, к столетию придумаю что-нибудь получше. Все замолкли, наступила пауза, и по глазам было видно, что многие думают: так он на десять лет останется?.. Я, конечно, шутил. Мне тогда не верилось, что я буду тут, когда театру исполнится 100. Мне и сейчас не очень верится. Но о том, что будем ставить, уже думаю.
культура: И что же? Туминас: «Гадибука». Сделаем музыкальный спектакль. На постановку приглашаем Евгения Арье из театра «Гешер». Фаустас Латенас уже пишет музыку. Может, мы выпустим «Гадибука» чуть раньше, но обязательно посвятим Евгению Багратионовичу. Конечно, это будет не единственный спектакль к юбилею. Если получится, представим праздничную неделю премьер. Никаких торжественных вечеров устраивать не будем. Будем играть. А все поздравления — в рабочем порядке. Ведь театр — сам по себе праздник...
культура: И Вы готовы поделиться этим праздником со всем миром — Ваш театр один из самых гастролирующих. Туминас: Гастроли — отличная встряска для труппы. К своей публике привыкаешь, начинаешь предугадывать ее реакции — тут заплачут, тут засмеются. Возникает соблазн снова и снова пользоваться уже найденным. Помню, как когда-то Маковецкий жаловался, что театр мало ездит. Сейчас кое-кто огорчается, что гастролей слишком много, трудно со съемками совмещать. С удовольствием ездят молодые и... Максакова — самая юная и энергичная. Она умеет распределить себя так, чтобы на все хватило. В мае в рамках программы федеральных гастролей отправимся на Дальний Восток. Если Чехов до Сахалина добрался, то нам стыдно не повторить этот путь. Будем играть так, чтобы зритель ощутил себя сотворцом спектакля, почувствовал — он не забыт, он нужен, его любят. Мы много ездим по провинции, и я каждый раз вижу, как после наших представлений в глазах зрителей снова возникает отсвет веры и надежды. Лермонтов считал, что «счастье только там, где любят нас, где верят нам». Мне кажется, он не во всем прав. Для меня счастье — это когда я люблю сам. Вот почему мне так хочется, чтобы куда бы мы ни приезжали, актеры влюблялись в публику. Отдавая себя зрителю, ты отдаешь себя Богу. Небесам. Если только ты говоришь с ним о вечном.
культура: А о злободневном, получается, говорить не стоит? Туминас: Для этого не обязательно идти в театр. Есть телевизор, пресса, интернет. На сцене ничего современного быть не может. Допустим, некое событие произвело впечатление на драматурга. Пройдет какое-то время, прежде чем у него созреет замысел пьесы, и еще какое-то, пока он ее напишет. Где гарантия, что сразу найдется труппа, которая ее поставит? Нет гарантии. А время идет. Наконец текст приняли. Начали репетировать. Вот сыграли премьеру. Спектакль идет сезон, два, три. Насколько он остается современным? Вот тут мы и приходим к тому, что театр современен не тем, что ставит, а тем, как он это делает.
культура: Что Вы в очередной раз и доказали, представив в Большом театре «Пиковую даму». Повести Пушкина без малого 200 лет, опере Чайковского почти 130. Ваш спектакль получился и современным, и вневременным. Потому что он про неизбывность человеческого одиночества? Туминас: И про это тоже. Кто не испытывал на себе: вокруг люди и даже вроде бы друзья, а ты понимаешь, что никому на самом-то деле не нужен. Но главное все-таки не в этом. Нет, я не про мистику. Никакой мистики, на мой взгляд, в «Пиковой даме» нет. Мы просто прячемся за нее по привычке, не хочу сказать, что в жизни нет. Повторю любимое шекспировское: «Ад пуст. Все черти здесь». Но не надо списывать на сверхъестественное то, к чему оно не причастно. Герману не три карты были нужны. И даже не богатство само по себе. Он пожелал узнать тайну жизни, понять, существует ли она вообще. Всем остальным это совершенно безразлично. Для них существует только игра, помогающая прожигать жизнь. Герман не сумасшедший, он — искатель истины. Сколько художников, поэтов, ученых сгорели, так и не сумев ее найти. И сколько еще сгорит...
культура: Русский театр почти сто лет гордился тем, что он реалистичен и психологичен. Сегодня и то, и другое все чаще выглядит анахронизмом. Почему, как Вы думаете? Туминас: Потому, что реалистический театр слишком буквален, он не оставляет места для воображения ни тем, кто на сцене, ни тем, кто в зале. Я каждую репетицию начинаю практически с одного и того же: давайте забудем о «приметах времени», о «психологии», о характерах. Характер прикован к быту. Его место на земле. Но в работе над любым спектаклем рано или поздно наступает момент, когда надо готовить взлет. Чтобы посмотреть на все сверху. Наша жизнь акробатична и парадоксальна — не взлетев, не поймешь, что к чему. Ронсар задолго до Шекспира открыл простую истину: «Всесильная Судьба распределяет роли, и Небеса следят за нашею игрой». Взлетать трудно. Но мы способны. Мы можем. Театр Вахтангова всегда был полетным.
Спектакль «Бовари» — человечный и понятный, без выкрутасов и амбиций — появился вовремя. После «Горячего сердца», представленного вахтанговцами на Исторической сцене, занимал вопрос: хватит ли им качественных художественных постановок, чтобы обжить разросшуюся театральную империю на Арбате? Премьера нового спектакля развеяла сомнения: хотя сюжет Островского с его сказочно-фольклорными мотивами был переложен на современный лад, но тут нет бульварного привкуса, новомодных высказываний, перечеркивающих темы классических фабул.
Хозяин и распорядитель всех сценических площадок вахтанговский худрук Римас Туминас еще до открытия Симоновской сцены определил ее направление как литературное, осваивающее прозу, театру не адресованную. Режиссер Ольга Субботина очеркам и рассказам предпочла крупную форму и повела повествование, не отступая от сюжета оригинального произведения. Но вскрыла его драматизм очень по-флоберовски: без дидактики, порицания и возмущения. Рассчитала действие так, чтобы сами зрители почувствовали его мотивы и заодно вспомнили другие художественные рифмы. Например, еще одну загубленную душу из великого романа Льва Толстого и трагическую Эмму Бовари Алисы Коонен в легендарном спектакле Камерного театра, поставленном Александром Таировым в 1940-м.
Постановка начинается с картины суда над автором, эпиграфом звучит: «Мадам Бовари — это я». Фразу Флобера знают даже те, кто никогда не держал роман в руках. Писатель действительно предстал перед парижским судом в 1857 году за «оскорбление морали». К счастью, вынесли оправдательный приговор, что позволило сочинению увидеть свет. Адвокат (Юрий Красков) и прокурор (Федор Воронцов) высказались, потом — подрались, на скамье подсудимых — герои и их автор. Зрители, что разместились по полукружью зала, в режиме реального времени следят за ходом разбирательства. Их знакомят с детством Шарля Бовари, его первой супругой (Ольга Гаврилюк) и юной Эммой, ставшей второй и горячо любимой женой героя. Сосредоточенность на сюжете и его подтекстах не мешает режиссеру использовать приемы актуального театра — так называемые «бродилки». Публику в середине первого действия приглашают из зала «Амфитеатр» во второй зал Симоновской сцены — «Камерный». Переход оправдан: там — неведомый Ионвиль, куда в надежде на счастье отправляются улыбающиеся молодожены. Зрители цепочкой следуют за ними и, пока рассаживаются (на каждом билете указаны два места), слушают рассказ о неказистых достопримечательностях города, похожего на провинциальное болото.
В романе Флобера много быта: от описаний комнат, нарядов, причесок до таких деталей, как привычка Эммы по утрам кушать шоколад, без которого она не могла обойтись, или сервировка изысканных блюд — пирамидки ренклодов на виноградных листьях. В спектакле «Бовари» быт почти утерян, а если и обнаруживает себя, то исключительно через детали интерьера. Мелодрама полуторавековой давности из жизни французской провинции и ее ханжеского общества подается как вневременная, и только костюмы напоминают о привязке к конкретной эпохе.
Режиссерского присутствия в спектакле практически не найти (это высокий уровень мастерства): действие, проявляющее кромешную жуть нравов, разворачивается без видимых усилий — само собой. С тонким юмором актеры представляют своих героев — тщеславных, завистливых, праздных, нерадивых, алчных. Общество не блистает разнообразием, метаморфоз не происходит, в стоячей воде — жизнь мутная. Пороки вскрываются азартно, характеры инкрустируются иронией и юмором, для каждого эпизода находятся красочные маски — то комические, то гротесковые.
Субботина, анонсируя спектакль, призналась, что сокращением названия до фамилии «Бовари» намеренно заострила смыслы Флобера. Ее занимала не только главная героиня, но и каждый персонаж. Интересными вышли все, хотя в коллективном портрете безнадежности образы Эммы и Шарля, попадающих в черную дыру обывательской пошлости, выписаны и тщательнее, и четче.
Анна Дубровская играет с неподдельным обаянием свою хрупкую и изысканную Эмму, вызывая искреннее сочувствие. В покорной нежной девочке, мечтающей понять, «что же на самом деле означают «блаженство», «страсть», «упоение» — слова, которые казались ей такими прекрасными в книгах», появляется ураганная сила саморазрушения. Проснувшаяся страсть — вызов обществу и приговор, вынесенный самой себе. Попадая в объятия Родольфа (Кирилл Рубцов), щеголяющего привычками ловеласа, она оказывается в беде. В трудную минуту он не поможет, как не поможет и другой искуситель Леон (Федор Воронцов), обольщающий бедняжку сладкими улыбками и разговорами.
Искры счастья (отлично придуманные и поставленные сцены: прогулка верхом или романтическое катание на лодке) не спасают от долгов и безысходности. Ловушка захлопнулась, пучина отчаяния поглощает, выхода нет, только — мышьяк. В опорных сценах Анна Дубровская добирается до трагических высот. Осуждать ее Эмму за равнодушие к дочери, за безжалостность к мужу, за разорение домашнего очага — все равно что сойтись в обывательском морализаторстве с прокурором, торопящим суд.
Простодушного Шарля — смешного в своей наивности и порядочности — ярко и точно играет Владислав Демченко. Их с Эммой беды — из детства. Она стала жертвой сентиментальных романов, тайком прочитанных в строгом монастыре, где воспитывалась. Мужественные рыцари и возвышенные барышни заменяли ей реальность. Он затравлен одноклассниками, отцом, матерью. Стал крестьянским доктором, а повзрослеть забыл. Миазмы скверного Ионвиля ему не помеха, ведь рядом обожаемые жена и дочурка. Над ним, похожим на клоуна и обиженного ребенка, смеешься и ему же сочувствуешь. Жизнь принуждает Шарля возмужать, но не оставляет срока на земле, он скоропостижно умирает вслед за Эммой. Финал — сентиментальный и закономерный. Маленькая сирота Берта Бовари отправляется работать, а суд продолжает разбираться: оскорбил ли Флобер «общественную мораль».
Единственное, что тормозит течение спектакля — многословие. Актеры — играют свои роли, некоторые — по две, а то и по три, сами произносят текст от автора, рассказывая о героях и описывая ситуации. Делают и то, и другое разнообразно и убедительно. Но к третьему часу спектакля слова иссушают эмоции зрителей. Оказывается, инсценировку складывали все вместе, сообща решая, что должно войти в спектакль. От переизбытка коллективного собирательства он и трещит по швам. Да и кто из актеров по собственному желанию откажет себе в наслаждении произнести неторопливый, красочный, сочный текст Флобера? Исполнители, кажется, очарованы тем, что сказанное не надо актуализировать. То, что случилось с мечтательной Эммой, может произойти и с современной девицей в драных джинсах, мордовороты и лицемеры не перевелись, да и пороки людские кипят, как и прежде.
http://portal-kultura.ru/articles/theater/193077-fridiyskiy-podtekst/ Фридийский подтекст 18.04.2018 Виктория ПЕШКОВА «Фрида. Жизнь в цвете» — премьера Симоновской сцены театра имени Евгения Вахтангова. Как правило, спектакль сначала рождается в воображении режиссера. Но в этом случае вдохновителем творческого процесса стала актриса Аделина Гизатуллина, сумевшая увлечь идеей сначала драматурга, а затем режиссера и своих коллег-актеров.
У каждого артиста есть потаенные мечты о заветных ролях. Не каждому удается их реализовать. Для Аделины Гизатуллиной одной из таких была Фрида Кало — выдающаяся мексиканская художница. Но шансов ее сыграть практически не было, поскольку пьесы об этой женщине не существовало. Можно смириться и ждать, но всегда есть шанс сделать так, чтобы она появилась. И актриса нашла автора. Ника Симонова — не драматург, а поэт. «Фрида. Жизнь в цвете» — ее первый драматический опыт, который она — и совершенно справедливо — называет не пьесой, а текстом. По сути, это хроника ключевых событий из жизни художницы. Симонова опиралась на дневники и биографическую литературу.
Перенести эту хронику на сцену взялась Лейла Абу-аль-Кишек, недавняя выпускница режиссерской мастерской Юрия Еремина в театральном институте имени Щукина. Для режиссера, как и для исполнительницы главной роли Аделины Гизатуллиной, жизнь Фриды — история мятежницы, не пожелавшей сдаваться на милость ни судьбе, ни людям. В детстве — полиомиелит, сделавший из резвой малышки калеку, в юности — автокатастрофа, превратившая тело в груду обломков, а дальше — череда мучительных операций. Живопись стала для нее анестезией, способной умерить неизбывную, нестерпимую боль. И телесную, и душевную.
Мексиканский колорит в визуальном решении спектакля лишь легким отблеском появляется в сценографии и костюмах, созданных Диной Боровик. Два белых, вручную расшитых народными мотивами тюлевых занавеса — лаконичная метафора жизни, рвущейся с больничных простыней взлететь к облакам, подчеркнута фейерверком красок в платьях Фриды, воспроизведенных по ее полотнам. Хореограф Евгения Любашина перевела на язык движения то, что в словах не нуждается: трагедию аварии, безысходность чувства, соединившего художницу и Льва Троцкого. В спектакле вообще много решений доверено пластике. Одно из самых сильных — Фрида, «танцующая» с прижатым к груди белым одеяльцем, в котором вместо новорожденного младенца оказываются серые холодные камни (Кало мечтала о детях, но так и не смогла стать матерью). Грохот, с каким они падают на пол, способен разбудить самое черствое сердце.
А надо всем этим страдающая и ликующая музыка — мелодии народных мексиканских песен (музыкальный руководитель и педагог по вокалу Андрей Сергиевский), с подлинной страстью исполненные Полиной Чернышовой и Андреем Удаловым. Эта обладающая некой мистической энергией пара, соединившая в себе функции античного хора и современного киномонтажа, ведет зрителя по кругам личного ада Фриды.
В том злополучном автобусе, врезавшемся в трамвай, девушка ехала не одна. С ней был ее возлюбленный Алехандро (Константин Белошапка). Ему повезло — отделался ушибами. Она же на месяцы оказалась прикованной к постели. И этого он не выдержал. Актер играет драму слабого человека, столкнувшегося с силой, которой он в любимой женщине даже не подозревал. Это не трусливая подлость предателя, скорее, отказ от чувства, которое ему не по силам. Через много лет Алехандро захочет вернуться. Фрида бросит ему в лицо все презрение, на какое способна ее гордая душа: я могу отдаться любому, у кого есть вкус к жизни, но не тебе.
Диего Ривера (Денис Самойлов) — великий художник и отчаянный ловелас. Он способен оценить талант Фриды, ее ум и нетривиальную красоту, но для вдохновения ему недостаточно одной лишь революционной романтики. Нужно еще и множество разных женских тел. Он свято верит в то, что его «сердце — не предатель» и сыграть это, пожалуй, довольно трудно. Не легче задача и у Марии Волковой, исполнившей роль Лупе — бывшей жены (тоже, кстати, не первой) неистового сердцееда: показать, как ревность постепенно сменяется состраданием к той, которой еще только предстоит угодить в любовный капкан.
Кристине Кало (Анастасия Жданова) не досталось и сотой доли мужества старшей сестры. Для нее единственно возможный способ существования — прилепиться к мужчине: вести дом, растить детей, терпеть побои. Покинутая мужем, она уступает притязаниям любвеобильного Диего. Что с того, что Фрида — его жена, главное — выжить.
Но сложнее всего Павлу Юдину, которому пришлось ломать привычное представление о Льве Троцком как о кровавом вожде, чтобы представить его просто одиноким человеком, все еще лелеющим надежду найти родственную душу.
Чем трагичнее история, тем проще ее нужно рассказывать. Молодая команда, куда вошли не только «коренные» вахтанговцы, взяла на вооружение неписаное правило Римаса Туминаса: «В театре побеждает тот, кто умеет рассказывать истории». У них это, похоже, получилось.
http://www.teatral-online.ru/news/21492/ Столетие театра «Габима» отметят в Вахтанговском Гастроли/ 21 Апреля 2018 11:00/ Мария Михайлова | Фото автора, сайт театра/
В субботу, 21 апреля, на сцене Вахтанговского театра начнутся гастроли израильского национального театра «Габима». Гастроли театра «Габима» продолжают начавшееся на днях празднование 70-летия государства Израиль и одновременно посвящены 100-летнему юбилею театра «Габима». Как сказал президент Российского еврейского конгресса Юрий Каннер, «Габима» на крыльях Мельпомены привезла праздник 70-летия Израиля в Россию».
Ранее театр «Габима» уже бывал на гастролях в Москве и Санкт-Петербурге, но впервые это происходит на сцене Вахтанговского театра.
«Друзья, я приветствую вас в нашем театре, - сказал на пресс-конференции, посвященной началу гастролей, худрук Театра им. Вахтангова Римас Туминас. - Это давно должно было случится, ведь Вахтангов создал театр «Габима» на три года раньше, чем Вахтанговская студия стала называться Вахтанговским театром. Государству Израиль – 70 лет, а театру – 100! Я думаю, что этим годом мы не ограничимся, это только начало нашего совместного сотрудничества. Через три года нам тоже будет 100 лет».
В октябре нынешнего года Театр Вахтангова с ответным визитом приедет в Израиль со спектаклями «Маскарад» и «Медея», а к своему вековому юбилею вахтанговцы планируют создание музыкального спектакля «Гадибук» в постановке Евгения Арье, музыку к которому пишет Фаустас Латенас.
На пресс-конференции театровед Дмитрий Трубочкин рассказал об истории создания «Габимы». «В 1908 году в России было создано еврейское историко-этнографическое общество и начался выпуск еврейской энциклопедии, - сообщил историк театра. – В результате этого события, вроде бы незаметного, но в истории культуры очень важного, стали происходить очень интересные вещи. Во-первых, были организованы фольклорные экспедиции по сбору мифологии и песен еврейского народа, из которых в конце концов выросла драма «Гадибук», принесшая славу театру «Габима». По всей России стали создаваться общества любителей еврейского языка и искусства и впервые возникла идея создания театра на иврите. Сегодня мы с благодарностью вспоминаем замечательного деятеля еврейской культуры Наума Цемаха, который в 1909 году впервые поставил пьесу на иврите. Так зародилась мечта о театре на иврите». 26 сентября 1917 года Наум Цемах встретился со Станиславским, и это стало фактическим началом художественной деятельности библейской студии МХАТа, впоследствии названной «Габима», под руководством Евгения Вахтангова.
В мае 1928 года театр переехал в Палестину. Как пояснил президент Российского еврейского конгресса Юрий Каннер, основной причиной отъезда театра стало то, что «в Советском Союзе с начала двадцатых годов шло планомерное наступление на язык иврит в пользу идиша, который считался «правильным» пролетарским языком и всячески поддерживался (на идиш были школы, пединститут, который готовил учителей в Белоруссии), а иврит считался языком буржуазных националистов. Это была главная причина, почему из бурно развивающейся театральной Москвы двадцатых годов театру пришлось уехать».
С момента основания театра все постановки в нем шли на иврите и гастрольные спектакли театра «Габима» на основной и новой сценах Вахтанговского пройдут на иврите с русскими субтитрами.
Откроет гастроли 21 апреля спектакль «Дорожные знаки» о поэте и композиторе, авторе гимна «Золотой Иерусалим», Наоми Шемер, а 22 и 24 апреля будет показан спектакль «Простая история» по мотивам романа нобелевского лауреата Шмуэля Йосефа Агнона.
На Новой сцене Вахтанговского театра состоялась пресс-конференция, посвящённая гастролям старейшего израильского национального театра «Габима». Как оказалось, приезд коллектива в гости к вахтанговцам неслучаен: сто лет назад театр-студия «Габима» возник благодаря режиссёру Науму Цемаху при содействии Константина Станиславского при МХТ и первым художественным руководителем «Габимы» (которую называли библейской студией Художественного) был именно Евгений Вахтангов. Так что нынешние гастроли в год столетия театра – это символичное возвращение к истокам, к первоначалу.
Открылась пресс-конференция кратким погружением в историю театра «Габима». Так, к примеру, помощник художественного руководителя Театра Вахтангова Дмитрий Трубочкин рассказал собравшимся про крошечный юбилей, о котором мало кто знал: когда в 1918 году Евгений Багратионович Вахтангов ставил знаменитый спектакль «Росмерсхольм», то он сам выходил на сцену в роли еврейского мудреца Бренделя, подменяя заболевшего Леонидова, назначенного на эту роль. С тех пор прошло сто лет, и вот «Габима» приехал в гости к «вахтанговцам», с которыми их многое объединяет.
Художественный руководитель Театра им. Вахтангова Римас Туминас поприветствовал собравшихся и в очередной раз подчеркнул глубинные внутренние связи театра «Габима» и Вахтанговского, уходящие корнями в прошлое. Кроме того Туминас отметил уникальность события – гастроли приурочены к 100-летию театра и 70-летию Государства Израиль. «Только подумайте: государству 70, а театру 100! Хотя мы тоже недалеко от вас, через три года будем праздновать столетие», – сообщил Римас Владимирович.
А чрезвычайный и полномочный посол Государства Израиль в РФ Гарри Корен признался: он надеется на то, что каждый новый спектакль «Габимы» будет показан не только в Израиле, но на сцене Вахтанговского – это может быть новым типом творческих отношений. В свою очередь директор театра «Габима» Оделья Фридман отметила, что это новый виток развития отношений между Россией и Израилем, между двумя заинтересованными друг в друге культурами.
Фото Валерий Мясников
Собравшимся рассказали, что визитной карточкой театра Габима стала постановка пьесы «Гадибук» драматурга Анского (режиссер – Евгений Вахтангов). Это был единственный спектакль, объездивший почти весь мир: гастроли проходили в Германии, Латвии, Польше, Франции и даже в США. В России спектакль сыграли около 300 раз, он исполнялся в первоначальном виде более 40 лет после премьеры и вошёл в историю театра. Важной информацией для собравшихся стало то, что с момента основания театра в Москве все спектакли «Габимы» игрались на иврите.
В связи с этим президент Российского еврейского конгресса Юрий Каннер рассказал о том, что иврит – принципиален для театра. — В Советском союзе идиш считался правильным пролетарским языком, а иврит выдавался как язык буржуазных националистов, – поведал он.
Гастроли в этом году не стали исключением и будут проходить на иврите с русским субтитрами.
Если говорить о статистике, то за столетнюю историю театр «Габима» сыграл более 2000 спектаклей в разных городах, среди которых Москва и Санкт-Петербург. В этот раз коллектив театра покажет московскому зрителю два спектакля – «Дорожные знаки» и «Простая история».
А в октябре 2018 года Театр имени Вахтангова побывает с ответным визитом в Израиле со спектаклями «Маскарад» (реж. Римас Туминас) и «Медея» (реж. М.Цитриняк).
https://rg.ru/2018/04/23/andrej-maksimov-skuchnye-liudi-teatrom-na-zanimaiutsia.html 22.4.2018 Вахтангов пришел к вахтанговцам Текст: Андрей Максимов (писатель, телеведущий) Директор Театра имени Вахтангова Кирилл Игоревич Крок любит театр. Причем не только тот, которым руководит, а театр вообще. Как искусство. Ну если, конечно, он хорош и талантлив.
Когда Крок увидел в Питере постановку "Вахтангов _ Чехов. docx", он решил показать ее москвичам. Спектакль поставлен в Санкт-Петербургском городском театре. Коллектив - талантливый, но молодой, то есть - небогатый - денег на гастроли нет. Но спектакль-то хороший! К тому же основан на документах, да еще - один из главных героев не кто-нибудь, а Вахтангов! Ну как не показать на вахтанговской сцене? И - случай уникальный - один театр, по сути, выступает меценатом, чтобы привести спектакль другого коллектива на свою сцену. Вот как оно бывает! До этого момента было понятно, что писать, а вот тут я, автор, пасую слегка. Описывать хороший спектакль - вообще дело неблагодарное, но как найти слова для того, чтобы описать то, аналогов чему нет?
Жанр постановки: "игра съ с документомъ". Тут оба существительных важны. Да - документы. В спектакле нет ни одного слова от автора: либо - письма, дневники, мемуары, либо - книги исследователей театра. Надо сказать, невероятный труд проделали создатели театрального исследования истории Первой студии МХТ, взаимоотношений Станиславского, Вахтангова, Михаила Чехова и других гениев того времени. Документы скомпонованы так, что получилась пьеса - абсолютно документальная и совершенно необычная. Это все исторически достоверно? Безусловно. Но все бы так и осталось в рамках театрального учебного пособия, если бы в результате не случилась бы история про людей. И Вахтангов, и Михаил Чехов, да все, о ком рассказывают, - живые, мятущиеся люди. Ужасно интересные. Страстные. Страдающие.
Этот исторический спектакль более всего похож на театральный капустник
Вот ведь чудо театральное! Актеры играют без грима, в сущности, занимаются чтением документов, а ты постепенно начинаешь сопереживать их героям. Даже Станиславскому, который - в сущности - плоская фанерная "кукла", с лицом "отца-основателя". Ты, зритель, не только ощущаешь театральную атмосферу тех лет, но - как и должно быть в театре - узнаешь людей. Я поймал себя на том, что, приходя ежедневно на репетиции в Театр имени Вахтангова, я чуть иначе стал смотреть на профиль Евгения Багратионовича на эмблеме театра: он для меня ожил, стал ближе, теплее, если хотите... А все почему? Потому, что в жанре постановки есть второе слово: ИГРА с документом. Игра - вот, что важно. Как ни парадоксально, этот исторический спектакль более всего похож на театральный капустник. Вы не поверите, но, оказывается, театральную историю можно рассказывать так, чтобы, с одной стороны, все было абсолютно исторически достоверно, а с другой, зал бы постоянно хохотал.
Поначалу мне даже как-то неловко было смеяться: все-таки Первая студия, Вахтангов, Станиславский... Серьезно вроде бы. Но ведь сам МХТ был не чужд капустникам. И вообще... Мы горазды повторять фразу Мюнхгаузена, придуманную Гориным: "Улыбайтесь, господа!" А вот улыбаться-то как-то не очень горазды. Мы привычно делим: вот над этим можно смеяться, а это - извините - серьезное дело. История, в том числе и театральная, безусловно относится к тому, о чем мы будем рассказывать всерьез, без шуток. А эти чудесные молодые ребята - шутят! Не холодно цитируют документы, но и вправду играют с ними. Веселятся. И почему начинает казаться, что и Михаилу Чехову, и Вахтангову, и даже самому Станиславскому такой рассказ пришелся бы по душе. Это для нас они - классики, основатели и проч. и проч. Но ведь это были очень живые, веселые люди. Вообще, скучные люди театром не занимаются. Знаете, почему? Потому что театр - это игра. Вряд ли скучный человек будет посвящать всю свою жизнь игре, не так ли?
Скучные люди театром не занимаются. Знаете, почему? Потому что театр - это игра
Сейчас абзац для истории, а не для читателя. В спектакле заняты шесть замечательных актеров. Их имена пока вряд ли о чем-то скажут читателям "Российской газеты", но я хочу назвать их для истории. Совершенно не исключаю, что когда-нибудь - лет, например, через сто или через пятьдесят - будущие театральные исследователи захотят рассказать, как создавался Санкт-Петербургский городской театр, и им понадобятся имена актеров. Итак. Илья Ходырев, Роман Михащук, Егор Шмыга, Михаил Рябов, Михаил Поляков, Тина Тарусина. В программке про них написано, что они не только сыграли, но и создали спектакль из документов. Студийная работа. Повеяло ранним "Современником", и мне кажется, не случайно.
Как бы ни старались артисты, каким бы ни был прекрасным коллективный театральный труд, ничего не получится, если нет лидера. У этих ребят такой лидер есть. Наталия Лапина - режиссер театра, она же - художественный руководитель его. Девушка робко вышла на поклоны и смущенно принимала овации зала. Откуда такая театральная сила у хрупкой девушки? Чудо театра! Эта постановка - единственный спектакль Наталии Лапиной, который я видел. Но я уверен: Лапина - очень хороший режиссер. Мало того что эта документальная постановка смотрится на одном дыхании; мало того что в спектакле столько режиссерских придумок, что хватило бы на пару-тройку театральных работ... Но Лапина сумела организовать молодых актеров, вдохновить и раскрепостить их. У плохого режиссера актеры никогда не существуют свободно, легко и азартно. Лапина - хороший режиссер. Как там классик писал? "Талант - единственная новость, которая всегда нова"? Классики не ошибаются.
Если жизнь время от времени преподносит подарки - то это однозначно был один из них. Три дня в Вахтанговском театре, куда мы привезли показывать «Вахтангов_Чехов.docx». Писать во время гастролей было некогда - ни одной свободной минуты на соцсети у меня не образовалось. Плотность жизни в вахтанговском прекрасна - не позволяет заниматься ничем лишним; и сохранять эту плотность я от всей души и дальше желаю руководителям театра: только так и можно настоящим ТЕАТРОМ быть. Там все хорошо, все работает как надо - от цехов до зрительской части, не минуя конечно буфет. Пригласил нас на гастроли Kirill Krok , он же собственноручно опекал нас все время пребывания в Вахтанговском и даже лично провёл трёхчасовую экскурсию по театру - Кирилл Игоревич, спасибо Вам большое, это для нас бесценный опыт и очень радостная встреча. А ещё нас на время пребывания «взял под крыло» Владимир Степанович Довгань, завпост театра. Настоящей старой школы завпост, я бы сказала - скала, бесценный профи. Он все время называл нашу мхатовскую чайку «вороной» - и, в-общем, под крылом вороны и Довганя было как-то надёжно. Также нас оберегала «хозяйка гостиницы» Зоя Николаевна, замдиректора по симоновской сцене Юрий Александрович, и все-все-все, от костюмеров до вахтёров, относились к нам как-то по-доброму. Это пост большой благодарности за встречу с профессионализмом, с профессиональной любовью к делу театра. В ней-то и состоял подарок и праздник. Очень захотелось увезти с собой и любовь, и профессионализм ) но, надеюсь, ещё встретимся).
Завтра у Владимира Этуша, потрясающего артиста и человека, поражающего творческой неуспокоенностью, день рождения - 95. А, может и 96 - даты в документах расходятся. Но в конце-концов сколько ему лет не имеет значения: в таком возрасте можно хоть каждый день поздравлять человека. И вот к серьёзной дате - подарок: президентский указ о награждении Владимира Абрамовича Орденом "За заслуги перед отечеством I степени". Таким образом артист становится полным кавалером этой почетной государственной награды.
фото: Сергей Иванов
Надо сказать, что в день рождения Этуш совсем не намерен отдыхать. В Вахтанговском на этот день назначен в спектакль "Бенефис" , поставленный режиссером Владимиром Ивановым по пьесе Надежды Птушкиной "Пока она умирала". Владимир Абрамович играет в нем пожилую и степенную даму Софью Ивановну, мать старой девы, которая в конечном счёте и устраивает судьбу одинокой дочери. Рассказывать как играет Этуш нет смысла - это надо видеть.
По словам режиссёра Иванова, который ни один спектакль выпустил с известным артистом, на сцене Владимир Этуш абсолютно свободен. -Так как он играет, играть никто не может - это выше профессии. Он живёт по законам жизни, а не по законам театра. Энергия зала его подпитывает, у него после спектакля глаза горят. В его возрасте так не репетируют и не играют! У него же шесть спектаклей в месяц.
Большинство коллег будут поздравлять своего старейшего артиста , как говорится, на удалении: в настоящий момент театр имени Вахтангова находится на гастролях в Хабаровске. Свои большие гастроли вахтанговцы открыли хитом - "Евгением Онегиным" в постановке Римаса Туминаса на сцене Музыкального театра. Кроме "Онегина" на двух центральных площадках Хабаровска столичные артисты также покажут свои лучшие постановки - "Дядя Ваня" с Сергеем Маковецким, Владимиром Симоновым, Людмилой Максаковой в главных ролях. А на сцене Хабарвский драмы пойдут спектакли малой формы - "Наш класс", "Медея" и "Крик лангусты". Из Хабаровска самый успешный Российский театр переедет во Владивосток. И только "Крик лангусты" с Андреем Ильиным и Юлией Рутберг улетит на фестиваль в Хорватию.
Мифической трагедией "Медея" закончились гастроли Московского академического театра имени Вахтангова в Хабаровске. Народная артистка России Юлия Рутберг исполнила главную роль в постановке Михаила Цитриняка. Брошенная женщина, гонимая из родного города, где она была женой и матерью, Медея становится существом, олицетворяющим скорбь, трагедию, разделение женской души на две части: до и после.
Три стадии пережил зрительный зал краевого театра драмы за полтора часа показа вахтанговской "Медеи": гробовое молчание, выдох после напряжения и овация после развязки. Скромные мрачноватые декорации, современная одежда мифических персонажей: образы как будто доносят до зрителя - истории любви вечны, у них нет времени.
Медея в камуфляжных штанах и потертой майке ждет своего мужа Язона на окраине Коринфа, сидя на кавказском ковре у костра. В повозке спят их дети. Посыльный приносит ей весть о том, что Язон не сможет прийти, и Медея понимает, что муж отсутствует потому, что берет в жены новую возлюбленную — дочь коринфского царя, а ей, Медее, суждено покинуть город. Ее вяжут грубой веревкой, сжимая шею, пакуют вещи в узел и гонят прочь. Но убитая горем женщина все же вымаливает у царя Креона время до утра, чтобы увидеться с Язоном.
Диалог бывших супругов — самая острая и напряженная сцена в постановке Цитриняка. Грубый, низкий голос Рутберг придает разговору трагичности и глубины, она то шепчет, то срывается на рычащий крик, то страстно и с любовью вспоминает горячие ночи с мужем. Они кружат по сцене, мечась и мучаясь.
— Наша Медея — это жесткая женщина, отчаянная, убитая горем, плачущая сердцем. Ее именем никогда не назовут матери своих детей, она - как символ вечного проклятья любви, как будто кричит сквозь века о том, что разбитое женское сердце умерщвляет душу и тело, — сказала Юлия Рутберг, народная артистка России, исполнительница главной роли в спектакле.
Григорий Антипенко — исполнитель роли Язона — создал образ, спорящий с образом Медеи: ее дерзость, отчаяние и порывистость как будто на время успокаиваются его сдержанностью и покоем. Ненавидящим и жестоким Язон становится лишь в момент, когда понимает, что Медея зарезала их детей. "Где дети?" — кричит он бывшей супруге. Ответ Медеи в постановке вахтанговцев безмолвный, но яркий. Из двух чаш с красной жидкостью она достает два пропитанных алым лоскута ткани и выжимает их на свою белую рубаху.
— В конце представления создается ощущение, что Медею в окровавленных одеждах как будто снимают с креста, как с распятия. И библейская кода появляется, и слова заключительные звучат о том, что нужно любить и размножатся, рожать детей. Какой-то посыл через века, — сказал Игорь, зритель.
Из всех спектаклей, привезенных на эти гастроли вахтанговцами, "Медея" — единственная трагедия. Этот спектакль — один из самых популярных в репертуаре академического театра, за роль Медеи Юлия Рутберг получила много престижных наград, в частности "Хрустальную Турандот" - как лучшая актриса за роль в "Медее".
Напомним, в рамках "Больших гастролей" Московский академический театр имени Вахтангова привез в Хабаровск несколько спектаклей: "Дядя Ваня", главную роль в котором блистательно исполнил народный артист России Сергей Маковецкий, "Евгений Онегин", "Крик Лангусты", "Наш класс" — история в четырнадцати уроках, где играют только молодые актеры театра Вахтангова и трагедию "Медея". Все спектакли прошли с аншлагом на двух сценах хабаровских театров: в краевом музыкальном и в театре драмы. В последний раз вахтанговцы гастролировали в Хабаровске 34 года назад, в 1984-ом.
Вера Чеботарёва, новости Хабаровска на Dvhab.ru ФОТО — Игорь Чураков
https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок, 11 мая 2018 в 5:43 International Small Scene Theatre Festival, Международный Театральный Фестиваль Малых форм, спектакль «Крик Лангусты». Город Риека Хорватия
Завершился наш Дальневосточный марафон, мы оказались на самом краю России, две недели мы жили там, где встаёт солнце. Всем огромное спасибо за выдержку,терпение и самоотдачу. Особо хочу сказать , спасибо за мужество Катя (Екатерина Симонова), Katerina (Katerina Kramzina), Мария Волкова, Виктория Куль. Наградой за все стал восторг зрителей и овации после каждого спектакля, а их было 16)))
Не поленитесь, найдите в интернете президентский указ о национальных приоритетах и почитайте. Это полезный и нужный документ, направленный в том числе на поддержку и развитие отечественной культуры.
Мне бывает горько и обидно слышать некоторые комментарии членов нашего театрального сообщества, касающиеся таких указов. То мы, значит, сожалеем, что в послании президента нет и двух слов о культуре, то переживаем, что в отчете правительства уделено всего две минуты вопросам развития нашей отрасли. И вот выходит указ вновь избранного главы государства, в котором культуре отведено большое и важное место. Но, вместо того чтобы порадоваться, что наконец-то культура так или иначе признана ключевым фактором развития страны, мы по инерции продолжаем критиковать.
Указ президента предполагает выделение допсредств в 10 млрд рублей в год на ремонт музеев, концертных залов, театров и библиотек. В России 651 театр. Считаю, что если хотя бы 100 из них благодаря этому указу будут отремонтированы — это уже счастье и радость для всего нашего театрального сообщества. А для зрителя тем более. Если где-то в регионе завершат строительство театра, продолжавшееся 20 лет, разве это будет плохо? Думается, что замечательно. И не только я так считаю. Приезжала к нам из Израиля Елена Крейндлин, директор знаменитого театра Gesher, и рассказывала, как там плохо живется театрам при существующей у них финансовой поддержке. И нас предостерегала, чтобы мы не шли по этому пути, так как он может привести к достаточно трагическим событиям в отрасли.
Есть хорошая русская поговорка: «Что имеем не храним, потерявши — плачем». Она, мне кажется, как нельзя лучше подходит к тем коллегам, которые воспринимают всё, что делается со стороны государства в негативном ключе и не видят действительно полезных инициатив. Вот объявлен Год театра. Так вперед, работаем! Сейчас, насколько я знаю, Союз театральных деятелей России будет разрабатывать программу. Утверждать ее и получать дополнительное финансирование на решение тех приоритетных задач и программ, которые будут прописаны в постановлении правительства.
У Театра Вахтангова тоже есть свои определенные надежды и планы. В 2021 году грядет важная веха отечественной культуры — столетие нашего театра. Мне бы очень хотелось, чтобы к тому времени дом Вахтангова во Владикавказе, который сохранился до наших дней, все-таки был возвращен в лоно культуры. Чтобы там была расселена коммунальная квартира и мы смогли сделать культурно-мемориальный Центр Вахтангова. Мне кажется, это было бы очень хорошо и для театра, и для Владикавказа в целом. Новый культурный объект привлечет туристов, станет местом силы для местных художников, артистов, музыкантов, всех творческих людей. Согласитесь, было бы здорово, если бы у нас появился дом, где Вахтангов провел первые 18 лет своей жизни.
Конечно, все мы хотим, чтобы в Год театра было сделано как можно больше. Но невозможно все осилить за раз. Страна-то огромная. Мы на днях возвращались с гастролей из Владивостока. Боже мой, восемь часов в небе — и даже до границы не долетели... Повторюсь, Россия — огромная и богатейшая страна. Конечно, хочется, чтобы все было лучше и как можно скорее. Не всегда, к сожалению, это удается, но ведь удается же!
Я привез с гастролей самые приятные впечатления. В городе Комсомольск-на-Амуре отремонтирован потрясающий театр. Замечательные зал и фойе, хорошее оборудование. Во Владивостоке шикарная Приморская сцена Мариинского театра. Отличный современный ТЮЗ в Екатеринбурге, и этот перечень можно продолжать еще долго. Так что, когда говорят, что у нас всё плохо, я не верю. Верю, что недостаточно делают, что не везде всё хорошо, что есть масса проблем, которые предстоит решать, но в то что у нас все ужасно… Нет уж, простите.
Всегда проще кричать: «Ой, как всё плохо!», а ты начни с себя. С элементарных вещей. Вот я с собакой гуляю и, извините, сам за ней убираю в пакетик. Если всё начнут это делать, в наших парках будет чисто. Другой пример. У нас во дворах была детская неухоженная площадка. Жители окрестных домов собрали инициативную группу, оставили заявку на сайте «Активный гражданин». И вот результат — площадку облагородили: залили резиновым покрытием, установили качели и лавочки, разбили клумбы. Вы хотите страну менять? Так давайте сами себя начнем менять.
Завтра, 30 мая, воронежцы смогут, не покидая пределов столицы Черноземья, увидеть спектакь «Дядя Ваня» театра имени Вахтангова. В 19 часов на большом экране кинотеатра «Спартак» начнется прямая трансляция этого спектакля в постановке режиссера Римаса Туминаса.
Туминас очистил сцену от быта, оставив поле битвы страстей, разбитых иллюзий, неслучившихся надежд. «Дядя Ваня» театра им Вахтангова о том, что думают герои Чехова на самом деле и в чём признаются только в минуты душевного потрясения. Они порой косноязычны, как дядя Ваня, или излишне брутальны как Астров, но их признания вырываются из души так же яростно, как человек из душной комнаты на свежий воздух...
В главных ролях: Владимир Симонов, Сергей Маковецкий, Анна Дубровская, Людмила Максакова и другие. Продолжительность спектакля – 3 часа с одним антрактом. Стоимость билета 600 рублей.
Он все умеет делать в воздухе — сцены и отношений. Он все умеет делать на земле — очаг, огород, скамью. Обладатель очень мужского характера. Постановщик невыполнимых задач. Создатель спектаклей, каждый из которых становится событием. Вахтанговский — из самых успешных театров страны и столицы, и во главе его вот уже одиннадцать лет стоит «варяг» — Римас Туминас. Литовец, состоявшийся как феномен русской театральной культуры. …Мы не обсуждали злобу дня. Но из какого «сора» растут его сценические стихи, на каких корнях держится и расцветает его театральность, соединяющая земное и небесное, из этого разговора, возможно, станет яснее.
— Римас, вы утром просыпаетесь — о чем первые мысли? — Ужас! Надо идти в театр! Ищу причины, как бы не пойти, отодвинуть репетицию, что-нибудь придумать, такое важное, такое важное! Но не нахожу мотивацию! Кроме болезни. А что если здоров? Придут навестить… нет!.. Но понемножку, нужен час, два, чтобы улыбнуться. И найти мотивацию: иду, потому что хочу вот это сделать! Историю, историю ищу! Сцена неполная, непонятная. Два ведра истории еще надо влить вот в эту сцену! Из литературных ощущений, наблюдений, еще два ведра концентрированной истории, вот это хочется! Вылить!
— Будто дом строишь? — Да, и ты устал этот дом строить бессмысленный! Зачем? Все равно умрешь, а строишь. Что — для детей?! Самые гадкие вещи мы делаем ради детей.
— Вы часто говорите: «из театра надо бежать», он «смешное занятие», он «становится тюрьмой»… Будто все еще сомневаетесь в том, что именно театром предназначены заниматься. Откуда это стремление к побегу? — Потому что я хотел быть, как Юозас Мильтинис, ему театр был нужен как инструмент философии. Он с его помощью создавал свой философский мир. Я не сумел. Не стал я философом. Чего-то не хватило. Я так завидую (чем дальше живешь, тем чаще признаешься себе), когда театральные люди говорят: «Мой дед был писатель, адвокат, музыкант…» Я тогда думаю— вот откуда нить, вот откуда! А мне надо было все начинать заново. Меня Табаков всегда называл «хуторянин». Я и тут, в вахтанговском, в гостях. Так мне гораздо комфортнее. В любой момент можно взять чемодан и уйти. Не надо привязываться.
— Ну, положим, первые семнадцать лет жизни вы нелегко прожили: земля, скот, пахота, тяжелая работа. Но потом вдруг случился такой вертикальный взлет в одно из самых отвлеченных занятий на свете… — Потому что мне показалось, что есть другой мир. Я его ощутил.
— Когда? — Был один такой момент, один фильм. Я показывал в деревне кино, хоть и был несовершеннолетний, но мне разрешили, больше никто не умел. Сказали: только сам не смотри! Чешский фильм, мужчина в плаще, ночь, моросит дождь, он идет по городу, возвращается после отказа в любви, идет мимо витрин долго, ночью, один… И звенят его шаги. Эти шаги в ночи… Звук сочетался с его историей, с утратой любви, возникал образ другого, страшного и счастливого мира. И я подумал: хочу хоть когда-нибудь так шагать, чтобы слышать звук своих каблуков! Ведь мы с ребятами набивали свои каблуки железками, но они все равно не звучали — по песку, по земле.
— Что значит быть воспитанным матерью староверческих корней? — Значит, что красота была во всем — в ее рассказах, в ее работе. Мама отказалась от своей веры ради отца, и у нее возник некий Бог — Вселенная. Она говорила: ум Вселенной — это и есть Бог. Она ничего нам не запрещала, воспитывала только какими-то рассказами. Без поучений. Защищала, если я делал что-то нехорошее, верила в меня. Не просто слепая любовь, а вера. Она меня творила, она. В костел мы почти не ходили. Хотя моя бабушка такая была истовая католичка, хотела, чтоб я стал ксендзом, чтоб я там прислуживал…
— Я не вижу вас в белом воротничке, Римас! — Режиссер, между прочим, тоже своеобразный ксендз. Я ж вообще-то в огороде найден. Мама полола, принесла меня в свертке, положила в грядку и сама работала. И так она измучилась — старшему брату три года, я только родился, с отцом моим всегда было сложно. Поработала, пошла домой, легла и отключилась. Ночью просыпается, где он?! Побежала опрометью. И рассказывала: «…а ты спишь, улыбаешься!»
— Нежность матери и жесткость отца, защищенность и иррациональность — между такими полюсами и создаются режиссеры? — Возможно. Да, грубость жизни и какая-то вечная любовь, и эта шаткая прочность, когда все разрушается с болью и потом восстанавливается — тоже с болью. Моего отца в деревне боялись, жестокий, взрывной, от него исходила опасность. Он прошел всю войну, был контужен, в 45-м попал под военный трибунал, все это сказалось, эти страшные впечатления его навсегда изменили. И он сам это понимал и страдал.
— И вы его боялись? — Да. Когда я уехал, удалился, он стал ближе. Он умер зимой. И мы с братом в мерзлой земле вырыли очень глубокую могилу.
— Чтоб зарыть свой страх? — Нет, просто с огромным трудом пробили слой замерзшей земли, а потом песок пошел. И копали легко, так легко… Знали, что нужно метр пятьдесят, а вырыли глубже — пусть успокоится в глубине.
— Он ушел примиренным с жизнью? — Нет. Неподготовленным к смерти ушел. Он понимал, он знал, но никак не мог примириться с этим. Как один актер, больной раком, замкнутый, молчаливый, строгий, угрюмый, как-то на гастролях подробно вдруг стал рассказывать, что делают врачи, откровенно. Мы пошли с ним на террасу покурить, и я осмелился его спросить, только потому, что он вдруг впустил в себя, не страшно ли ему. И он сказал: «Читать книги, газеты — не хочу; на родину, в отцовский дом — не хочу, театр — тоже не хочу. Даже радио слушать не хочу. Только хочу дождаться, чтоб внучка родилась…» А если человек ничего не хочет — разве ему страшно? Природа подготавливает, отрезает связи, желания, готовит человека к смерти. Как страшно умирал Жалакявичюс! Мучился, что не успел многое сделать. А я не буду думать, что я сделал или чего не сделал! Ничего не буду делать, ничего не буду думать — шутить буду по возможности!
— Театр помогает преодолеть страх смерти? — Да. Потому все и рвутся в театр, что здесь можно обмануть смерть. Отдалить ее. Поверить, что, может быть, есть и вечность. Может, ты и бессмертный или бессмертна твоя душа. Это притом что театр умирает столько раз, сколько возникает. И так дает возможность учиться — не у жизни, у смерти.
«Горячее сердце» — первая в сезоне премьера Вахтанговского театра на основной сцене (начиная с сентября в театре обживали новую, Симоновскую сцену, выпуская премьеры там). На сцену выплывает субмарина и выезжает маленький танк. А Сергей Маковецкий блестяще играет первую в жизни роль в пьесе Островского.
В 1869 году актуальность комедии о беспробудном пьянстве, взяточничестве и произволе власть имущих испугала цензуру, и её разрешали играть только с указанием в афишах: «Действие происходит 30 лет назад». За 150 лет мало что изменилось: именитый купец Курослепов (Евгений Косырев) напивается до «белочки» и видит «падающее небо». Городничий Градобоев (Евгений Князев) — служака в кожанке с честным, как у чекистов из фильмов про революцию, лицом, берущий взятки, не шевельнув бровью. Разве что дочка Курослепова Параша (Мария Бердинских) — девушка с горячим сердцем, превратившаяся из жертвы домостроя в оппозиционерку. Она и косу отрежет, и в мужское платье переоденется, и из дому сбежит, чтобы с милым Васей (Юрий Цокуров) пойти в солдаты.
Но злободневность — не главное в вахтанговском спектакле. Ведь его поставил Александр Коручеков — талантливый режиссёр и педагог Щукинского училища, который избегает жёстких постановочных решений, предпочитая им импровизацию и театральную игру. В «Горячем сердце» игра начинается с самого начала: в доме Курослепова рама закрытых ворот вдруг оживает, двигаясь то влево, то вправо под музыку Петра Налича — композитора спектакля. И из ворот, как из цилиндра фокусника, появляются герои. А когда из-под сцены гордо выплывает субмарина с богачом Хлыновым (Сергей Маковецкий) на борту, житейская история окончательно уступает место театру в театре.
Героя Маковецкого в пьесе зовут Тарах Тарасыч. Пожалуй, самое неподходящее имя для этого эстета, философа и чистюли в белоснежном костюме. Обычно Хлынова играют тоскующим богачом — денег полно, а тратить их некуда. Герой Маковецкого печален, так как разочаровался в человеческой природе. Он испытывает людей, наблюдая с холодным любопытством: примет ли взятку Градобоев, если деньги уже засунуты в карманы, за пазуху, ремень брюк? Стерпит ли, если за шиворот нальют воду или отправят вверх на воздушном шаре? Что будет, если «прижать» Парашиного жениха Васю? Градобоев всё стерпит, Вася бросится обслуживать власть имущих. И Хлынову от этого станет ещё тоскливее. Не зря в «разбойничьей» сцене, где переодетая в фантастических чудовищ челядь ловит проезжающих и поит до бесчувствия, Хлынов сидит с черепом печальный, как Гамлет, принц Датский.
Маковецкий в этой роли играет и одновременно наблюдает за своим героем со стороны. А когда придёт время уйти со сцены, откупорит бутылку шампанского, нальёт себе бокал и объявит: «На этом роль Хлынова закончена».
На этом закончится и театр в театре. Параша вернётся домой, помирится с отцом и выберет правильного жениха — не Васю, а Гаврилу (Василий Симонов), который в ней души не чает, и попытается быть счастливой.
(язвительная рецензия, нервным просьба не читать )
http://khabarovsk.md/culture-art/13462-uvidet-i-umeret-teatr-imeni-evgeniya-vahtangova-v-habarovske.html Увидеть и умереть: Театр имени Евгения Вахтангова в Хабаровске 14 май 2018 Гастроли Государственного академического театра имени Евгения Вахтангова в Хабаровске получились мощными. Залы были переполнены, зрители благодарны, ладони отбиты. Социальные сети пестрели восторженными отзывами жителей дальневосточной столицы, волею судеб попавших на представления.
Действительно, это один из лучших театров России, а спектакли пушкинский «Евгений Онегин» и чеховский «Дядя Ваня» - образцы искусства, которое, простите за патетику, нужно писать с большой буквы. Они перевернули, открыли для многих эти затертые шедевры русской классики из школьной программы. За четыре дня были еще представлены помимо вышеперечисленных «Крик Лангусты», «Медея» и «Наш класс».
Гастроли стали возможными благодаря программе «Большие гастроли» Федерального центра поддержки гастрольной деятельности при Министерстве культуры РФ. Оператор вахтанговских представлений в Хабаровске - местный театр драмы - в рамках этой же программы летом представит шесть своих спектаклей в Екатеринбурге. В ответ - гастроли Свердловского академического театра драмы. И тоже шесть спектаклей: «Мастер и Маргарита», сказка «Соловей», шоу «Только для женщин», «Ханума», мелодрама «Дикарь» и комедия «Филумента Мартурано».
О Хабаровске
Если вернуться к вахтанговцам, то дальневосточная столица им понравилась. - Вы посетили лучший город России! - сказал на закрытии гастролей Александр Федосов, заместитель председателя правительства края - министр культуры Хабаровского края.
- Это чистая правда, - подтвердила Ирина Купченко, Народная артистка РСФСР. – Мы в восторге от Хабаровска. Когда нас везли на спектакль в машине, мы говорили: «Какой город! Какая красота! Как все любовно сделано, с какой душой!» Водитель долго нас слушал, а потом сказал, что Хабаровск несколько раз получал звание самого благоустроенного города в России. Уезжая из Хабаровска, конечно, мы будем помнить и Утес, и парк, но, главное, мы будем помнить ваши лица, ваше тепло, вашу любовь. Что в Хабаровске привлекает? Когда ходишь по городу, то чувствуешь, что он любим, как любима бывает женщина, как любим бывает ребенок. Это чувствуется во всем - в чистоте, в спокойствии и доброжелательности людей. У вас чудный город. И даже не хочется говорить: «До свидания», хочется говорить «До встречи».
Медея
Когда завершался спектакль, рядом со мной шмыгали носом женщины, да и после представления многие признавались, что плакали. Жалко было им Медею, а, может быть, жалко было убитых ею своих деток. Я же в этот момент почему-то вспомнил о двух хабаровских судебных процессах, где матери, по сути, убили своих маленьких детей. И если мы привыкли к образу женщины, как нежной, любящей, жертвенной, светлой матери, то Медея в пьесе Ануя – антипод. Она и колдунья, и предательница, и убийца - сродни древней языческой богине, пожирающей своих детей, сродни Черной Луне. Она притягательна, как всякое зло, она - сама страсть. И то, что почему-то называют любовью, это вовсе не любовь, а пагубная привычка, пристрастие: как алкоголизм, как наркомания.
Вполне логично, что Медея ради принципа, выдуманной мести жертвует своими детьми. Инстинкта материнства у нее нет, как такового. В XXI веке таких называют «мертвыми матерями». Что для них дети – комочки плоти, вышедшие из утробы, тряпочки. Сцена убийства детей была хороша, если возможен, конечно, в этом случае такой эпитет. Две белые тряпочки погружались в чаши, где окрашивались в красное… И ужас, и бесстрастие пред этим ужасом.
И здесь поиски исполнительницы главной роли Юлии Рутберг хоть чего-то светлого в образе Медеи обречены изначально. И именно этот поиск, отягощенный в какие-то уж очень лирические моменты музыкой с лидирующим саксофоном, придавало действу сладко-трупный запах мелодрамы, телевизионных сериалов. «Слаба бабонька», - думалось в тот момент. А тут еще Ясон – Григорий Антипенко, тот самый, который «Не родись красивой». Конечно, фанаткам истории про Катю Пушкареву было сладко видеть этого красавчика. Но, к сожалению, для мифического героя как-то был он хиловат. «Чтоб чужую бабу скрасть, нужно пыл иметь и страсть». То, что срабатывало в случае с Катей Пушкаревой, с Медей не работало. Дамы-зрительницы, услышав такое мнение, сразу обвинили в этом Юлию Рутберг. Она-де виновата, что герой мелковат. Так, холщовые штаны.
Медея – альтер-эго Девы Марии. В какой-то момент волчьи завывания, конечно, подчеркивали всю изначальную сущность такой женской природы, звериность, архитипичночсть. Голос Юлии Рутберг - глубокий, низкий, чуть хриплый, почти мужской, силы невероятной. И паузы у нее фантастически наполненные, правильные. Все это было до тех пор, пока в зале у кого-то из хабаровчан не зазвенел телефон. После этого все упростилось. Бывает.
Конечно, можно было бы согласиться, что «Медея не проигрывает, а, наоборот, побеждает в противостоянии свободы и мещанского мировоззрения, полного компромиссов. В финале Медея ассоциируется с богиней победы Никой». Только почему-то не хочется таких ассоциаций. И мещанства там почти нет, так намеки. Пьеса все-таки немного глубже, чем режиссерская трактовка и сценическое воплощение, наполнена внутренними противоречиями и психологическими ловушками. Как сама женская природа. А кто сказал, что от нее обязательно нужно ждать добра? И нужно ли, вообще, что-либо ждать?
Дядя Ваня
«Увидеть и умереть» - это про этот спектакль. Ему девять лет, а он живой, исполненный новыми смыслами, невероятно актуальный. Тикающий, как часики, держащий внимание, почти без темпоритмических сбоев, но и без заученности. Просто актеры живут на сцене, как дышат. И в этом чеховщина в первую очередь. Нам-то всю дорогу внушали, что Чехов - эдакий интеллигент, душка, остряк, любящий все и вся, да еще и гений. Да еще в пьесах чтобы было как в жизни, и обязательно с чаепитием и романсом под гитару. И чтоб в Москву из какого-нибудь вишневого сада, чтобы работать. Где-то в подсознании, конечно, периодически всплывало, что не так все просто, и за чайком из блюдечка вполне может какая-нибудь мистическая гоголевщина уместиться.
В чеховских спектаклях кто-то видит предтечу театра абсурда, ну а кто-то, наоборот, говорит о реализме. В вахтанговском «Дяде Ване» за эксцентричностью героев, чуть ли не буффонадой (чем не театр абсурда?) порой, кажется, кроются такие демоны, что всякая кровавая страшилка покажется мультфильмом «Чебурашка». Но все это тонко, с иронией, по-чеховски. Круглый желтый фонарь в самой глубине сцены не освещает, а, кажется, сгущает тьму. И вполне оправданно, что из этой тьмы и появляются герои этого спектакля. На такую луну, если, конечно, фонарь ее олицетворяет, обычно воют, из-за нее превращаются в чудищ. Собственно, почти со всеми это и отчасти происходит. Все как в жизни: предательство, пусть и мелкое, как средство существования. И даже вполне положительная героиня – страшная девушка Сонечка, по сути, предает себя, смирившись с тем, что она некрасива.
Уже после спектакля мысль: «Демоны». А уж потом: «Да какие демоны!» Они как мы, а мы, как они. Эти герои обречены на несчастье, и в этом, как мы бы себя ни уверяли, так похожи на нас. Говорящих щук давно уже выловили. Счастье - это ничегонеделание, это как горизонт, за которым бежишь, а он все дальше. А тут работать надо, чтобы кормиться и других кормить. Не зря на сцене был не стол, а верстак. И во втором акте появился плуг. Тут не до счастья. И нет уверенности, что даже на том свете, если, конечно, он существует, сможем блаженно отдохнуть. Вряд ли. Работать надо!
…Спектакль закончился. Зрители задержали дыхание и начали аплодировать. Как жаль, что так быстро прошли эти четыре гастрольных дня. И еще. Актеры театра с гордостью говорят о Римасе Туминасе, художественном руководителе Театра имени Евгения Вахтангова и режиссере «Дяди Вани», считают, что он - гений. А ведь и верно.
Спектакль «ЮБИЛЕЙ» - премьера на Симоновской сцене. 26 мая на Симоновской сцене (Зал Амфитеатр) состоится премьера спектакля «юбилей». Режиссер-постановщик - Илья Шиловский. Сценография и костюмы – Максим Обрезков. Художник-гример – Ольга Калявина. Художник по свету – Сергей Мясников. Звукорежиссер – Вадим Магаляс.
Автор пьесы «Юбилей» - артист Вахтанговского театра Фёдор Воронцов, продолжатель театральной династии. Пьеса во многом основана на реальных событиях, историях театрального закулисья, взлётах и падениях, жизни внутри театра.
Спектакль посвящён Михаилу Воронцову, отцу Фёдора. Женскую роль играет мать автора, заслуженная артистка России Елена Ивочкина. Ее партнёр по сцене - народный артист России Евгений Карельских.
Фёдор ВОРОНЦОВ, автор пьесы «Юбилей», актер Театра имени Евгения Вахтангова. «Это не первый мой литературный опыт. Писал я давно, но «для себя» – стихи, короткие рассказы, заметки, инсценировки. Пьесу эту я готовил для папы, актера Театра Вахтангова Михаила Воронцова. Он болел, не участвовал в спектаклях, но мне очень хотелось вернуть его на сцену. Я даже придумал, что его герой появится на инвалидной коляске – ходить он уже не мог. Михаил Воронцов сам был автором инсценировок, владел словом. Для меня важно, что он оценил мою работу, зауважал меня. Но играть отказался. Справедливо заметил, что актер – это особая энергетика, которая передается залу. А он уже был болен и слаб. Когда папы не стало, я решил продолжить работу. Дуэт родителей – Михаил Воронцов и Елена Ивочкина, актриса Театра Вахтангова, не состоялся. Но мама, актриса Елена Ивочкина, всё-таки решилась это сделать, взяв себе в партнеры друга нашей семьи, замечательного актера Евгения Карельских. Этот спектакль мы все посвящаем моему отцу, актёру-вахтанговцу Михаилу Воронцову».
Илья ШИЛОВСКИЙ, режиссёр спектакля, кинорежиссер и сценарист. «Для большинства людей юбилей является торжеством, на котором приглашенные обычно публично перечисляют заслуги юбиляра. Пьеса молодого автора Федора Воронцова – попытка взглянуть на это событие совсем с другой стороны. Для героев этой истории юбилей – это прежде всего подведение итогов. Попытка хотя бы в этот день сказать себе правду. Понять, что для тебя является главным в этой жизни, а что вторичным».
Продолжительность спектакля 1 час 40 минут без антракта.
Для большинства из нас Юбилей – определённый рубикон жизни и событие, безусловно, важное, требующее внимания и детальной подготовки. Как правило, у всех торжественная дата ассоциируется с праздником и его атрибутами. В завершении театрального сезона Московские театралы имеют возможность под особым углом взглянуть на всем знакомое событие. 26 мая на Симоновской сцене Театра им. Евгения Вахтангова состоялась премьера спектакля «Юбилей».
В основе сюжета - пьеса артиста Вахтанговского театра Фёдора Воронцова, поставленная режиссёром Ильёй Шиловским. Фёдора Воронцова театралы знают и любят по Вахтанговскому репертуару, но для большинства зрителей Воронцов-драматург стал приятной неожиданностью. Спектакль посвящён Михаилу Воронцову, отцу Фёдора. Женскую роль играет мать автора, заслуженная артистка России Елена Ивочкина. Ее партнёр по сцене -народный артист России Евгений Карельских.
Фёдор ВОРОНЦОВ, автор пьесы «Юбилей», актер Театра имени Евгения Вахтангова: «Это не первый мой литературный опыт. Писал я давно, но «для себя» – стихи, короткие рассказы, заметки, инсценировки. Пьесу эту я готовил для папы, актера Театра Вахтангова Михаила Воронцова. Он болел, не участвовал в спектаклях, но мне очень хотелось вернуть его на сцену. Я даже придумал, что его герой появится на инвалидной коляске – ходить он уже не мог. Михаил Воронцов сам был автором инсценировок, владел словом. Для меня важно, что он оценил мою работу, зауважал меня. Но играть отказался. Справедливо заметил, что актер – это особая энергетика, которая передается залу. А он уже был болен и слаб. Когда папы не стало, я решил продолжить работу. Дуэт родителей – Михаил Воронцов и Елена Ивочкина, актриса Театра Вахтангова, не состоялся. Но мама, актриса Елена Ивочкина, всё-таки решилась это сделать, взяв себе в партнеры друга нашей семьи, замечательного актера Евгения Карельских. Этот спектакль мы все посвящаем моему отцу, актёру-вахтанговцу Михаилу Воронцову».
На сцене зрители видят яркий актёрский дуэт – семейная пара знаменитых актёров готовится к предстоящему юбилейному бенефису. Только у каждого своя интерпретация этого события. В одной известной песне есть строчки: «Мы не похожи и похожи, как две строки стихотворения; И даже на одно и то же мы смотрим с разных точек зрения…» Это совершенно точно про наших героев.
Сценограф спектакля – главный художник Вахтанговского Максим Обрезков как всегда точно и филигранно воссоздаёт атмосферу действия. Сцена в чёрно-белых цветах разделена на две половины – Мужа (Карельских) и Жены (Ивочкина), которые визуализируют театральные афиши. Её часть: «Дама с Камелиями», «Женитьба», «Дядюшкин сон», «Будьте здоровы». Его: «Идиот», «Дело в Ноане», «Ричард 3»… У каждого своя «территория» и предел прочности, надежды и разочарования, боли и обиды, смятения и сомнения. За окнами слышен щебет птичек и звук пролетающих по шоссе машин, а в квартире героев настроение меняется, словно автомобили на автостраде.
На плечи актёров возложена непростая задача- все действие прожить в режиме « на пике эмоций», Елене и Евгению блистательно удаётся её реализовать!
Игра и жизнь, творчество и быт, обиды и признания, диссонанс общественного и личного, глобального и локального… Ироничные насмешки над модными трендами и филигранно вплетённые в диалоги героев монологи Шекспира и Чехова, стихи Гафта. Конфликт героев развивается, как бой на ринге- то удар, то нокаут, победа и поражение, но кто-то должен уступить.
На пресс-показе Илья Шиловский процитировал легендарный афоризм Экзюпери: «Любить — это не значит смотреть друг на друга. Любить -значит смотреть вместе в одном направлении». Режиссёр отметил, что вся наша жизнь- компромисс, как с обществом, так и с самим собой, и подчеркнул необходимость консенсусов не только в личных целях, но и в планетарных масштабах. И, пожалуй, именно это основная мысль «Юбилея».
В финале Юра, кажущийся в начале спектакля чёрствым, избалованным и равнодушным, проявляет себя как истинный романтик и джентльмен, а Юля из железной леди превращается в ранимую, хрупкую женщину, которой, как воздух, необходимо слышать слова любви и уважения.
Отрывков из стихотворения Валентина Гафта, органично и гармонично звучащего в контексте «Юбилея»:
«Но вымысел нас погружает Туда, где прячутся мечты, Иллюзия опережает Всё то, во что не веришь ты…»
Да, наверное, театр – одна из человеческих иллюзий, но именно здесь можно «возродиться вдохновеньем!»
Поздравляем создателей с премьерой! В следующий раз заглянуть по ту сторону сцены и понять, что актёры – такие же люди, как и все мы, можно 13 июня! Будем рады отметить вместе с Вами предстоящий «Юбилей!»
Римас Туминас приступил к репетициям спектакля по пьесе Дидье Карона «Фальшивая нота». 97-й сезон Вахтанговского театра подходит к завершению: 22 июня состоится его последний спектакль – «Царь Эдип», и Театр традиционным концертом на Арбате до сентября попрощается с московскими зрителями. Но уже сегодня Вахтанговцы готовятся к новому сезону – идут репетиции, показы самостоятельных работ, планируются гастроли, верстается репертуар.
Художественный руководитель театра Римас Туминас приступил к репетициям спектакля по пьесе Дидье Карона «Фальшивая нота». Перевод с французского – Ирина Прохорова и Александр Браиловский. Режиссер – Алексей Кузнецов. Сценография – Адомас Яцовскис. Костюмы – Максим Обрезков. Музыка – Фаустас Латенас.
В репетициях участвуют: народный артист России Алексей Гуськов и народный артист России Геннадий Хазанов.
Пьеса «Фальшивая нота» была написана Дидье Кароном, руководителем одного из самых старых и популярных парижских театров «Мишель», в 2017 году и летом показана в Авиньоне.
Всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется зритель, который специально приехал из Бельгии, чтобы присутствовать на этом концерте. Давний поклонник творчества Миллера, он жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Но что стоит за этой встречей? Только ли желание выразить свой восторг или заранее заготовленный план? Встреча этих двух людей изменит жизнь каждого, превратившись в поединок, в результате которого поменяется мировоззрение и философия жизни обоих персонажей.
Почти детективная история, где жертва и палач подчас меняются местами и держат зал в напряжении в течение всего спектакля.
Премьера спектакля «Фальшивая нота» состоится 15 сентября – в день открытия 98-го сезона на основной сцене Театра имени Евгения Вахтангова.
Что в понятии каждого из нас значит термин Юбилей? Большинство логично объясняет, что Юбилей – День Рождения человека или годовщина того или иного важного события. В эти дни, как правило, устраивают пышные праздники, звучат торжественные речи, юбилярам адресуют поздравительные оды и хвалебные дифирамбы.
В новом спектакле Театра им. Евгения Вахтангова к этому событию подходят как к жизненному рубежу, возможности под другим углом посмотреть на окружающих людей и обстоятельства. 25 мая в Зале Амфитеатр Симоновской сцены состоялась премьера спектакля «Юбилей», поставленного режиссёром Ильёй Шиловским по пьесе артиста Вахтанговского театра Фёдора Воронцова. С актёром Фёдором Воронцовым знакомы многие зрители: он играет в спектаклях «Бовари», «Анна Каренина», «Бесы», «Пристань», «Ричард 3». Талант драматурга в молодом, перспективном актёре для многих стал открытием, но результат, надо сказать, действительно впечатляет – пьеса жива, оригинальна и актуальна! Фёдор – продолжатель творческой династии, сын знаменитых актёров – Заслуженной артистки Елены Ивочкиной и Народного артиста Михаила Воронцова. Пьесу драматург посвятил своему отцу - актёру-вахтанговцу Михаилу Воронцову. К сожалению, Михаил в виду болезни не смог участвовать в спектакле, но после его смерти сын и супруга решили довести задуманное до конца и поставить спектакль-посвящение. Исполнить главную мужскую роль был приглашён Народный артист России, друг семьи Воронцовых Евгений Карельских.
Перед зрителями разворачивается дуэт двух противоположностей – Мужа (Карельских) и Жены (Ивочкина). Семейная пара знаменитых актёров готовится к предстоящему юбилейному вечеру, который станет бенефисом.
Но публика видит не сцену, а квартиру героев утром перед юбилеем. Режиссёр Илья Шиловский, также выходец из актёрской династии, не понаслышке знает, о чём идёт речь в спектакле – жизнь как театр, и игра, как способ существования? Или вся наша жизнь, «как пьесы читка»? Перед зрителями за полтора часа сценического действия, словно раунд на ринге, предстают судьбы двух людей, проживших вместе всю жизнь, но при этом абсолютно непохожих друг на друга.
Сценография Максима Обрезкова как всегда элегантна, атмосферно продолжает действие и усиливает эффект воздействия на зрителя! Пространство виртуозно разделено на две части – символичная половина жены и половина мужа, на каждой стороне - афиши спектаклей разных эпох двух театральных легенд. Её часть: «Дама с Камелиями», «Женитьба», «Дядюшкин сон», «Будьте здоровы». Его: «Идиот», «Дело в Ноане», «Ричард 3»… Все декорации, как и костюмы героев, выполнены в чёрно-белых тонах.
Монохромность подчёркивает бесконечную череду противоречий между героями и в том же время неотделимость одного от другого, нежную любовь и трепетную заботу. Продуманы и шумы за сценой - слышно, как за окном квартиры героев спешно едут машины, звучит заливистая трель весенних птичек.
На сцене идёт вполне обыденная, размеренная жизнь, которая переплелась в единое действие с театральной игрой. Остроумно и иронично продёрнуты модные тренды современности, общественная зависимость от социальных сетей и публичная трансляция личной жизни. Во всё действие искусно вплетены монологи Шекспира, Чехова, стихотворение Гафта… У Юли и Юры (так зовут героев) диаметрально противоположные взгляды на профессию. У неё – от формы, у него – от содержания. Жить на сцене или играть? Юра упрекает супругу в излишней театральности и помпезности, а она его в чёрствости, заносчивости и упрямстве. Театральная Прима склонна доверять режиссёру, а Народный артист убеждён, что если актёр Личность, зрителю всегда будет интересно. Очевидный гений не слишком хозяйственен в быту, любит выпить, плюс ко всему довольно конфликтен и строптив, а супруга полна своих личных комплексов и сомнений, нереализованных надежд и несбывшихся желаний.
А ещё он практически никогда не признаётся ей в любви, а женщине просто необходимо это слышать!..
Игра и жизнь, взлёты и падения, принципы и компромиссы, бесконечная борьба друг с другом и с самими собой, со своими иллюзиями, надеждами и мечтами! Градус противоречий накалён до предела, но кто-то должен уступить и сгладить острые углы. Как сказал режиссёр, не только спектакль, но вся наша жизнь – один сплошной компромисс: есть локальные, есть глобальные масштабы, но если человечество это не поймёт, то рано или поздно люди уничтожат друг друга. А ещё режиссёр полностью поддерживает афоризм Экзюпери: «Любить — это не значит смотреть друг на друга. Любить -значит смотреть вместе в одном направлении». Именно об этом и рассказывает спектакль «Юбилей», который пролетает на одном дыхании! В финале Герой таки признается супруге в любви!
В Театре, цитируя строки Гафта, звучащие в спектакле, возможно «Остановить на миг мгновенье и возродиться вдохновением…» В Вахтанговской премьере мы видим фрагмент из жизни двух людей, трогательный и трепетный, мудрый и актуальный!
В следующий раз стать гостем «Юбилея» можно 13 июня! Успейте зарезервировать места, ведь «Юбилей» - событие нечастое, но точно можно утверждать, что этот вечер Вам запомнится!
Театр им. Вахтангова. "Евгений Онегин". В главной роли Алексей Гуськов, хотя ожидался Маковецкий. Но у Алексея Гуськова юбилей - 60 лет - и видимо, это повлияло на "внутреннее расписание" актёров. За несколько дней взять билеты на приличные места очень сложно (в зале, на минутку, аншлаг), но сам театр небольшой, поэтому даже с балкона - благо, первый ряд - было видно и слышно очень хорошо.
Скорее, понравилось. Впечатление постоянно портила Татьяна, которую исполнила Ольга Лерман, но обо всём по порядку. Я не завзятый театрал, поэтому было сложно с первой же минуты разгадать задумку режиссёра и, как следствие, включиться в спектакль. Мысленно я пыталась усложнять, но всё оказалось проще.
Первое отделение было скорее комедийным. И музыка, и шутки, и эмоции, демонстрируемые героями - всё призвано было создать некий позитивный и в то же время ироничный, даже местами саркастичный настрой. Ольга и Ленский прекрасный. Идеально переданный образчик романтических отношений. "Я пришла в жизнерадостных трусиках, Я хочу от тебя карапузиков... Я хочу жить с тобою в шалашике, Делать борщик тебе и точить для тебя карандашики, Я хочу что бы мы бесконечно ляляляля, Бесконечно ляляляляляляляляляля..." (с) Гуськов прекрасный актёр и изумительно исполнил роль, его "младая тень", конечно, терялась на столь монументальном фоне. А вот трактовка образа Татьяны меня, мягко говоря, удивила.
Отход от классического образа в сторону "нормальности", к обычным подростковым переживаниям и реакциям мне вполне понятен, но контраст оказался слишком разительным. Татьяна перед написанием письма и в момент разговора с няней напоминала щенка лабрадора, восторженно носящегося по сцене, виляющего воображаемым хвостом и обтирающего от счастья все поверхности.
Вторым моментом стал сон Татьяны. Актриса, что читала текст, была уже в годах и местами глотала окончания слов, что всё время меня вырывало из паутинки сновидения, да и сам сон, на мой взгляд, просит налёта мистицизма, а его рассказали, как увлекательную, но обыкновенную сказку.
Вторая часть спектакля в противовес первой - трагичная и пробуждающая сопереживания. И музыка как нельзя лучше соответствовала. (В этой связи соблазнительный танец зайчика перед охотником, снижающий градус драматизма, лично я не оценила. В первой части он был бы уместнее.) Самый красивый момент, самый трогательный и берущий за душу - смерть Ленского. Интерпретация дуэль - убийство на самом деле невероятно близка к истине, потому что по факту это и было убийство, мастерски замаскированное под поединок чести. Несмотря на разницу в настроении и посыле, вторая часть оказалась динамичнее первой. Первая показалась всем нам местами затянутой. Простота декораций и костюмов оттеняла актёрскую игру, хотя солировал по-прежнему Алексей Гуськов.
Финальный монолог Татьяны поверг меня в ступор. В нём не было ни намёка на драматизм, на внутренний надрыв, на чувства, о которых героиня заявляет в конце: "Я вас люблю"... В монологе нет ни тени любви и страдания. То, как Ольга Лерман его произносит, навевает лишь одну мысль: Татьяна над Онегиным сознательно издевается, мстит ему, наслаждается местью и не считает нужным это скрывать.
Разрыв шаблона, когнитивный диссонанс - пропасть между смыслом текста и всеми невербальными информационными потоками оказалась для меня колоссальной. Я списала это на переигрывание, потому что принять настолько неклассическую трактовку, где Татьяна превращается в холодную самодовольную стерву, я не смогла буквально на физическом уровне.Не до такой же степени! Мне очень хотелось непередаваемого ощущения катарсиса в финале, хотелось сопереживать до дрожи, до слёз, но я не смогла себя заставить. Полное отсутствие эмоций, кроме недоумения, полное отсутствие сопереживания и сочувствия. А ведь это театр, и это одна из его главных целей - погрузить зрителя в состояние катарсиса.
В остальном спектакль оставил в памяти и в душе очень приятные эмоции. Заснять удалось только речь Алексея Гуськова после спектакля. Не понимаю, как людям удаётся снимать фото и видео, - меня всегда ловят на этом бдительные бабушки. На память осталась только стильная программка и собственно эта речь.
Все мы в школе читали про Эдипов комплекс, когда сын вожделеет свою мать. Я в школе увлекалась древнегреческой мифологией, мне очень нравились все эти древнегреческие персонажи, их причудливый и своеобразный мир. мудрость их эпосов, красота Богов... Не думала я, учась в школе, что когда-то буду посещать московские театры и смотреть там древнегреческие пьесы, написанные Софоклом. Театр Вахтангова после Маковецкого мне воспринимался как Театр Маковецкого, уж слишком он был яркий в постановке Мнимый больной. Но вернемся к Софоклу. Постановка была прекрасной, первая часть шла немного тяжело, но со второй половины все шло как-то полегче, но сказать где именно была эта вторая половина - сказать трудно потому что спектакль идет 1:40 без антракта. Может быть вторую часть можно отсчитывать от появления Максаковой (жена и мать Эдипа). Мне очень нравилось сочетание соверенной одежды и древнегреческой, очень понравился греческий хор, произвношение некоторых частей на греческом - другой язык, особенно греческий, язык, на котором была написана эта пьеса - это особая магия. Из декораций только большая труба, которая перекатывалась по сцене как символ рока. Мне постановка понравилась своей строгостью, какой-то классичностью. И самое главное, что в конце испытываешь тот самый катарсис, который должен быть от соприкосновения с икусством. А о самой пьесе - человек, стоявший на вершине власти и не веривший в Бога был раздавлен и разбит, он потерял все, но обрел смысл. он ослепил себя, но кажется стал более зрячим духовно. О грехопадении, которое рано или поздно карается. О глубинных психологических бессонзнательных желаниях сыновей, о роке судьбы.
Кто хорошо поработал, может хорошо поесть))) А поможет нам в этом замечательный гриль Weber-1400. Он настолько хорош, что, получив его в подарок от друзей и пользуясь им дома, второй такой же купили на дачу! Сегодня дачный дебют нашего гриля)))...
В пятничный вечер 22 июня театр Вахтангова закрыл свой сезон - 97-й по счету. Уже по доброй традиции это происходит на Старом Арбате, прямо на ступеньках легендарного театра.
Парадный вход взят в плотное кольцо поклонников театра. - Арбат, здравствуй, - говорит Василий Лановой. Публика отвечает ему дружным криком. - Я 61 год работаю в театре, поэтому имею право сказать «родной Арбат». Артист читает стихи о войне, которую видел в лицо: три года оккупации в Виннице. А потом Пушкин - цитата о долге перед Родиной. Из 80 ролей в кино у Василия Семеновича половина военных. Поэтому, конечно же, песня из «Офицеров».
Вечер ведут Марина Есипенко и Кирилл Рубцов. После серьезной увертюры вахтанговцы зажгли так, как не умеет никто в Москве. Даже директор театра Кирилл Крок ударился в куплеты из легендарного спектакля «Мадмуазель Нитуш». Эстафету приняли Александр Олешко и Марина Есипенко. Пока на Арбате идёт яркое зрелище, на сцене заканчивается трагедия «Царь Эдип». Через несколько минут участники спектакля в костюмах спустятся на Арбат к своим зрителям.
На Арбате прошло праздничное закрытие 97-го сезона Театра имени Евгения Вахтангова, во время которого сцены из спектакля Римаса Туминаса "Фальшивая нота" по пьесе Дидье Карона представили Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов.
"Мне запомнился этот театральный сезон тем, что я получил подарок от нашего художественного руководителя, - поделился Алексей Гуськов. - Это новый спектакль, который мы откроем в следующем театральном сезоне. Также мне запомнилось то, как я отметил юбилей 20 мая - замечательным спектаклем "Евгений Онегин". В тот день мне сказали очень много хороших слов, которые, я считаю, надо еще оправдывать и им соответствовать". Этим спектаклем Вахтанговский театр откроет следующий сезон 15 сентября.
Впервые вахтанговцы вышли с концертной программой на Арбат в 2009 году. Традиция сохраняется до сих пор: в любую погоду перед зданием собираются зрители, чтобы попрощаться с любимым театром до следующего сезона. Многие известные артисты выступают в этот день с песнями и стихотворениями. Также зрителям предоставляется возможность увидеть отрывки некоторых знаменитых спектаклей. В этом году участие в праздничном концерте также приняли Василий Лановой, Юлия Рутберг, Александр Олешко, Евгений Князев и другие. На сцене выступили артисты Национального театра Греции и оркестр Вахтанговского театра. Ведущими праздничного концерта были народная артистка России Марина Есипенко и Кирилл Рубцов.
Артисты выражали благодарность зрителям за их искренний интерес к театру, а некоторые также рассказали, чем им запомнился этот театральный сезон. В программе закрытия сезона также были представлены песни и джазовые композиции. Также зрители увидели и сцены из спектакля театра "Фрида. Жизнь в цвете" режиссера Лейлы Абу-аль-Кишек. Роль мексиканской художницы Фриды Кало исполнила Аделина Гизатуллина.
В память о начале Великой Отечественной войны 22 июня 1941 года многие артисты исполнили стихотворения и песни, посвященные этому трагическому событию. Например, Кирилл Рубцов и Марина Есипенко исполнили романс на стихотворение Константина Симонова "Жди меня, и я вернусь", а Василий Лановой спел знаменитую военную песню "От героев былых времен…"
Прямая речь
Актриса Юлия Рутберг: - Мне театральный сезон запомнился многочисленными театральными гастролями. Порой они были утомительны, но в целом было безумно интересно путешествовать по разным местам и показывать разным зрителям наши спектакли. Иногда мне кажется, что мы были словно странники в огромном бушующем водовороте - все время куда-то стремились, летели вдаль. Я очень люблю наш театр и надеюсь, что в будущем здесь будет еще больше прекрасных и удивительных премьер.
Летели в Омск, а прилетели в Тюмень. В Омске туманы опустились на аэропорт, вот такое приключение. Два самолёта из Москвы с артистами Театра Вахтангова думают, как сыграть Онегина прям в транзитной зоне аэропорта Тюмени!
https://vk.com/club_love_start http://www.omskinform.ru/news/120738 28.6.2018 Сергей МАКОВЕЦКИЙ: «По пути в Омск думали, что спектакль будем играть на взлетной полосе» В драмтеатре состоялась встреча с актерами Театра имени Вахтангова. Они рассказали о трудной дороге в Омск и своих впечатлениях.
Актеры Государственного академического театра им. Евг. Вахтангова, прилетевшие в Омск на фестиваль «Академия», на сегодняшней встрече со зрителями и журналистами признались, что еще толком не видели города. Творческая встреча прошла в Омском драматическом театре.
– Мы прилетели только вчера. Мы еле долетели, мы уже думали, что спектакль «Онегин» будем играть на взлетной полосе в Тюмени. Потому что, подлетев к Омску, нас отправили в Тюмень, и там мы просидели 3 часа. Мы прилетели к вам в 10:00 утра, и нам нужно было немного отдохнуть. Вчерашним вечером мы вышли к вам на встречу, а сегодня опять же с вами. Свободного времени у нас не было, – поделился народный артист России Сергей Маковецкий.
Отметим, что на встречу он немного опоздал, отметив, что из-за ливня ему «пришлось вплавь добираться». Кроме того, актер немного простужен. В 2005 году Сергей Маковецкий вместе со всей труппой театра, приехавшей в Омск, совершил паломничество в Ачаирский монастырь. Он произвел на артиста неизгладимое впечатление.
Народная артистка России Ирина Купченко восхищена Омском: – Тут и парков много, и такая необычная архитектура зданий. Нам же очень много рассказывали актеры, которых уже в живых нет, которые здесь были в эвакуации. Для них этот город вообще был чем-то. Мы очень много здесь гуляли, но в этот раз почти еще не были, потому что всю ночь не спали и ехали весь день.
Напомним, что в 1941 году Театр имени Евг. Вахтангова приехал в Омск, как сообщалось в газете, «на гастроли», но они затянулись на 22 месяца. За это время столичный театр показал 658 спектаклей на сцене Омского драмтеатра.
Через 5 минут начинаем. Открытие гастролей Театра имени Вахтангова в Омске на фестивале "Академия". "МЕДЕЯ" в Театре Драмы, "ЕВГЕНИЙ ОНЕГИН" в Музыкальном театре
http://www.omskinform.ru/news/120710 28.6.2018 Бурков вручил театру Вахтангова «Крылатого гения» Символ фестиваля «Академия» из рук врио губернатора получил актер Сергей Маковецкий, сыгравший главную роль в спектакле «Евгений Онегин».
Стартовавший накануне в Омске VI Международный театральный фестиваль «Академия» и дальше будет поддерживаться областными властями, заявил врио губернатора Александр Бурков. После окончания спектакля «Евгений Онегин» он поднялся на сцену и наградил актеров московского театра имени Вахтангова статуэткой «Крылатого гения» – символа «Академии».
Спектакль, открывавший омский фестиваль, поставил режиссер Римас Туминас. В 2014 году «Евгений Онегин» стал лауреатом театральной премии «Золотая маска». Омичи смогли насладиться игрой известнейших и любимых актеров Сергея Маковецкого, Виктора Добронравова, Людмилы Максаковой, Ирины Купченко и других.
– Я всех поздравляю с началом уже шестого Международного театрального фестиваля «Академия». Для нас это всегда праздник! Мы, находясь в Омске, можем открыть мировые театральные границы. Мы можем на нашей сцене видеть лучшие спектакли самых лучших коллективов России и Европы, – заявил со сцены Бурков. – Для нас вдвойне приятно, что мы видим театр имени Вахтангова. Потому что он для нас – родной. Это тот театр, который в годы Великой Отечественной войны делил сцену с нашей труппой. Во-вторых, наш знаменитый земляк Михаил Ульянов посвятил всю свою жизнь театру имени Вахтангова.
Глава региона призвал омичей не жалеть аплодисментов для артистов, впрочем, зрители и так долго не отпускали их после окончания спектакля. Всем артистам, которые еще будут выходить на сцену, Александр Бурков пожелал «творческого вдохновения», а зрителям – «встречи с прекрасным».
От имени «вахтанговцев» ответное слово взял Сергей Маковецкий, который, шутя, вспомнил непростую посадку их самолета. Вчера утром Омск накрыл туман. – Спасибо вам, дорогие мои омичи! Мы с трудом спускались к вам. И надеемся, что эти дни мы будем друг друга радовать! – сказал Маковецкий.
Сегодня днем состоится большая творческая встреча «вахтанговцев» с омскими зрителями. Она пройдет в Омском драмтеатре, начало в 16:00 часов. Вход свободный. Вечером же в рамках фестиваля состоятся сразу три показа – «Евгения Онегина» повторят на сцене Музыкального театра, «Медею» вновь покажут на основной сцене Омской драмы, а на Камерной сцене имени Татьяны Ожиговой состоится моноспектакль «Кино за лиру» Хаима Дери из муниципального театра Яффо (Израиль).
«Академия» только набирает обороты, и омские театры получат еще массу удовольствия от спектаклей и встреч с любимыми артистами.
http://bk55.ru/news/article/129435/ Кирилл Крок: «Если на сцене «Дядя Ваня», а в зале три сестры, то увы...» 28 июня 2018 Директор Государственного театра имени Вахтангова рассказал о рецепте финансового успеха и посокрушался по поводу технического оснащения омских и российских театров в целом.
В Омске стартовал театральный фестиваль «Академия». Несколько спектаклей привезли артисты Государственного театра имени Евгения Вахтангова. Так, зрителям фестиваля покажут «Евгения Онегина», «Медею», «Ревнивую к себе самой», «Мадемуазель Нитуш». Кроме того, эмоциональный фурор обещает произвести вахтанговский «Наш класс» – спектакль, в котором нет ни одного медийного актера, однако на московской сцене он несколько раз в месяц стабильно собирает аншлаги. Более того, он едва ли не самый кассовый в репертуаре. – То, что они делают на сцене, перевернет вас, – говорит директор театра Кирилл Крок, добавляя, что люди уходят с «Нашего класса» в слезах.
Спектакли театра Вахтангова пройдут на сцене Драмтеатра и Музыкального театра. Привезти некоторые постановки в Омск, увы, оказалось невозможно при всем желании, и всему виной – недостаток технического оснащения. – Мы хотели привезти нашу премьеру по Островскому. Но это, к сожалению, не получилось по техническим условиям. Нашего желания недостаточно, чтобы это реализовать. Чтобы сыграть два спектакля в вашем Музыкальном театре, мы привезли с собой две фуры декораций, оборудования и арендованного света, чтобы ваши зрители в Омске увидели постановки в том качестве, в котором они идут в Москве, – рассказал Кирилл Крок.
Директор омского Драмтеатра Виктор Лапухин добавил, что для показов в Музтеатре потребовалась и еще одна фура, уже заказанная омичами. Между тем, перемены по технической части, которые за последние 10 лет произошли в театре Вахтангова, Лапухин назвал «революцией».
Как рассказал Кирилл Крок, нововведения возможны не благодаря помощи властей и спонсоров: театр обеспечивает себя своей основной деятельностью. Недавно стало известно, что у театра им. Вахтангова появился свой тренажерный зал, и, по словам Крока, в Министерстве культуры узнали об этом уже после публикаций в СМИ, так что речь не идет ни о каком властном финансировании. – За прошлый финансовый год мы сыграли 74 спектакля на гастролях и 747 – в Москве. Цены на билеты – от 100 до 7000 рублей. У нас есть спонсоры, низкий им поклон, но, чтоб вы понимали, в бюджете театра эти средства составляют меньше 1%. Все то, что мы имеем, это все-таки деньги от показа спектаклей в Москве. Давайте мы поймем: театр – это то, что происходит на сцене. От того, какого качества это происходящее на сцене, зависит все остальное в театре. Без этого не будет никаких технических революций. В театре все зависит не от директора. Успешность определяет режиссер, который выпускает спектакль, и актеры, которые его играют, а к этому уже идет менеджмент и все остальное, – объяснил директор театра Вахтангова.
Что касается подбора репертуара, по словам Крока, вахтанговцы не идут на поводу у зрителя и не ставят дешевые комедии. Однако здесь считают, что театр для зрителя и во имя зрителя. – Я думаю, зрители хотят увидеть спектакль, который трогает за сердце, заставляет волноваться. Мы ходим в театр за двумя эмоциями: поплакать или посмеяться. Если этих эмоций нет, тогда увы, потому что прежде всего мы хотим достучаться до сердца зрителя. Если в театре есть только актеры (как в том анекдоте: на сцене «Дядя Ваня», а в зале три сестры), это должно показываться в рамках какой-то лаборатории и специальных проектов, но это не должно называться государственным репертуарным театром. Даже если об этом написали, что это супергениально, – уверен Кирилл Крок.
Что касается технического оснащения театров в России, об этом Крок выразился: «Я не сторонник того, чтобы говорить, что всё плохо». Он привел несколько театров, которые поразили своим современным оборудованием: к примеру, Приморская сцена Мариинского театра (Владивосток), ТЮЗ в Екатеринбурге и др. – Есть. Мало. Хочется больше. Это капля в море, согласен. Да, есть места, где действительно все очень плохо. Но обобщать и говорить, что всё в стране в плохом состоянии, не буду.
В Омске открылся престижный театральный фестиваль "Академия". В первый же день дают три спектакля. На основной сцене Драмы идёт постановка столичного театра "Медея" по произведению французского писателя Жана Ануя. А на камерной играют гости из Молдовы: молодёжный театр "С улицы роз" из Кишинёва рассказывает омичам "Про любовь". А главной площадкой фестиваля сегодня стал музыкальный театр. Именно там собрался весь бомонд: и омичи, и гости города, - чтобы посмотреть авторский спектакль Римаса Туминаса "Евгений Онегин".
В музыкальном театре сегодня аншлаг, зрители собираются уже на ступеньках. Прийти на открытие фестиваля "Академия" им не помешал даже внезапный шквалистый ветер. Билеты зрители раскупили буквально через две недели после того, как они поступили в продажу.
- Это очень яркая театральная неделя. К нам приезжают театры из центра , из Москвы, и мы имеем счастливую возможность увидеть их, приобщаться к этому, – отметила жительница Омска Оксана Саламахина. - Я лень люблю театр им. Вахтангова. И при любой возможности, когда бываю в Москве, стараюсь попасть на их спектакль, - поделилась жительница Омска Вера Монахова.
Театральная "Академия" открывается постановкой Римаса Туминаса "Евгений Онегин". В главных ролях - народные артисты России Сергей Маковецкий, Людмила Максакова, Ирина Купченко. Вахтанговцы очень переживали, успеют ли они на спектакль, так как утром из-за тумана их самолёт сделал вынужденную посадку в Тюмени. Но погода наладилась, и артисты вместе с другими пассажирами благополучно приземлились в Омском аэропорту. И вот со сцены музыкального театра для омичей звучат строки знаменитого романа Пушкина.
Послушать "Евгения Онегина" в трактовке Римаса Туминаса пришло много почётных гостей. Среди них - и глава региона. Сразу после спектакля он поприветствует участников фестиваля и вручит представителям столичного коллектива памятную статуэтку. - То, что сегодня открывает "Академию" театр им. Вахтангова, для нас имеет большое значение. Для омичей это родной театр, потому что в годы войны он делил сцену с труппой Омской драмы. Второе, что важно: всю жизнь с театром Вахтангова связал наш знаменитый земляк Михаил Ульянов. Продолжение будет, Правительство области поддерживало и будет поддерживать этот фестиваль, который стал уже любимым для омичей, - заявил врио губернатора Омской области Александр Бурков.
Помимо вахтанговцев, к которым традиционно высокий интерес, в программе фестиваля - театры из Израиля, Армении, Сербии, Швеции. Постановки очень разные. Есть спектакли для молодой аудитории и для зрителей постарше. О программе фестиваля сегодня говорили на пресс-конференции. Так, вахтанговцы покажут пять спектаклей.
- Вы увидите пронзительный наш класс. Я всем очень рекомендую в обязательном порядке посмотреть этот спектакль. Вы увидите новое, молодое поколение вахтанговцев. Там нет ни одного звёздного имени, но там новое поколение вахтанговских артистов, которые после нас поведут театр дальше. То, что они делают на сцене, поверьте, перевернет вас, - уверил директор Государственного академического театра им. Вахтангова Кирилл Крок.
Спектакль "Евгений Онегин" вахтанговцы для омичей повторят ещё завтра, 28 июня, и снова при полном зале. Фестиваль будет идти до 1 июля. Обо всех его ярких событиях 12 канал расскажет в специальных выпусках дневников. Они будут называться "Роман с театром". Такой вот своеобразный фестивальный гид для тех, кто по каким-либо причинам не смог попасть в театр. Так что следите за эфиром.
Значительным событием для культурной жизни Омска стал приезд Государственного академического театра им. Вахтангова. Гости вышли на театральные подмостки в рамках федеральной программы «Большие гастроли» и VI международного театрального фестиваля «Академия». В госпрограмме театр принимает участие с 2014 года, с момента создания проекта. За несколько лет сотрудничества вахтанговцы посетили Улан-Удэ, Владикавказ, Уфу, Петрозаводск, Саратов, Комсомольск-на-Амуре, Хабаровск.
Для омичей гастроли Театра им. Вахтангова стали традицией. И это не случайно, ведь в годы войны актеры-вахтанговцы были в эвакуации в Омске, и, по словам народной артистки РСФСР Ирины Купченко, для актеров город стал особенным. 27 июня Фестиваль «Академия» 2018 года открыли спектакли «Евгений Онегин» — лауреат «Золотой маски» 2014 года — в постановке Римаса Туминаса и «Медея» в постановке Михаила Цитриняка. Для «Онегина» была предоставлена сцена Музыкального театра, а для «Медеи» — Драматического. Спектакли прошли с успехом, омичи всегда тепло принимают вахтанговцев. 28 июня состоялась творческая встреча известных актеров театра с омскими журналистами. В ней приняли участие директор театра Вахтангова Кирилл Крок, и известные артисты, лауреаты престижных премий Сергей Маковецкий, Виктор Добронравов, Людмила Максакова, Ирина Купченко, Юрий Шлыков и Григорий Антипенко.
Встреча проходила в дружеской непринужденной обстановке. Вступительное слово было предоставлено Кириллу Кроку. Он отметил, что гастроли театра – основная часть жизни актера, без которой не может быть полноценного творчества. И все тяготы и неудобства бытовой части с лихвой окупаются благодарностью публики. Артисты вспомнили, какие трудности они испытали прежде чем добраться до Омска. «Мы прилетели только вчера. Еле добрались, уже думали, что спектакль «Евгений Онегин» будем играть на взлетной полосе в Тюмени», — рассказал Сергей Маковецкий, исполняющий главную роль в спектакле «Евгений Онегин».
Приземлиться актерам не позволил туман. «Когда мы подлетели к Омску, нас отправили в Тюмень. Там мы просидели три часа. Мы прилетели к вам в 10 утра, нужно было немного отдохнуть перед выступлением. Вчера вечером мы вышли к вам на встречу, а сегодня опять же с вами. Свободного времени погулять по городу пока не было», — добавил артист.
Также Маковецкий отметил, что опоздал на пресс-конференцию из-за проливного дождя.
Ирина Купченко вспомнила, что в 2005 году Омск произвел на нее хорошее впечатление: «Тут и парков много, и такая необычная архитектура зданий. Нам же очень много рассказывали актеры, которых уже в живых нет, которые здесь были в эвакуации. Для них этот город вообще был чем-то особенный. Мы очень много здесь гуляли, но в этот раз почти ничего не успели. Всю ночь не спали и ехали весь день».
Основной темой обсуждения встречи был спектакль «Евгений Онегин». Вахтанговцы отметили, что любой режиссер открывает произведение по-своему, а значит и по-новому. Ведь автор только подсказывает, а дальше следует восприятие. Одним из приемов активизации зрителя, например, служит отсутствие привычных для всех фраз («Мой дядя самых честных правил…»). Зритель прислушивается, но не слышит их. Так обостряется его внимание. Для иностранцев спектакль, конечно, дается с переводом, но не это главное, по мнению труппы, важно передать сам русский дух. Как это возможно передать актерам ответить отказалось затруднительно.
На вопрос «Финал – это трагедия или есть возможность жить дальше?». Ирине Купченко акцентировала внимание на сцене сна Татьяны, и его символический смысл: «Не трагедия и не жизнь. Это борьба между чувством и долгом» Затронуты были и основные идея спектакля: верность, женственность, чистота, невозможность вернуть время вспять, одиночество. То есть темы вечные, вневременные.
Подобная идея отражена в спектакле «Медея». Вопрос заключался в том, насколько спектакль актуален сегодня. Не получается ли резонанса? На этот вопрос ответил Григорий Антипенко, исполнитель роли Язона. Он сказал, что это классика, драматург Ж.Ануя достаточно серьезный, да и ответы в нем имеются на современные вопросы. Язона возможно Маковецкий защищает: «Артист даже обязан внутри себя оправдать героя и полюбить его таким, каков он есть. В противном случае зритель не поверит в правдивость образа» А это и есть ответы на вопросы современности через классику, что является основой театра им. Вахтангова.
Поинтересовались омичи и тем, что держит актеров именно в этом театре. В ответе был раскрыт смысл Вахтанговской школы, где сам дух передается от учителя к ученику. Основой остается заповедь Вахтангова пробуждать искусством высокие чувства. Свежие силы, молодое поколение, конечно, привносит что-то новое, так как театр — это не музей, но основа остается неизменной.
https://vk.com/gtrk_omsk 12 Канал Омск, 29.6.2018 12:32 [ФОТОРЕПОРТАЖ 12 канала] Эмоциональные и неравнодушные: пресс-конференция вахтанговцев в Омске.
Вахтанговцы Сергей Маковецкий, Григорий Антипенко, Людмила Максакова, Виктор Добронравов, Юрий Шлыков, Ирина Купченко и Олег Лопухов отвечали на вопросы прессы. Театроведы поделились, как омичи встретили первые сыгранные пьесы. Рассказали об основателе драматической студии Евгении Багратионовиче Вахтангове как "о великом и просвещённом режиссёре"; о гастролях и подготовке к 100-летию театра.
Ко всему сказанному Людмила Максакова добавила, что просит относиться к искусству "со всей серьёзностью, а не как к развлечению". Особенно бурно и эмоционально актёрами обсуждались вопросы, связанные с "Евгением Онегиным", а именно темой взаимоотношений Татьяны и Евгения. "Он не гулял! Он восемь лет книги читал", - громко заявлял Маковецкий.
"Мы обязаны принять и исполнить": Сергей Маковецкий о взаимоотношениях режиссёра и актёров.
"Что держит театр? Учитель Вахтангов не был простым человеком, а великим и просвещённым. Его считали таким все. Театр - это определённая философия, серьёзный инструмент для воспитания мыслей, продолжения и их передачи. Вахтангов-режиссёр со всей серьёзностью относился к постановкам. Так долго держится имя. Будет 100-летие, готовимся трепетно. Хотим, чтобы вы тоже отнеслись серьёзно, а не как к какой-то развлекухе", - сказала Людмила Максакова.
http://gtrk-omsk.ru/news/262679/ Эмоциональные и неравнодушные: пресс-конференция вахтанговцев в Омске 29.06.2018 11:37 В нашем городе проходит VI международный театральный фестиваль "Академия".
Вахтанговцы Сергей Маковецкий, Григорий Антипенко, Людмила Максакова, Виктор Добронравов, Юрий Шлыков, Ирина Купченко и Олег Лопухов отвечали на вопросы прессы. Театроведы поделились, как омичи встретили первые сыгранные пьесы. Рассказали об основателе драматической студии Евгении Багратионовиче Вахтангове как "о великом и просвещённом режиссёре"; о гастролях и подготовке к 100-летию театра. Ко всему сказанному Людмила Максакова добавила, что просит относиться к искусству "со всей серьёзностью, а не как к развлечению". Особенно бурно и эмоционально актёрами обсуждались вопросы, связанные с "Евгением Онегиным", а именно темой взаимоотношений Татьяны и Евгения. "Он не гулял! Он восемь лет книги читал", - громко заявлял Маковецкий. "Мы обязаны принять и исполнить": Сергей Маковецкий о взаимоотношениях режиссёра и актёров. "Что держит театр? Учитель Вахтангов не был простым человеком, а великим и просвещённым. Его считали таким все. Театр - это определённая философия, серьёзный инструмент для воспитания мыслей, продолжения и их передачи. Вахтангов-режиссёр со всей серьёзностью относился к постановкам. Так долго держится имя. Будет 100-летие, готовимся трепетно. Хотим, чтобы вы тоже отнеслись серьёзно, а не как к какой-то развлекухе", - сказала Людмила Максакова.
https://omskzdes.ru/culture/57356.html ИА «Омск Здесь» 29 июня 2018, 10:36 Вахтанговцы рассказали о непростых гастролях в Омске Автор: Дарья Молчанская Актеры театра им. Вахтангова в рамках "Больших гастролей" в Омске рассказали о своих впечатлениях от местного зрителя, о том, что для них значит имя Евгения Вахтангова и Михаила Ульянова, а также о том, почему не гуляют по городу.
Вчера, 28 июня, в рамках Международного фестиваля "Академия" состоялась творческая встреча с артистами Государственного академического театра им. Евгения Вахтангова, которые задействованы в спектаклях "Евгений Онегин" и "Медея". В постановках принимают участие народные артисты Сергей Маковецкий, Людмила Максакова, Ирина Купченко, Юрий Шлыков, а также актеры Григорий Антипенко и Виктор Добронравов. Артисты рассказали о том, какое значение для них имеет спектакль "Евгений Онегин", который они играют уже пять лет. Это совершенно новое прочтение произведения Александра Пушкина режиссером Римасом Туминасом. Мастер ввел двух Онегиных разных возрастов и исключил из постановки знаменитую фразу: "Мой дядя самых честных правил". Как рассказали вахтанговцы, и в спектакле по Гоголю Туминас также убрал привычное и знакомое всем: "К нам едет ревизор".
Работая с любым режиссером, а тем более с прекрасным режиссером, зная досконально любое классическое произведение, вы всегда открываете его по-новому. С Онегиным для меня неожиданностей не было, но вдруг Римас Владимирович предложил сделать двух Онегиных, но ему это подсказал господин Пушкин, и подсказка кроется в письме Татьяны - рассказал Сергей Маковецкий, который играет одного из Онегиных. - Всегда есть новый взгляд режиссера, и благодаря этому до боли знакомая пьеса звучит для тебя по-другому. У хорошего режиссера есть свой удивительный режиссерский взгляд, и актер должен почувствовать его, принять, и обязан его исполнить.
Как считает Людмила Максакова, режиссер - это создатель спектакля, и для Римаса Туминаса "Евгений Онегин" был чистым листом бумаги. Он пошел этюдным методом и сочинил историю, которую воплотили артисты на сцене. Режиссеру удалось показать настоящий русский дух, и спектакль "Евгений Онегин" высоко ценят зрители не только в России, но и за рубежом. В других странах во время спектаклей устанавливают два экрана, на которые транслируют перевод. - Вы очень избалованные зрители. Вы можете верить или нет, но нас считают лучшим театром мира. Я не знаю, какую страну нужно завоевать... От скромности не умру, но нас принимали хорошо в Нью-Йорке, в Париже, в Тель-Авиве и в Лондоне. Я говорю то, что есть... Мы по глобусу движемся, и на Восток... Поедем на Кавказ, и в Китае были, - поделилась Людмила Максакова.
С вахтанговским театром у каждого из артистов связана своя история, и театр для них это важный инструмент для воспитания духовности и для продвижения великих мыслей. - Рубен Симонов говорил: главная цель моей жизни - прославлять учителя. Театр - это не игрушка, это очень важный инструмент для воспитания духовности и для продвижения великих мыслей. Если телевидение в некотором смысле превратилось в инструмент оглупления людей, то настоящий театр не может себе этого позволить. Рубен Николаевич Симонов прививал нам высокие чувства, поэтому имя Вахтангова для нас многое значит, и мы до сих пор называем себя вахтанговцами, помня о Евгении Багратионовиче, - говорит Максакова.
Помнят вахтанговцы и о нашем земляке Михаиле Ульянове, который служил в театре им. Вахтангова. "Он был самым ранимым человеком и очень страдал от всех перипетий, когда был руководителем театра. Он очень болел за дело, а мы, конечно, с гордостью произносим его имя", - ответила Людмила Максакова.
Погулять по Омску у артистов из-за плотного графика не получилось. Свои коррективы в это внесла и непогода. Из-за утреннего тумана в Омске самолет был вынужден приземлиться в Тюмени, а вчера в нашем городе прошел сильный ливень. Мы прилетели только вчера (27 июня - прим. ред.). Мы еле долетели, уже думали, что спектакль "Онегин" будем играть на взлетной полосе в Тюмени. Потому что только подлетели к Омску, как нас отправили в Тюмень, и там мы просидели три часа. Мы прилетели к вам в 10:00 утра, и нам нужно было немного отдохнуть. Вчерашним вечером мы пришли к вам на встречу, а сегодня опять же с вами. Свободного времени у нас не было, - поделился народный артист России Сергей Маковецкий. - Да и сюда добираться вплавь пришлось.
Народная артистка России Ирина Купченко отметила необычную архитектуру зданий и городские парки. - Тут и парков много, и такая необычная архитектура зданий. Нам же очень много рассказывали актеры, которых уже в живых нет, которые здесь были в эвакуации. Для них этот город вообще был чем-то. Мы очень много здесь гуляли, но в этот раз почти еще не были, потому что всю ночь не спали и ехали весь день, - отметила она.
http://antipenko.forum24.ru/?1-0-0-00000032-000-260-0#167 https://omskzdes.ru/interviews/57401.html ИА «Омск Здесь» 1 июля 2018, 16:13 Григорий Антипенко: "В Омске сохранился интеллектуальный зритель Дарья Молчанская Во время гастролей в Омске актер Григорий Антипенко, известный по роли Андрея Жданова в сериале "Не родись красивой", рассказал "Омск Здесь" о том, почему театр для него стал интереснее кино и чем его удивил омский зритель.
Сегодня, 1 июля, в Омске завершается VI Международный театральный фестиваль "Академия". За пять театральных дней зрителям свои спектакли показали выдающиеся театры мира, в том числе омичи увидели самые популярные постановки знаменитого театра им. Евгения Вахтангова. Актер Григорий Антипенко известен телезрителям по сериалу "Не родись красивой", но сейчас он совсем не снимается в кино. Четыре года назад Антипенко вошел в состав труппы театра Вахтангова - знаменитого своей историей и руководителем Римасом Туминасом. В Омске актер вместе с народной артисткой Юлией Рутберг представил моноспектакль "Медея". О том, почему он не снимается в кино и как спектакли, в которых он занят, влияют на его личную жизнь, - артист рассказал в интервью ИА "Омск Здесь".
- Когда зритель смотрит спектакль в театре, тем более философский, он всегда открывает для себя что-то новое, а с вами происходило такое во время подготовки к спектаклю "Медея"? - Любой хороший материал и любая хорошая только что прочитанная книга переворачивает сознание как минимум и как максимум. Это не просто переворот сознания, а возможность пропустить это через себя, приживить к себе, многократно переживать это и пропускать через себя в спектакле. Это определенно вносит что-то в твою жизнь, и в этом случае "Медея" помогла мне разобраться в каких-то личных проблемах и со своей личной болью. Для меня это отчасти тоже спектакль-исповедание, потому что что-то сходное с этим я переживал в жизни. Мы рассказываем не просто какую-то историю каких-то людей из Древней Греции. Это в каком-то смысле и моя история тоже.
- В "Медее" вы оказываетесь в центре трагедии, происходящей за пределами реального мира. Каким образом настраивались, готовились? - Читаем и смотрим мы многое, и те вещи, которые нам пригодятся для роли, мы вытаскиваем скорее оттуда (показывает на голову - прим. ред.), а не из дополнительной литературы. Актерская кухня - такая вещь, которую нельзя алгеброй отмерить: что-то отсюда, а что-то оттуда. Тут главное - твое личное сознание и подсознание. Ну и, конечно, что-то приходит уже в процессе игры на сцене. Мне посчастливилось учить текст на берегу Адриатического моря. Так удачно совпало, когда ты дышишь этим морским воздухом, запахом Средиземноморья, и совсем по-другому воспринимаешь истории, связанные с легендами Древней Греции. Такая особая любопытная аура возникает, и поток сознания рождает оригинальные творческие вещи. В комнате в Москве было бы несколько иначе, и когда я вернулся оттуда и вошел в работу, я испытал нечто незабываемое и несравнимое.
- В афише театра много спектаклей-трагедий, как актерам удается выйти из этих образов и не перевести свою личную жизнь в трагедию? - Определенным профессионализмом. Люди сходят с ума, если они не могут выйти из образа. Это как у психотерапевта - ты не можешь через себя пропускать всю человеческую боль. Зритель отчасти приходит в театр как к врачу. Он его лечит, выслушивает, а потом все это должен скинуть с себя и стать открыт для других людей. Мы, артисты, также бросаем все это с себя и идем дальше. Все зависит еще от спектакля - в некоторых необходимо больше времени для выхода из этого состояния. Я два дня после спектакля не могу нормально существовать: что-то внутри пульсирует, идет работа над ошибками. Ты пребываешь в каком-то особом состоянии - состоянии послевкусия после спектакля.
- После сериала "Не родись красивой" вы стали меньше сниматься в кино. С чем это связано? - Именно поэтому и не снимаюсь - мне не хватает сил и эмоций, а главное - нет желания. Мне это неинтересно. В какой-то момент я понял, что это пустая трата времени, а мне жалко тратить свое личное время на пустоту. Я перфекционист в хорошем смысле слова, и таков у меня взгляд на жизнь. Когда я погружаюсь в съемки в кино полностью, а потом в итоге вижу фитюльку на экране, мне неинтересно. Если ты отдаешь этому делу всего себя, а выходит какая-то фигня, о которой забудут после первого же показа, то зачем все это? Я не вижу в этом смысла. Я лучше это время посвящу своим родным и близким или чтению книг и подготовке к другой театральной работе.
- Вы играете в театре, но не играете в кино, а можно ли, на ваш взгляд, быть только киноактером и ни разу не выйти на театральную сцену? - Да, и у многих актеров это отлично выходит. Я же перерос наш современный кинематограф и уже физически не могу переступить через какие-то вещи. Когда тебе присылают сценарий, ты понимаешь, что это ерунда. И если это ерунда, доказать мне, что это не так, уже не получится. У меня есть устоявшиеся представления, что такое хорошо и что такое плохо, что талантливо, а что бездарно, поэтому в обратном убеждать меня бесполезно. Я просто говорю: "Извините, это плохо, бездарно и глупо. Я не хочу в этом сниматься".
- А какой спектакль в театре им. Вахтангова вы играете с большим удовольствием? - Каждый спектакль любимый, и в каждом у меня разные амплуа. Это многогранные масштабные личности - Сирано де Бержерак и Отелло, Язон в "Медее". Совершенно разные персонажи, а не просто герои-любовники. Это интересные личности в масштабах эпохи. Они настолько многогранны, что мне интересно во всем этом вариться, выращивать их вместе с собой, вместе со спектаклем.
- А для вас существуют какие-то границы дозволенного на сцене? От какой роли точно откажетесь? - То, что я не играю похабные вещи в театре и в кино, это сто процентов. К счастью, сейчас нет таких режиссеров, которые могли бы предложить такую роль. Но вместе с тем и нет таких режиссеров, зная масштабы которых, например, талант Андрея Тарковского, ты бы сказал: "Да, я могу довериться этому мастеру". Если такой режиссер тебе предлагает роль, ты точно знаешь, что хоть какой-то толикой прикоснешься к прекрасному. Сейчас таких нет.
- Но не исключено, что в кино мы вас еще увидим? - Я открыт хорошим предложениям, но пока, к сожалению, увы.
- Вы сказали уже про Андрея Тарковского, а есть театральные или кинодеятели, работой которых вы восхищаетесь? - Не создай себе кумира, я православный человек, и мне это не нужно. У меня один авторитет (показывает наверх – прим. ред).
- В Омске вы играете спектакль не в первый раз, какие впечатления об омском зрителе? - Я пока еще плохо знаю Омск, я заезжал сюда пару раз с репризными спектаклями. Здесь потрясающий зритель, и у нас в стране мало городов, которые обладают хорошим театральным зрителем, а после распада СССР их стало еще меньше. Омск один из тех немногих городов, где, скажем так, стабильный театральный зритель. Прием в Омске - это суперприем. То, как зритель дышит во время спектакля, то, как он смотрит. Этот взгляд наполнен духовного и интеллектуального развития. Слава Богу, вы этого не утратили.
- А в других городах иначе? - Происходит деградация общества вообще, не говоря уже о театральной среде. Зрителю стало меньше надо - его можно рассмешить уже на уровне пальца. Спрос рождает предложение. Сейчас мне продюсеры говорят: "Гриша, мы не можем драму потянуть". Не могут продать, потому что большей популярностью пользуются "Уральские пельмени", Comedy Club на выезде. Это производит огромный аншлаг в зале. Я не могу себе позволить участвовать в этом, и я рад, что Омск - один из немногих городов, где сохранился читающий зритель, развивающийся зритель.
shenetsКрутаны👍🏻❤️ ksenyaaaaО! Уже?! Как там Погода?) lada_churovskaya@ksenyaaaa мы сначала приземлились в Тюмени из-за грозы в Омске,а когда все-таки долетели сюда,спустя часа 4,здесь уже разыгралось солнце и весь день тепло и даже жарко.
– Кирилл Игоревич, Театр имени Евг. Вахтангова создал праздник для омичей, показав пять спектаклей. Когда в следующий раз театралам вас ждать? – Мы 10 лет назад подписали договор с Виктором Прокопьевичем Лапухиным, в котором обязались приезжать в Омск не реже чем раз в три года. Я никогда не забуду, как мы стояли на крыльце Омского театра драмы с Галиной Львовной Коноваловой, и она мне рассказывала, как в годы войны вахтанговцы делили сцену с омскими актерами. В здание нашего театра в июле 1941-го во время первого налета фашистской авиации попала бомба, случился пожар, и Омск приютил вахтанговцев. Здесь работали великие режиссеры, театр вернулся в Москву с новым репертуаром. Память об этом навсегда с нами, и я уверен, что творческие контакты будут развиваться.
– Омичи были поражены, узнав, что Театр им. Вахтангова сегодня имеет 6 сцен, играет по 700 спектаклей в год. Это тенденция сегодня такая – строить из успешных культурных учреждений империи? Так же поступают Мариинский театр, Эрмитаж. – Не могу говорить о Мариинском театре. Что же касается нашего театра, мы не ставили цель прирасти новыми помещениями. Так исторически сложилось. 15 лет назад Михаил Александрович Ульянов, будучи художественным руководителем театра, подписал инвестиционный контракт о том, что во дворе сносится одно из зданий и земля передается под строительство. Когда я стал директором, на этом месте был котлован, заполненный водой, из него торчали железобетонные сваи. Сегодня на этом месте открыта новая сцена театра. На этом же участке был старый, заброшенный дом, сдававшийся в аренду. Мы арендаторов выселили и организовали студию молодых артистов с залом на 50 мест для моноспектаклей, экспериментальных постановок. Наши площади прирастали постепенно.
– И театр Рубена Симонова вошел в состав Вахтанговского театра… – Через дорогу от нас режиссер Евгений Симонов на основе двух курсов Щукинского института открыл студию под названием «Театр Рубена Симонова». Она просуществовала 25 лет и пришла в упадок. К нам обратились руководители департамента Москвы: «Или вы этот театр берете, или мы делаем в здании свободную площадку». И мы с Римасом Владимировичем сказали: «Да, берем». Это память о династии Симоновых, которая оказала мощное влияние на историю развития нашего театра. Рубен Симонов был прямым учеником Вахтангова. Сегодня в этом реконструированном здании две сцены на 120 мест каждая, репетиционные залы. В июне на Симоновской сцене театра мы завершили первый сезон. Там состоялось 7 премьер, а всего в репертуаре 11 названий. 9 актеров приняты в штат театра. Мне говорили: «Зачем вешать на себя такое ярмо?» Но наши надежды и усилия оправдались.
– Вы создали и музей Евгения Вахтангова… – Не я создал. У театра всегда была мемориальная квартира, где два года жил и в 1922 году умер Евгений Вахтангов. Другое дело, что она использовалась под склад, пошивочную мастерскую. И только одна комната была всегда закрыта, и в ней сохранилась аутентичная обстановка того времени. Мы нашли старые чертежи, вскрыли стены и навесные потолки, обнаружили великолепную лепнину. После реставрации открыли музей. Теперь посетители могут увидеть и прочесть письма Вахтангова, объяснение в любви к нему Марины Цветаевой и много других интересных документов. Два раза в месяц проводим экскурсии, продавая на них билеты. Мы мечтаем открыть музей Евгения Вахтангова и во Владикавказе. До наших дней сохранился дом конца XVIII – начала XIX века, где жила его семья, а Вахтангов провел первые 18 лет своей жизни. Сейчас там коммунальная квартира. Такая Воронья слободка. Предпринимаем усилия, чтобы расселить ее, перевести дом в федеральную собственность и сделать музей семьи Вахтанговых и культурный центр с концертным залом. Очень надеемся, что это удастся.
Плохо, если в зале – три сестры
– Театр им. Евг. Вахтангова даже в трудные 90-е не пускался во все тяжкие, устраивая шоу вместо спектаклей, используя мат на сцене… – Это заслуга Михаила Александровича Ульянова. В самые трудные годы, когда одна страна перестала существовать, а другая только зарождалась, все казалось возможным. И тогда он своими мужицкими руками «обнял» театр, не дал актерам разбежаться, стиснув зубы, мирил, разводил в стороны конфликтующие группировки.
– Какие традиции Вахтанговского театра кажутся вам очень важными? – Зрители хотят видеть качественный театр, который заставляет волноваться, образно говоря, трогает за сердце. Я, наверное, вступлю в дискуссионный спор с критиками, но считаю: театр существует для зрителей, которые ходят на спектакли, чтобы поплакать и посмеяться. Мы не идем у зрителя на поводу, не ставим дешевые комедии, но работаем для него. Потому что, если как в том анекдоте: «На сцене – дядя Ваня, а в зале – три сестры», то каким бы супергениальным ни был спектакль, это не театр. Может быть, лаборатория, фестивальный творческий проект, но не государственный репертуарный театр.
– Правда ли, что на рубль бюджетного финансирования приходится 2,5 рубля заработанных собственных средств? – Это действительно так. Статистику можно проверить на сайте министерства культуры, на нашем сайте. Мы зарабатываем своей основной деятельностью. В прошлом году актеры сыграли 747 спектаклей в Москве и 74 – на гастролях. Заполняемость залов сегодня 93,6 процента, при том, что в историческом зале театра 1150 мест.
– Вы создали свою систему продажи билетов? – Все системы давно придуманы. Просто, когда я пришел в театр, выбрал другой способ продажи билетов. Раньше их можно было приобрести только в кассе или у уполномоченных. Сегодня мы работаем со всеми структурами рынка, которые занимаются этим бизнесом. И можно купить электронный билет на сайте театра.
– Театралам-немосквичам интересно, что можно, купив, посмотреть видеоверсию спектакля. – Да, есть такая опция. В зале установлены три камеры, и любой человек, купивший билет, сможет посмотреть спектакль, переключая камеры, приближая или удаляя изображение. Из-за того, что страна огромная, с большим количеством часовых поясов, предусмотрена возможность отсрочки просмотра на 24 часа.
Прикоснуться к тайне
– Кирилл Игоревич, вы когда-то бросили юридический институт, для того чтобы уйти не в актеры, а в монтировщики сцены. Как такое случилось? – Я не бросил институт, взял академический отпуск, а потом перевелся на заочное отделение. Я не хотел быть юристом, в институт поступил по настоянию родителей. Отец очень хотел видеть меня в будущем нотариусом. Проучился два года, параллельно занимаясь театром. Актером стать не мечтал, считая, что для этого у меня нет ярких дарований. Но в любом драмкружке есть человек, занимающийся техническим обеспечением спектакля. А первым моим местом работы в профессиональном театре был Московский ТЮЗ. Когда ушел с дневного отделения института, дома был скандал. Я признателен родителям, что они меня поняли, и мы выработали консенсус: работа в театре и учеба. Диплом юриста потом мне очень пригодился.
– Что же потянуло в театр, за что вы его полюбили? – Есть такое понятие: «запах кулис». Соприкосновение с тайной, которая отделяет то, что происходит за занавесом, от зала. Тайна рождения спектакля. Театр – это наркотик. Попробуешь один раз – и не можешь остановиться.
– На должность директора Театра им. Евг. Вахтангова вас пригласил художественный руководитель Римас Туминас. Как вам работается в дуэте? – Прекрасно. У каждого своя территория. И я понимаю, кому служу – режиссеру, поцелованному Богом. Даже если я с чем-нибудь не согласен, я в творческих вопросах верю в художественное чутье Римаса Туминаса. И много раз его предвидение ситуации оказывалось правильным. Я до этого 10 лет работал директором московского театра «Модерн», а еще раньше 9 лет – проректором Школы-студии МХАТ по административно-хозяйственной деятельности. Опыт был. Я знаю театр от профессии монтировщика до главного администратора, экономиста, завпоста … Все ступеньки прошел.
– Как вы относитесь к тому, что ваши актеры много снимаются в кино, телесериалах? – Я только «за». Но у нас есть негласный договор. Мы за полгода объявляем репертуар и не берем в расчет занятость на стороне. Никто, ни Аронова, ни Маковецкий, не могут зайти ко мне и сказать, что они тогда-то не могут играть, их нужно отпустить на съемки. Актер подстраивается под репертуар. Есть обязательства и у театра. Если кто-то заболел, я не могу волевым решением заменить спектакль. Сотрудники режиссерского управления обзванивают актеров, чтобы получить на это согласие. Это правило нашего театра.
– О чем вы мечтаете? – Президент объявил, что 2019 год будет Годом театра. Мечтаю, чтобы в этот год культура была избавлена от ненужных, тормозящих ее развитие экономических законов, чтобы театр перестал считаться «услугой». Если нам удастся совместными действиями этого добиться – это будет главная победа Года театра в России.
Если кто-то думает, что летом жизнь в театре остановилась или замерла, это не о нас. Мы каждое лето что-то ремонтируем, улучшаем. В этом году самый наш амбициозный проект, это замена существующего выносного осветительного мостика в строительном исполнении на Основной сцене театра на современный софитный подъем с новым световым оборудованием. Для выполнения этой задачи нам нужно будет: установить в зале строительные леса, демонтировать мостик, на чердаке выполнить, согласно проекта, усиление, смонтировать лебедку для подвеса софитной фермы, нужно будет разобрать половину крыши над зрительным залом... Вот как-то так ! Фотографии - Валерий Мясников
Еще 😍 немного ремонта с Арбата Вам в ленту! Кроме главной "затеи" этого лета, выносного софита на исторической сцене театра, который предстоит демонтировать и на его месте собрать современный софитный подъем с новым световым оборудованием, есть и дела не менее важные для театра. Это одеть в декоративные короба на все кондиционеры по фасаду, увеличить угол подъема зала на Симоновской сцене (ошиблись при стройке прошлым летом, теперь исправляем), покрасить не видимую часть исторического фасада театра, на Новой сцене и в АРТ-кафе сделать бесшумной работу вентиляции и кондиционирования, задний и боковой фасад Симоновской сцены привести в такой же порядок, как и на лицевом фасаде. И многое другое, обо всем не напишешь здесь. А наши все ковры готовятся отправиться в химчистку, чтобы к началу нового сезона встретить Вас, зрителей, в полной своей красе.
Вчера "сказали прощай" старому выносному осветительному мостику на исторической сцене театра.Он появился в зале в 70-е годы прошлого века, когда начала активно развиваться театральная светотехника, и возникла необходимость лобового освещения, для этого и построили в зале такой мостик весом около 2,500 тонн.Теперь, спустя почти 50 лет, мы его разобрали, чтобы на его месте смонтировать современный софитный подъем с новым световым оборудованием.
В нижнем (зеленом) зрительском фойе, завершили монтаж нового лепного декора в нашей ротонде. Надеюсь, автор архитектор Абросимов, по проекту которого в 1949 году был восстановлен Театр Вахтангова после войны, 😎🇷🇺️ не будет нас ругать - мы изящно дополнили его архитектурный декор.
Эта огромная куча проводов 😎 почти с меня ростом. Мы продолжаем начатое два года назад дело: шаг за шагом приводим постановочное электро-хозяйство в норму. Производим замену электросетей на Исторической сцене театра.
- Илья Дмитриевич, подводя итоги театрального сезона 2017/2018 гг. Театра имени Евгения Вахтангова, что Вы скажете? - Главным событием этого сезона в Вахтанговском театре можно считать открытие 2 ноября 2017 года Симоновской сцены в Калошином переулке. Это бывшее здание Театра имени Рубена Симонова, который был крайне непопулярен, в него мало ходили. Это случилось не без административных проблем, потому что болел его художественный руководитель, народный артист России Вячеслав Шалевич. Замены ему не нашли. Эту должность предлагали народному артисту России Алексею Шейнину, который заменил Вячеслава Анатольевича в центральной роли Дон Жуана в спектакле «Завещание целомудренного бабника», но он не согласился. И, в конце концов, театр остался без художественного руководителя. В этом сезоне на Симоновской сцене состоялся настоящий парад премьер. Для Вахтанговского театра это не ново, потому что, когда 3 октября 2015 года открывалась его Новая сцена, то тоже проходил парад премьер: тогда в срок было готово несколько спектаклей, и их выпустили с большим успехом. Первым Новую сцену открывал спектакль австрийского драматурга Томаса Бернхарда «Минетти» в постановке Римаса Туминаса с Владимиром Симоновым в главной роли. В то же время, когда открывали Новую сцену, практически был готов и «Подросток» по роману Федора Достоевского с народным артистом России Алексеем Гуськовым в главной роли. Но спектакль не вышел. На этот раз директор театра Кирилл Крок и Римас Туминас сумели учесть ошибки, и все прошло «как по маслу».
- Какие премьеры состоялись после открытия Симоновой сцены? - Симоновская сцена открылась сразу тремя новыми репертуарными спектаклями. Во-первых, Андрей Максимов представил «Любовь у трона» (Сон императрицы без антракта). Будучи известным режиссером, телеведущим, писателем, психологом, Андрей Маркович когда-то давно выпускал эту свою пьесу, основанную на истории императрицы Екатерины Второй, с Илзой Лиепа в главной роли. Хотя исторических фактов там мало, поскольку это больше сценическая фантазия на историческую тему. В нынешней его постановке перед зрителем предстал великолепный дуэт Ольги Тумайкиной, заслуженной артистки России, и заслуженного артиста России Андрея Ильина, не так давно вступившего в труппу Вахтанговского театра.
Заслуженная артистка России Ольга Тумайкина и Заслуженный артист России Андрей Ильин в спектакле "Любовь у трона"
Так как на Симоновской сцене два зала, то «Любовь у трона» выпустили в одном из них, а в другом молодая режиссер, не имеющая режиссерского образования, актриса Театра имени Евгения Вахтангова Екатерина Симонова, только-только вышедшая из декрета, выпустила спектакль-посвящение артистам прошлого «Вечер шутов» (Балаган в двух актах). Этот спектакль, обожествляющий профессию артиста, клоуна и шута, основан на киносценарии Ингмара Бергмана. В 1953 году его фильм под таким названием, снятый по собственному сценарию, не был оценен по достоинству. Но, после того, как знаменитый шведский кинорежиссер и сценарист выпустил свои главные киношедевры, эту картину стали смотреть другими глазами. Сегодня Симонова, увидев ее, поняла, что лучшего признания в любви к профессии она не может себе представить. В спектакле занято старшее и среднее поколение вахтанговских артистов. Многие из них ранее играли в Театре имени Рубена Симонова и были взяты в труппу Вахтанговского театра.
Третий спектакль - «Очарованный странник» в постановке Натальи Ковалевой, бывшей артистки Театра на Таганке под руководством Юрия Любимова, ныне педагога Щукинского училища. Ранее она с успехом выпустила на Новой сцене спектакль «Наш класс» по пьесе польского драматурга Тадеуша Слободзяника. На этот раз Ковалева, решив обратиться к русской классике, поставила рассказ Николая Лескова, редко идущий на сценических подмостках. В главной роли - бывший премьер Театра имени Рубена Симонова Игорь Карташев.
В этом сезоне Ольга Субботина поставила спектакль «Бовари» по роману Гюстава Флобера «Мадам Бовари». Долгое время не работавшая в классическом репертуарном театре, она создала длинный и интересный спектакль, действие которого разворачивается сразу в двух залах. Таким образом, у зрителя появилась возможность оценить все сценическое пространство Симоновской сцены и всерьез переосмыслить знаменитый роман. Тем более, что режиссер в своей постановке делает акцент не на главной героине, Эмме Бовари, а на ее муже, провинциальном враче Шарле Бовари. Его великолепно играет заслуженный артист России Владислав Демченко, тоже, как ни странно, бывший премьер Театра имени Рубена Симонова. Поэтому можно считать, что в этом сезоне на Симоновской сцене блистали бывшие актеры Театра имени Рубена Симонова. Это показывает, что труппа в нем была сильная и проблемы в театре не были связаны с актерским составом.
Парад премьер на Симоновской сцене продолжила постановка «Стефан Цвейг. Новеллы». Ее осуществили четыре молодых режиссера - выпускники Мастерской Римаса Туминаса. Каждый из них сделал инсценировку одной из четырех знаменитых новелл Стефана Цвейга. Так, Гульназ Балпеисова поставила новеллу «Лепорелла», Владимир Бельдиян - «Незримая коллекция», Анатолий Шульев - «Принуждение» и Хуго Эрикссен - «Шахматная новелла». Хотя спектакль идет почти четыре часа, но смотрится на одном дыхании. Те, кто видел его, говорят, что это какое-то откровение, когда не замечаешь времени. В спектакле заняты все поколения артистов, что замечательно.
режиссеры спектакля «Стефан Цвейг. Новеллы»: Гульназ Балпеисова, Хуго Эрикссен, Анатолий Шульев и Владимир Бельдиян
Одной из заметных премьер на Симоновской сцене стала «Фрида. Жизнь в цвете», которую поставила Лейла Абу-аль-Кишек. Автор текста Ника Симонова. В роли Фриды Кало выступила Аделина Гизатуллина. Музыкальным руководителем и педагогом по вокалу стал недавний выпускник Театрального института имени М.С. Щепкина, ныне артист театра «Ленком» Андрей Сергиевский.
Последней на сегодняшний день премьерой на Симоновской сцене стал «Юбилей». Автором пьесы является актер Вахтанговского театра Федор Воронцов, посвятивший спектакль своему отцу, заслуженному артисту России, вахтанговцу Михаилу Воронцову (1934-2017). В ней можно было увидеть дуэт двух мастеров – заслуженную артистку России Елену Ивочкину (Юля) и народного артиста России Евгения Карельских (Юрий).
- Чем еще примечателен минувший сезон для Вахтанговского театра? - Во-первых, Вахтанговский театр продолжил активнейшую гастрольную деятельность. Этому театру по-прежнему нет равных в России. Если раньше, что называется, «впереди планеты всей» в нашей стране был Малый драматический театр – театр Европы под руководством Льва Додина, который больше всех гастролировал по зарубежью, то ныне их обогнал Театр имени Евгения Вахтангова. Конечно, огромная заслуга в этом не только художественного руководителя театра Римаса Туминаса, но и директора, Кирилла Крока, который умеет договариваться с людьми. Участие в фестивалях и в разных проектах, в том числе в федеральной программе «Большие гастроли», где Вахтанговский театр является одним из организаторов и главных действующих лиц. При этом сохраняется огромный интерес и желание увидеть его спектакли во всем мире.
художественный руководитель театра им.Вахтангова Римас Туминас
Главным разочарованием минувшего сезона можно считать то, что спектакль «Царь Эдип» Софокла, поставленный Римасом Туминасом годом ранее, несерьезно приняли на XXIY Национальном театральном фестивале «Золотая маска-2018», где он был выдвинут на соискание одноименной премии в трех номинациях, в том числе «Лучший спектакль в драме, большая форма», и не получил наград. Это странно и удивительно. С другой стороны, спектакль от этого хуже не стал, его одинаково восторженно принимают на всех континентах земного шара, что очень важно.
Что касается новой работы Римаса Туминаса, то долгое время он искал материал: всерьез поговаривали о «Фаусте» Гете, который он планировал поставить. Но эта работа пока отложена. Зато анансирована работа по совершенно не знакомой для русскоязычного зрителя пьесе «Фальшивая нота» некоего драматурга Дидье Карона. В центре ее два персонажа - два артиста. Их играют народные артисты России Алексей Гуськов и приглашенный Геннадий Хазанов. Зачем понадобился Геннадий Хазанов Вахтанговскому театру, можно будет узнать, когда этот спектакль выйдет на его основной сцене 15 сентября, в день открытия нового театрального сезона.
- А какие премьеры в прошедшем сезоне вышли на Новой сцене театра? - На Новой сцене в прошедшем сезоне вышло два спектакля. Один из них - «Ричард III» по пьесе Уильяма Шекспира в постановке Автандила Варсимашвили, редко идущей в нашей стране. Он – наследник старого спектакля, режиссера-арменина Рачия Капланяна, где великолепно играл Михаил Ульянов (1976). Новый спектакль совершенно отличается от старой версии Вахтанговского театра. При этом все критики благодушно отмечают интересную работу молодого артиста Максима Севриновскиого, который, играя горбатого и властного Ричарда III, проявляет себя могучим, талантливым и перспективным артистом. Надо сказать, что он постепенно завоевывает театральную Москву, потому что в этом сезоне ярко сыграл на Новой сцене заглавную роль в спектакле «Сергеев и городок», поставленного по роману Олега Зайончковского режиссером Светланой Земляковой.
Но что ж на основной сцене? - спросите вы. Она, действительно, не богата премьерами. Три спектакля ушли из репертуара. Помимо легендарного спектакля Владимира Мирзоева «Сирано де Бержерак» с Максимом Сухановым в заглавной роли, репертуар покинули два спектакля с участием мэтра отечественной театральной сцены Владимира Этуша. Так, 17 лет в репертуаре держался спектакль Владимира Иванова по повести Федора Достоевского «Дядюшкин сон» и пять лет шла пьеса Афиногенова «Окаемовы дни» в постановке Родиона Овчинникова. Несмотря на аншлаги, Владимир Абрамович принял решение снять этот спектакль с репертуара. Однако он мечтает о новой роли, которая может случиться в новом театральном сезоне.
«Горячее сердце» Александра Коручекова по пьесе А.Н. Островского –единственная премьера этого сезона на большой сцене. К сожалению, ей сопутствовали прохладные отзывы критиков, билеты продавались не так уж здорово. С другой стороны, в этом спектакле очень цельный актерский ансамбль, во главе которого стоят народные артисты России Евгений Князев (Градобоев) и Сергей Маковецкий, покоряющий своим мастерством в роли кабатинствующего, самодовольного Хлынова. Еще не совсем понятно, где сам актер, а где его персонаж. Это успешная задумка режиссера. Отрадно, что Сергей Васильевич за роль Хлынова уже попал в лонг-лист премии «Звезда театрала» 2018 в номинации «Лучшая мужская роль второго плана», и возможно, что его работу оценят по достоинству. Также как оценят отдельные спектакли, ряд артистов и режиссеров Театра имени Евгения Вахтангова - претендентов на эту престижную театральную премию.
Да и как возможно в целом не оценить плодотворную работу Театра имени Евгения Вахтангова, которую с удовлетворением одинаково воспринимают и зрители, и критики. И в этом смысле этот театр уникальный и, наверно, не имеющий аналогов в Москве на сегодняшний день.
Вахтанговский театр на полдня перекрыл старый Арбат, и над зданием на несколько часов зависла… крыша. Картина, как говорится, маслом. Выяснилось, что, пока труппа в отпуске, в одном из главных театров страны продолжается техническое перевооружение.
Фото: пресс-служба театра
Так зачем театру Вахтангова снесли крышу? Чтобы ответить на этот вопрос, следует углубиться в историю. Дело в том, что в начале войны в здание попала бомба, разворотила фойе и часть зала, и для зрителей театр открыли лишь в 1949 году. До этого времени вахтанговцы бродяжничали по разным площадкам Москвы. Проект реконструкции для технических нужд учел тогда почти все, кроме выносного софитного мостика. Следует пояснить, что это сооружение, на котором крепится световое оборудование, и висит оно под самым потолком прямо над зрительным залом — в трех-пяти метрах от авансцены. Туда по длинной винтовой лестнице поднимались осветители и вручную направляли свет в нужную точку. Так вот, этого мостика в проекте не было, поэтому в конце 70-х годов театр своими силами построил его.
Приятно, конечно, что лидер драматической сцены страны хранит в своем хозяйстве такой технический раритет, но все-таки современный театр должен быть оснащен оборудованием ХХI века. — Мы приняли решение заменить мостик и начиная с марта вовсю занимались проектными работами. Он весит без малого почти три тонны, — рассказывает «МК» директор театра Кирилл Крок. — На месте должна появиться новая световая ферма, которая будет подниматься на электрических лебедках с современными световыми приборами, которые при помощи компьютерной техники сами встают в нужную точку, меняют цвет, оттенки…
Фото: пресс-служба театра
Но, чтобы осуществить задуманное, для начала нужно было укрепить старые перекрытия чердака (нагрузка-то увеличивается!) и только после этого повесить новую ферму с оборудованием. А поскольку она оказалась большого размера, пришлось разобрать значительную часть крыши и через образовавшийся проем с помощью подъемного крана загружать конструкцию на чердак. Вот для этого на несколько часов театр и перекрыл Николопесковский переулок. — На самом деле мы все бы сделали быстрее, если б не дождь. Но специалисты работали быстро, и мы не замочили ни чердак, ни исторический плафон зала. Так что крыша закрыта — как ничего и не было.
В настоящий момент новая ферма уже находится на чердаке театра и до открытия сезона займет законное место под потолком с восемнадцатью новенькими световыми приборами.
Но это еще не все: Вахтанговский театр, известный своей любовью к строительным работам, во время летней паузы также модернизирует Симоновскую сцену, открытую в ноябре прошлого года. В частности, устраняется ошибка, допущенная при проектировании одного из двух залов: с дальних рядов мало что было видно из-за неправильного угла наклона. Теперь наклон увеличивают в два раза. Также заканчиваются отделочные работы на тыльной стороне здания Симоновской сцены.
Лето почти заканчивается, но строительные работы в театре не закончены. Строители серьезно, продвинулись в выполнении задач: все отверстия в потолке зрительного зала сделаны, установлены специальные гильзы, собрана ферма усиления на чердаке, установлена лебедка😎. Завершены все электромонтажные работы, собраны шкафы управления новым софитным подъемом. Завтра строители начнут шпаклевать и готовить потолок зала к окраске, а монтажники будут монтировать блоки и опускать тросы для софитной фермы. Вроде бы успеваем... А параллельно с этим всем мы сделано: покрашены все служебные коридоры, фойе 1 этажа, заменили дверцы на всех противопожарных кранах, заменили лепные гипсовые тяги на портале и многое чего еще, но это следующий рассказ)))
Готовимся к открытию сезона, отмываем после ремонта на Основной сцене,пожарный занавес, который как Вы знаете играет в спектакле Юрия Бутусова "Бег". На Новой сцене, заменили панели, которые треснули в связи с усадкой здания. На Симоновской сцене продолжаем ремонт фасада, который выходит во двор.
Иногда хочется так пойти в театр, чтобы на сцене было хоть одно знакомое лицо. Особенно хорошо для этого подходит Вахтанговский театр. Смотрите, кого тут можно встретить:
1. Григорий Антипенко Ну кто не был влюблен в него, когда шел сериал «Не родись красивой»? Все. На сцене театра Григория можно увидеть в спектаклях «Отелло», «Медея» и «Улыбнись нам, Господи».
2. Анна Антонова Прекрасная звезда «Женской лиги». На сцене бесповоротно-очаровательна. Пусть и не в главных ролях, но ее можно увидеть в «Евгении Онегине», «Женитьбе Фигаро» и «Маскараде».
3. Мария Аронова Не удивлюсь, если вы мечтаете увидеть Аронову на сцене. Увы, сделать это можно только в одном спектакле, зато сразу в легендарном — «Мадемуазель Нитуш». Скорее всего, это связано с высокой загрузкой актрисы, у знаменитых так бывает.
4. Владимир Вдовиченков Моя обожаемый Вдовиченков попадается в спектаклях «Ветер шумит в тополях» и «Дядя Ваня». А еще у него есть собственный вечер, у актеров Вахтанговского это норма.
5. Алексей Гуськов Если вы уважаете Гуськова, то добро пожаловать на «Евгения Онегина», «Люди как люди» и «Улыбнись нам, Господи».
6. Виктор Добронравов Если из молодых актеров есть кто-то абсолютно гениальный, то это Добронравов. Взорвите себе мозг на его «Беге», или загляните на «Евгения Онегина», «Царя Эдипа», «Отелло», «Маскарад» и еще несколько. Он работает в театре очень много.
7. Сергей Епишев Прекраснейший Епишев, которого вы помните по сериалу «Кухня» совершенно разбил мне сердце в «Беге». Еще он есть в «Бесах», «Мнимом больном» и «Дяде Ване».
8. Евгений Князев Евгений тоже активно занят на сцене. Более того, у него несколько вечеров, когда его можно увидеть, скажем так, вне игры. Также он занят в «Маскараде», «Бенефисе», «Посвящении Еве» и еще нескольких спектаклях.
9. Евгения Крегжде Красавица Крегжде долго «открывалась» мной. И все же открылась. Ее можно увидеть в «Евгении Онегине», «Бесах», «Грозе» и «Дяде Ване».
10. Ирина Купченко Не побоюсь сказать, что эту легендарную актрису можно встретить в «Евгении Онегине», «Последних лунах» и «Пристани».
Сегодня готовим большое фойе, пылесосим лепной карниз под самым потолком и делаем декоративную световую подсветку плафона потолка фойе. Будет красиво обещаю)))
Последний штрих))) Чтобы наш новый выносной софит не казался в историческом зале театра "вставной челюстью", с старого мостика в зале мы бережно демонтировали лепнину из гипса, отлили точную копию из пластика и вот теперь, в перерывах между записью света к спектаклям, устанавливаем ее на свое историческое место. И еще Вам немного фотографий, как все это выглядит со стороны чердака над зрительным залом театра, где установлена лебедка и все механизмы для подъема и опускания нашего софита.
https://ok.ru/vakhtangov_theatre/topic/68730173060459 Лето заканчивается, и это означает, что скоро начнётся новый театральный сезон! Отрывок из юмористического рассказа Виктора Ардова «Девять способов безбилетного проникновения в зрительный зал»: «Способ №5 – ДЛЯ ТЕАТРА ИМ, ВАХТАНГОВА
В театр им. Вахтангова надо проникнуть через артистический подъезд (с улицы Вахтангова). Войдя, спросить кого-нибудь из руководства театра. Когда вас проведут в дирекцию, вы значительно говорите принявшему вас товарищу: - Видите ли, я член правления Главрайбредкомвода. - Чем могу служить? - Видите ли, в настоящее время мы распределяем между организациями излишки нашего речного флота. И мы могли бы уделить вашему театру пару-другую судов… Надо заметить, что театр им. Вахтангова обладает наиболее налаженным изо всех театров Москвы хозяйством. У вахтанговцев есть свой дом, образцовый магазин, усадьбы, леса, поемные луга, акватории и охотничьи заповедники. Нет никакого сомнения, что предложение приобрести собственный флот заинтересует этот театр. - Мы могли бы предложить, - говорите вы, - либо моторную яхту, либо две-три шхуны, а если хотите, небольшие такие канонерки или эсминцы индивидуального пользования. Хотя, может быть, вы предпочитаете китобойные суда, оснащенные гарпунными пушками? - М-м-м…- бормочет вахтанговец, - я должен переговорить с товарищами, прежде чем дать вам ответ. - Ну что же. Время терпит. Кстати, что у вас сегодня идет? - «Человеческая комедия». Не хотите ли посмотреть? - Да, пожалуй можно…Я посмотрю спектакль, а вы того…уточните ваши потребности во флоте… И вот через пять минут вы сидите в директорской ложе».
https://tass.ru/kultura/5529049 Театр Вахтангова перед открытием сезона отправился с "Большими гастролями" в Кавминводы Мероприятие приурочено к юбилею Александра Солженицына
МОСКВА, 6 сентября. /ТАСС/. Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова отправился в Кавказские Минеральные Воды в рамках ежегодной общероссийской программы "Большие гастроли", организуемой при поддержке Министерства культуры РФ. Выступления московской труппы пройдут с 7 по 13 сентября в городах-курортах Кисловодске и Ессентуках, сообщил ТАСС директор Вахтанговского театра Кирилл Крок.
Гастроли
Крок напомнил, что программа "Большие гастроли" действует уже пятый сезон подряд, представляя зрителям России лучшие постановки ведущих театров страны. "Все пять лет в этом проекте участвуют вахтанговцы, которые прежде побывали с "Большими гастролями" в Улан-Уде (Бурятия), Владикавказе (Северная Осетия), Уфе (Башкирия) и Петрозаводске", - констатировал Крок.
Теперь маршрут вахтанговцев лежит в Кавказские Минеральные Воды. "Гастроли приурочены к 100-летию со дня рождения русского писателя, лауреата Нобелевской премии, мыслителя и общественного деятеля, уроженца города Кисловодска - Александра Исаевича Солженицына. Инициаторами гастролей выступили Государственный музей истории российской литературы имени В. И. Даля (Москва) и его отдел - информационно-культурный центр "Музей А. И. Солженицына" в Кисловодске", - проинформировал Крок.
Вахтанговцы представят зрителям семь спектаклей. "В числе актеров, занятых в гастрольных постановках, - Василий Лановой, Людмила Максакова, Ирина Купченко, Сергей Маковецкий, Евгений Князев, Владимир Симонов, Юрий Шлыков, Юлия Рутберг, Владимир Вдовиченков, Андрей Ильин, Анна Дубровская, Григорий Антипенко, Олег Макаров, Ольга Лерман, Мария Бердинских, Артур Иванов, Елена и Александр Михайловы и другие", - перечислил Крок.
По его словам, жители и гости Ессентуков смогут увидеть спектакли: "Дядя Ваня" (7 и 8 сентября), "Евгений Онегин" (10 и 11 сентября) - оба в постановке Римаса Туминаса и "Посвящение Еве" (12 и 13 сентября) - в постановке Сергея Яшина.
В Кисловодске первым спектаклем станет "Матренин двор" (8 и 9 сентября) в сценической редакции и постановке Владимира Иванова. Затем будут представлены "Крик лангусты" (10, 11 сентября) и "Медея" (13 сентября) - в постановке Михаила Цитриняка и "Наш класс" (12 сентября) - режиссера Натальи Ковалевой.
"В Кисловодске спектакли будут идти на сцене Северо-Кавказской филармонии им. В. И. Сафонова, в Ессентуках - в концертном зале им. Ф. И. Шаляпина", -. сообщил директор Вахтанговского театра.
Новый сезон
Крок рассказал, что новый, 98-й сезон в Театре Вахтангова откроется 15 сентября премьерой спектакля "Фальшивая нота" по пьесе Дидье Карона в постановке Римаса Туминаса. Роли исполнят народные артисты России Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов.
"В сентябре итальянский режиссер Лука де Фуско приступит к репетициям спектакля по пьесе Эдуардо де Филиппо "Суббота, воскресенье, понедельник", в котором исполнителями ролей выступят Ирина Купченко, Евгений Князев, Полина Чернышева, Виталийс Семеновс, Александр Галевский, Леонид Бичевин, Олег Макаров, Елена Сотникова, Евгений Пилюгин, Александр Павлов, Сергей Пинегин, Эльдар Трамов, Ольга Немогай, Михаил Васьков, Ольга Гаврилюк, Анатолий Меньщиков", - проинформировал директор Вахтанговского театра.
Он также сообщил, что в ноябре на Новой сцене состоится премьерный показ спектакля по пьесе и в постановке Андрея Максимова "Брюсов переулок" (фантазия по произведениям Валерия Брюсова). В актерском составе спектакля значатся Ольга Тумайкина, Игорь Карташев, Юрий Поляк, Екатерина Крамзина, Виталийс Семеновс.
"Будет и еще один сюрприз для зрителей - в экспозиционном зале (на третьем этаже исторического здания) откроется новая выставка "Мемориальный кабинет Бориса Щукина". На выставке воспроизведена обстановка домашнего кабинета выдающегося артиста, представлены мебель, картины, фотографии, книги, рабочие материалы, патефон, пластинки. Экспозицию зрители смогут увидеть до начала спектаклей на Основной сцене и в антракте", - заключил директор Театра Вахтангова.
Театр имени Евгения Вахтангова Пока в Москве идут репетиции «Фальшивой ноты», Вахтанговцы уже в Ессентуках. Монтируем декорации, готовимся к открытию гастролей, испытываем на себе целебные свойства знаменитой минеральной воды и любуемся красотами города. Откроет гастроли «Дядя Ваня» в постановке Римаса Туминаса - 7 и 8 сентября, зал имени Ф.И. Шаляпина.
Пресс-конференция по случаю открытия гастролей театра Вахтангова в КМВ. Вчера и сегодня: «Дядя Ваня», 8 и 9 «Матрене двор», 10 и 11 «Крик Лангусты», «Евгений Онегин», 12 «Наш класс», 12, 13 «Медея», «Посвящение Еве».
В следующую субботу у Театра имени Евгения Вахтангова двойной праздник: открытие 98-го сезона на основной сцене и сразу громкая премьера! 15 сентября приглашаем на спектакль ФАЛЬШИВАЯ НОТА с Алексеем Гуськовым и Геннадием Хазановым. Пока еще можно успеть купить билеты всего от 1000 рублей на KASSIR.RU🌍
По сюжету всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется зритель, который специально приехал на этот концерт из Бельгии. Давний поклонник жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Но что стоит за этой встречей? Только ли желание выразить свой восторг или заранее заготовленный план? В следующую субботу зрителей ждет почти детективная история, где жертва и палач подчас меняются местами и держат зал в напряжении в течение всего спектакля. Ощутите это на себе! Будет незабываемо. Билеты по ссылке 👏 https://bit.ly/2NoVThC
Замок Коварства и любви, гора Кольцо, Медовые водопады и минеральные источники. Перед вечерними спектаклями Вахтанговцы успевают любоваться красотами Северного Кавказа.
... 15 сентября открытие сезона в театре им. Вахтангова. Премьера спектакля «Фальшивая Нота» в постановке Римаса Туминаса и тех же его «соучастников»... сценография Адомаса Яцовских, музыка прежде всего Фаустаса Латенаса, а ещё Моцарта, Вивальди и тд... Директор театра по прежнему великий Кирилл Крок, но сейчас он всю труппу увёз в Мин Воды на гастроли пить перед новым сезоном минералку... А партнер у меня - Гена Хазанов. О чем спектакль: «Ах, если бы общество представило на собственный суд собственные ошибки и безобразия и признало себя виновным, сколь стремительным было бы превращение нашей земли в Рай!» Огюст Роден.
https://www.mk.ru/culture/2018/09/13/khazanov-zateyal-opasnuyu-igru-protiv-guskova.html 13.9.2018 Хазанов затеял опасную игру против Гуськова Сегодня в Вахтанговском сыграют премьеру В субботу Театр имени Вахтангова открывает 98‑й сезон, который, кстати сказать, впервые в театральной практике будет транслироваться онлайн. И в этот же вечер состоится премьера французской пьесы «Фальшивая нота» в постановке Римаса Туминаса (режиссер Алексей Кузнецов). На первых прогонах побывал обозреватель «МК».
Эту французскую пьесу Дидье Карона в Вахтанговский принес Геннадий Хазанов. Он же как приглашенный артист играет в ней одну из главных ролей. Надо сказать, что звезда эстрады имеет неплохой театральный опыт: играл в МХТ в Камергерском, в «Ленкоме», в постановках Театра эстрады, и вот теперь в его жизни появился Вахтанговский.
— У меня было желание, чтобы судьба как-то пересекла меня с Римасом Туминасом, — скажет он мне после прогона. — А тут я прочитал пьесу Карона и понял, что с этим материалом могу к нему прийти. Пришел, он прочитал, сказал «интересно» — и в этот момент я понял, что мое желание начинает исполняться. А дальше, как говорится, по мере сил и возможностей. Партнер Геннадия Викторовича — Алексей Геннадьевич Гуськов. Дуэт, ведущий роковую дуэль.
На сцене справа — венские стулья (стоят беспорядочно) в количестве, может быть, 20 штук, а слева — гримерный столик с початой бутылкой красного вина, вешалка с пиджаком да рояль, оскалившийся в зал черно-белой клавиатурой. Свет приглушенный, мягкий. Входит человек, по первым словам которого понимаешь, что он находится в крайнем раздражении, и речь пойдет об оркестре. Дирижер — его играет Алексей Гуськов — недоволен своей первой скрипкой. И по тому, как он резко высказывается, можно судить о его характере: нетерпим, деспотичен, сам с собой не в ладу. Почему? А тут еще является странный такой тип — тихий, в коричневом пальто, видавшем виды, в такой же шляпе, старый уже. Он беспрестанно кланяется, заискивает и вкрадчивым голосом выражает восторг от работы дирижера и его оркестра. Фальшиво, надо сказать, у него это получается.
— Вы и вправду так считаете? — нетерпеливо отмахивается дирижер. — Да, великолепно, великолепно. Трогательно, но уж больно навязчиво.
Римас Туминас сидит у столика в центре зала: молча курит сигарету (перешел на электронную), время от времени что-то вписывает в тетрадку или вдруг резко встает и выходит из зала. Натянут как струна, но ничего не говорит — видимо, копит на потом. Наверное, это будет самый минималистичный его спектакль: в нем нет мощных декораций, большой массовки, всегда выступающей важной ремаркой к действию. Его постоянный соавтор — художник Адомас Яцовскис — кроме вышеозначенной мебели параллельно сцене в воздухе разместил вторую — и тоже со стульями. И такой сценографический образ вряд ли с чем-то спутаешь: ну конечно, музыканты только что отыграли и ушли, захватив ноты с пюпитров. И музыка Фаустаса Латенаса так же скупа, но выразительна. Как вода, что по капле падает сверху.
— Простите меня, ради бога, простите. Мою супругу зовут Анетт. Два «т»... — Ну что еще?
«Фальшивая нота» не только о музыке, музыкантах, артистическом мире. Это детектив, причем психологический. Старик, что пришел к великому дирижеру, навязчив и несносен. Он будет возвращаться три раза, каждый раз забывая что-то сказать или попросить. Но его визиты окажутся весьма опасны для маэстро — буквально на грани жизни и смерти. Однако детектив есть детектив — раскрывать интригу не стану.
Кажется, что роль дирижера преследует Алексея Гуськова. У него уже есть кинематографический главнокомандующий оркестром (фильм «Концерт»). В свое время артист действительно брал уроки дирижирования. После прогона он скажет: — Для меня симфонический оркестр — это вообще модель мира. А все люди — это инструменты. Самое красивое, совершенное, что есть в человеческом социуме, это симфонический оркестр. Мы все приходим в этот мир со своим инструментом, со своим звуком. Когда эти звуки собираются вместе, они или высекают удивительную гармонию, что является раем на земле — политически ангажированные назовут это коммунизмом. Или произведут полную какофонию, что будет адом, или полным крахом и разрушением. Именно оркестр вне границ, языков, национальностей — тут все друг друга понимают.
— А вы исходя из вашей теории какой инструмент? — Я виолончель. Я давно болен музыкой, понимаю, что, наверное, не тем в жизни занят.
— То есть хотите сказать, что, если бы пришлось начинать жизнь заново, стали бы музыкантом или дирижером? — Однозначно.
Спрашиваю у Геннадия Хазанова: — Как вам в Вахтанговском после Художественного театра и «Ленкома»? — Здесь совсем другая система координат. Мне кажется, что моя профессиональная жизнь была бы неполной, если бы я не поработал с Римасом.
Марина Райкина Заголовок в газете: Кто фальшивит в театре Вахтангова? Опубликован в газете "Московский комсомолец" №27783 от 14 сентября 2018
Смотрю прямую трансляцию открытия 98 сезона в Театре им. Вахтангова. Как же круто, восхищена. Первая часть - яркая, блестяще проведена Кириллом Игоревичем Кроком: поздравления, награды, итоги ушедшего сезона в шикарном видео ролике и последующей презентации. С каким теплом, радостью и легким юмором он объявлял награждаемых. С каким спокойным достоинством отмечал достижения театра. С надеждой и гордостью - о предстоящих грандиозных гастролях. Вторая часть - творческая. Сдержанно и образно, не скрывая тревог и возникающих трудностей говорит Римас Владимирович Туминас. Ему помогает Фаустас Латенас, с легким напором и энергией). Понравилась фраза: актёры, желающие участвовать в спектакле, вы записывайтесь, записывайтесь у вахтёра!))) И планов громадьё. Много приглашенных режиссеров, итальянцы, и - сенсация!!! Бутусов дал согласие на должность главного режиссёра! Завершающая фраза Туминаса: "И помните о скором 100-летии театра!" Подарки всем: три шикарные книги, выпущенные театром и диск в память М. Ульянова. И шампанское для всех! И, кстати, - микрофон! (кто был у нас, тот поймёт).
Юрий Бутусов станет главным режиссером Театра им. Вахтангова. Об этом в субботу, 15 сентября, сообщил на сборе труппы художественный руководитель театра Римас Туминас.
– Я предложил Юрий Бутусову прийти в наш театр на должность главного режиссера. Переговоры шли чуть ли не целый сезон, в результате он дал свое согласие, – сказал Туминас, отметив, что сам при этом останется в должности художественного руководителя.
– Мне кажется, этот бунтарь, этот молодой режиссер не даст нам очутиться в классической ситуации – окаменеть и залюбоваться собой, – подчеркнул худрук.
Он добавил, что в новом сезоне на Вахтанговской сцене Юрий Бутусов поставит спектакль по роману Мигеля де Сервантеса «Дон Кихот». О других творческих планах театра читайте в «Театрале» в ближайшее время.
Об этом в субботу на сборе труппы объявил худрук популярного театра Римас Туминас. Кто-то из артистов от удивления вслух спросил: "А вы? Что же, уходите?" "Нет, я остаюсь руководителем театра", - успокоил труппу Туминас.
Напомню, что известный питерский режиссёр Юрий Бутусов из-за конфликта с руководством управления культуры Санкт-Петербурга покинул театр Ленсовета, которым руководил несколько лет. Был большой шум, многие поддержали художника, он получил предложение работать от многих московских театров. Так МХТ им. Чехова открыл свой сезон именно постановкой Буткова - «Человек из рыбы». И вот новость - он становится главрежем в самом успешном театре страны - в Вахтанговском. Здесь уже идёт его работа - «Бег» по Булгакову.
Днем в субботу на Новой сцене Театра Вахтангова было не протолкнуться: по случаю открытия 98-го сезона здесь состоялся традиционный сбор труппы. В зале едва хватало мест, многие журналисты сидели на ступеньках, проходы были забиты телекамерами. Примечательно, что в этом году к вахтанговскому празднику могли присоединиться все желающие: прямая трансляция мероприятия проходила на сайте театра.
Первым взял слово директор Кирилл Крок. Поздравив труппу, он, как обычно, подвел итоги минувшего сезона. – В Москве мы сыграли в общей сложности 832 спектакля, их посмотрело 288 тысяч зрителей, – сообщил он.
Ключевым событием сезона стало открытие Симоновской сцены. «Любовь у трона», «Вечер шутов», «Очарованный странник», «Стефан Цвейг. Новеллы», «Бовари», «В ожидании Годо», «Фрида. Жизнь в цвете», «Юбилей», «Аленький цветочек» – целый калейдоскоп названий появился за год в афише нового театрального пространства. По словам Кирилла Крока, здесь состоялось 105 показов. – Еще 85 спектаклей мы сыграли на гастролях, – продолжил директор.
За минувший сезон вахтанговцы успели побывать в четырнадцати городах России и семи городах зарубежья, посетив Китай, Италию, Великобританию, Белоруссию, Хорватию и Литву. Наступивший театральный год обещает быть не менее насыщенным.
Гастроли
– В сентябре мы гастролировали в Ессентуках и Кисловодске, где, в общем-то, и открыли 98-й сезон, работая параллельно в двух городах при аншлагах, – рассказал Крок. – В октябре с постановкой «Царь Эдип» нам предстоит совершить поездку в Ригу и Таллинн, а спектакль «Наш класс» отправится в Ригу и Лиепая. «Маскарад» и «Медея» поедут в Тель-Авив в рамках обменных гастролей с театром Габима, также основанным Евгением Вахтанговым. После мы покажем в Сургуте «Евгения Онегина», а в Казани, на Качаловском фестивале, – «Дядю Ваню». Очень ответственным будет для нас выступление в рамках проекта «Русские сезоны» в Милане. Там мы дважды сыграем «Евгения Онегина». В декабре мы представим в Новокузнецке и Кемерово «Дядю Ваню», а в январе – «Улыбнись нам, Господи» и «Фальшивую ноту» в Нижнем Новгороде.
В апреле театр поедет в Венгрию, а летом – в Китай, где сыграет «Евгения Онегина» одиннадцать раз. Следом вахтанговцы побывают в США и Канаде. «Маскарад» увидят в трех городах – Нью-Йорке, Бостоне и Торонто. – Ровно через год, в конце сентября, нас ждет Париж: предстоит шесть раз подряд сыграть «Евгения Онегина» и столько же – «Маскарад». В ноябре состоятся гастроли в Стамбул – также с «Евгением Онегиным», – подытожил Крок. Сам Театр Вахтангова в октябре примет на своей сцене Омский театр драмы.
Другим важным событием наступившего сезона стало открытие выставки «Мемориальный кабинет Бориса Щукина». – Домашний архив и обстановка кабинета одного из основателей нашего театра переданы нам в дар, – пояснил Крок. – Все это теперь находится в экспозиционном зале на третьем этаже Исторического здания. Архив уже оцифрован. Каждый может посмотреть записи и прикоснуться к личным вещам Бориса Васильевича . А главное, наши зрители, которые будут приходить на спектакли Основной сцены, тоже смогут увидеть эти бесценные реликвии. Спасибо Галине Ремизовой, передавшей экспонаты в театр.
Планы на сезон
О творческих планах рассказал художественный руководитель театра Римас Туминас. Первая премьера, «Фальшивая нота» по пьесе Дидье Карона, состоялась в субботу вечером. Постановку осуществил сам Туминас вместе со своей постоянной творческой командой – художником Адомасом Яцовскисом, композитором Фаустасом Латенасом и художником по костюмам Максимом Обрезковым. Режиссером спектакля стал Алексей Кузнецов. Главные роли исполнили Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов.
– Сегодня со своей постановочной группой прилетает итальянский режиссер Лука де Фуско, уже завтра он приступит к репетициям спектакля по пьесе Эдуардо де Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник», – сообщил Туминас.
В ноябре случится целый ряд важных событий. Худрук приступит к репетициям спектакля «Война и мир», в котором будет задействована почти вся труппа. На Новой сцене ожидается премьера Андрея Максимова «Брюсов переулок». Кроме того, в Москву прилетит итальянский режиссер Джорджио Сангати. Сейчас с ним ведутся переговоры – обсуждается пьеса «Новая квартира».
– Также в ноябре приедет французский режиссер Клеман Эрвье-Леже. Всем классикам французской литературы он предпочитает Пьера де Мариво и, скорее всего, будет ставить пьесу «Двойное непостоянство», – сказал Туминас. – Еще одна работа, которая, надеюсь, выйдет на Новой сцене – «Маленькие трагедии» Пушкина. В ее основе две трагедии – «Моцарт и Сальери» и «Скупой рыцарь». Главную роль исполнит Людмила Максакова. Думаю, после Нового года мы увидим этот спектакль.
Екатерина Симонова поставит «Дневник Анны Франк», а Гульназ Балпеисова – «Калигулу». Также в планах – «Жизнь есть сон» Кальдерона. Ведутся переговоры с режиссером, художественным руководителем Венгерского Национального театра Аттилой Виднянским, режиссером «Мастерской П. Фоменко» Иваном Поповски. Евгений Арье уже работает над музыкальным спектаклем по пьесе «Диббук», однако выход, вероятно, будет приурочен к 100-летию театра.
Кадровые перемены
Новостью дня стало сообщение о том, что главным режиссером Театра Вахтангова стал Юрий Бутусов. Туминас при этом останется в долнжости художественного руководителя. – Я предложил Юрию Бутусову прийти в наш театр на должность главного режиссера. Переговоры шли чуть ли не целый сезон, в результате он дал свое согласие. Мне кажется, этот бунтарь, этот молодой режиссер не даст нам очутиться в классической ситуации – окаменеть и залюбоваться собой, – сказал худрук. Он отметил, что в новом сезоне Бутусов готовится представить «Дон Кихота» Сервантеса.
В завершении Римас Туминас напутствовал труппу: – Наступают тревожные времена – хаос в мире, хаос в умах. И потому нам никак нельзя терять надежду, напротив, нужно все усилия направить на поиски красоты, быть при этом терпеливыми, а главное – учиться вкусу. Роден говорил, что манерный, напыщенный стиль – это скверно. Стиль хорош тогда, когда о нем забываешь, сосредоточившись на трактовке сюжета, на чувстве, захватывающем твое внимание. Пусть нашему сезону сопутствуют огонь и слезы. Огонь – это тепло и свет, а слезы – это плач о человеке, о его судьбе и вечном трагическом стремлении к счастью.
"Царь Эдип" Очень понравился спектакль. Необычный, красивый суровой красотой, задевающий за живое. Вообще, я еще ни разу не видела у Туминаса спектаклей, которые мне бы не понравились, но этот отличается от всех остальных. Не в лучшую и не в худшую сторону, просто другой. Очень необычно взаимодействие вахтанговских актеров и греческого хора, исполняющего роль фиванских старейших. Сначала немного напрягала необходимость следить одновременно за экраном под потолком и за людьми в хоре, но быстро приноровилась, и то, и другое не слишком динамично, за всем можно легко успеть. Очень украшала постановку Крылатая Богиня, роль совершенно бессловесная, но очень выразительная. Впечатляющая сценография. Вот вроде почти никаких декораций, только огромный цилиндр, который, как неумолимый рок, сминает на своем пути все живое. Я сидела в третьем ряду, и когда эта махина накатывается почти на тебя, ну не то, чтобы страшно, нет, конечно, но захватывает. Можно ли противостоять року? Обмануть Богов, их предсказания?.. Должен ли ты ответить за преступления, которых так пытался избежать, но не смог (хотя, пытался ли: почему, собственно, убийство отца со свитой – страшное преступление, а если бы это был другой человек – можно плюнуть и растереть?) Из актеров хочу отметить Эльдара Трамова, игравшего Креонта. Когда он пытался доказать свою невиновность, я прям искренне за него переживала, так он был убедителен (актер, я имею ввиду, да и Креонт тоже). Ну и, конечно, Виктор Добронравов очень классный в роли царя Эдипа. Причем его роль еще и физически сложна, ему все время приходится балансировать на этом цилиндре (а на полу его еще и сальто заставили прыгать, или как там эти прыжки назад называются, круто). И актерски он здорово все отрабатывает, ну во всяком случае на мой дилетантский взгляд, для меня главное, что я поверила, что передо мной фиванский царь, несмотря на то, что почти все ходили во вполне современных костюмах (кроме нескольких персонажей).
Велик. Так я начал свою статью – посвящение великому русскому лицедею Алексею Гуськову, рождённую просмотром премьеры “Фальшивая нота” в театре им. Е. Вахтангова.
Я, к своему счастью, никогда воотчую не видел его игры на сцене. Его исполнение роли Миллера в пьесе Дидье Карона «Фальшивая нота» вошло в меня, как нож в масло, и останется во мне на всю оставшуюся жизнь. Образ великого русского актёра таким образом будет запечатлен в душе последнего из могикан, единственного испанца, живущего в России в Москве и имеющего одновременно происхождение испанское и российское, из театрального мира. Я имею в виду близость моей семьи (по отцовской и материнской линиям) к высоким театральным ценностям. Так, например, моя бабушка Анна Васильевна Павлова (мать моей матери), будучи выпускницей второй студии МХАТа вместе с Ольгой Баклановой и Михаилом Чеховым, была дружна с такими светочами мирового театрального искусства как Евгений Вахтангов, Рубен Симонов, уже упомянутый Михаил Чехов, Ольга Книппер-Чехова. Через нашу скромную квартиру в старой Москве прошла целая череда знаменитостей. Сегодня и здесь я уже всех не упомню, но отдельные имена я не могу не назвать – это Марецкая, Шатрова, Обухова и пр.
Что и говорить, тема пьесы выбрана неслучайно. Проблема Холокоста – тема неизбывная и трогает каждого и всякого. Понятно, почему актёры Алексей Гуськов (Мюллер) и Геннадий Хазанов (Денкель) играют с таким надрывом – ведь тема затрагивает общечеловеческие ценности и для России тема всегда актуальная.
Алексей Гуськов относится к плеяде русских актёров, который с одной ноты берёт всю октаву. Ему по плечу любой масштаб и любая глубина. Видимо, это рождение какого-то нового типа русского актёра XXI века, который задаёт тон актёрской профессии сегодня.
Да, в самом деле, сегодня всё чаще и чаще можно услышать, что вахтанговцы – главный драматический театр страны. Тогда понятно, почему А. Гуськов является примом этого театра, потому что все достоинства большого актёра, которые налицо, и должны присутствовать в таланте первого актёра «первого» театра страны.
Я думаю, что талант главного режиссера Римаса Туминаса состоял не только в деликатном исполнении самой темы (постановка близка к совершенству), но и в выборе идеальной выверенности двух исполнителей. Вторая по значению роль – роль Денкеля (Геннадий Хазанов) масштабно оттеняет многогранный талант первого исполнителя.
Не хочется быть несправедливым – а хочется быть объективным: роль Денкеля очень сложна, многовекторна и многослойна. На эту роль мог быть призван только крупный мастер. Понятно, что такой мастер у нас только один. И этот мастер, к сожалению, не является постоянным достоянием вахтанговского дома. Но это не пришлый варяг (так гармонично и уместно списывается актёр в ансамбль спектакля).
Глубина и значение фигуры Геннадия Хазанова не требует особого комментария, скорее всего я ничего нового здесь не скажу, а лишь только хочу напомнить слова одного очень известного критика, который сказал, что масштаб таланта этого дарования поистине безмерен; он способен сыграть от самой сложной комической роли до самого многоуровневого по сложности действующего лица драматического жанра. Этому актёру любая роль по плечу. Но я бы только добавил, что это будет запоминающаяся роль, которая войдёт в чудесный ряд бриллиантов русской сценической школы.
Возвращаясь к началу комментария, хочется поразмышлять на тему Алексея Гуськова как на тему высокой планки актёрского исполнительского искусства, здесь и сейчас. В Москве, во втором десятилетии XXI века. Понятно, что театр, как любой живой организм, живёт и развивается, даёт своих новых новорождённых, прощается со своими мэтрами, создаёт новые тренды. Завершая это короткое эссе-посвящение, даже панегирик таланту – чудесному русскому сценическому чуду Алексею Гуськову – хочется сказать, что это и есть новый тренд – тренд в завтрашний день, тренд высокого русского театрального и сценического искусства, который всегда задавал тон в мире и, видимо, будет задавать и впредь. Пока есть такие, как А. Гуськов. Хочется пожелать ему таких же ярких ролей, таких же благодарных зрителей, таких же трепетных режиссеров и партнёров по сцене.
Мы же, скромные пролетарии пера, будем и впредь поддерживать по мере сил своим трудом высокую планку русского искусства и нести «светлое и вечное» грядущим поколениям.
Сегодня, в день открытия 98-го сезона, в Театре им. Евгения Вахтангова состоялась премьера спектакля "Фальшивая нота" в постановке Римаса Туминаса и Алексея Кузнецова по пьесе французского драматурга, режиссёра и актёра Дидье Карона. В главных ролях - Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов.
Всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется зритель, который специально приехал из Бельгии, чтобы присутствовать на этом концерте. Давний поклонник творчества Миллера, он жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Но что стоит за этой встречей? Только ли желание выразить свой восторг или заранее заготовленный план?
Встреча этих двух людей изменит жизнь каждого, превратившись в поединок, в результате которого поменяется мировоззрение и философия жизни обоих персонажей. Почти детективная история, где жертва и палач подчас меняются местами и держат зал в напряжении в течение всего спектакля.
Дидье Карон (12 июня 1963) начинал свою карьеру в качестве служащего небольшого банка. Но вскоре творческая натура Карона потребовала перемен. Он пробует себя в литературных жанрах, пишет первую пьесу «Благотворительность по заказу», которую поставили в театре «Сплендид», и несколько одноактных пьес, пробует роль артиста, снимаясь в небольших сериалах. Признание и успех в 2002 году принесет ему пьеса «Настоящее счастье», по которой он снимет свой первый полнометражный фильм. С тех пор Карон активно работает режиссером, актером, драматургом. С 2008 года руководит одним из самых старых и популярных театров Мишель в Париже. В его репертуаре сегодня с большим успехом идут две пьесы Карона - «Фальшивая нота», в которой он играет одну из главных ролей и «Сад Альфонса». «Фальшивая нота» написана в 2017 году и летом была показана на фестивале в Авиньоне.
Ложи блещут: Вахтанговцы открыли 98-ой сезон 18.9.2018
15 сентября Театр имени Евгения Вахтангова открыл 98-й сезон. Представляем вам наш фоторепортаж с этого прекрасного вечера. Главной сенсацией церемонии стало объявление, сделанное Римасом Туминасом: "Я предложил, и Юрий Бутусов дал согласие прийти в наш театр на должность главного режиссера. ...Мне кажется, этот бунтарь не даст нам очутиться в "классической" ситуации, не даст окаменеть, любоваться собой, классическими манерами в поисках правды". Туминас добавил, что Бутусов готовит к постановке спектакль "Дон Кихот" по Сервантесу. Бутусов приходит на новую ставку главного режиссёра, а об уходе Туминаса с поста художественного руководителя театра речи не идёт.
В фойе Новой сцены Театра Вахтангова не протолкнуться — тут угощают канапе и вкусными напитками, тут объятия и приветствия, сверкают вспышками фотокамеры, телевидение берет интервью у заслуженных и народных.. Один из самых посещаемых театров Москвы, Театр Вахтангова, даже сбор труппы провел с аншлагом — актеры, сотрудники театра и пресса заняли половину сцены, все проходы и небольшое пространство у входа в зал.
Директор театра Кирилл Крок оглашает впечатляющие итоги прошедшего сезона — открытие Симоновской сцены, масштабные гастроли, ремонт, множество наград, присвоенных актерам и работникам театра, включая звания Заслуженного артиста России.
Планы на следующий 98-й сезон не менее грандиозные — с гастролями театр отправится не только по городам и весям России, но и посетит ряд зарубежных стран, в том числе Канаду, США, Францию, Италию, Китай, Эстонию, Латвию, Израиль. В мае 2019 года планируется настоящий театральный подвиг — в Китае театр покажет спектакль «Евгений Онегин» 11 раз. А в начале осени 2019 года постарается реализовать новый амбициозный проект — самостоятельно организовать гастроли во Франции, где зрители увидят спектакли «Евгений Онегин» и «Маскарад» (каждый по 6 раз).
Слово берет Римас Туминас и сбор труппы Театра Вахтангова преподносит первую сенсацию нового театрального сезона Москвы — на пост главного режиссера театра приглашен Юрий Бутусов. Один из лучших режиссеров современного театра весной покинул Театр Ленсовета из-за конфликта с директором и с тех пор его возможное новое место работы активно обсуждалось театральным сообществом. И вот — приглашение от Римаса Туминаса. Уже в следующем году от нового главрежа и автора одного из самых успешных спектаклей Театра Вахтангова (речь о многократном номинанте на «Золотую маску», спектакле «Бег») можно ждать и новую работу — спектакль «Дон Кихот».
Что касается творческих планов самого Римаса Туминаса, то уже в сентябре на основной сцене выходит его премьера — постановка «Фальшивая нота» по пьесе Дидье Карона. Спектакль-бенефис двух народных артистов России Алексея Гуськова и Геннадия Хазанова — это трагическая полудетективная история о роковых ошибках, утраченных мечтах, о признании вины и поиске чистой ноты как вершины человеческого бытия.
Ждут зрителя и премьеры от других режиссеров: Екатерина Симонова поставит «Дневник Анны Франк». В ноябре на Новой сцене режиссер Андрей Максимов планирует выпустить спектакль «Брюсов переулок» (фантазия по произведениям Брюсова) с Ольгой Тумайкиной. Также в планах театра — «Пушкин. Маленькие трагедии», речь пойдет о «Моцарте и Сальери» и «Скупом рыцаре», а главную роль исполнит Людмила Максакова (имя режиссера пока не раскрывается).
Активно сотрудничает театр с несколькими иностранными режиссерами: В сентябре итальянский режиссер Лука де Фуско начнет репетиции спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник» по пьесе Эдуардо де Филиппо. В главных ролях — Ирина Купченко и Евгений Князев. Также ведутся переговоры с итальянским режиссером Джорджио Сангати, возможная постановка — «Новая квартира» (Карло Гальдони). В ноябре ожидается визит молодого режиссера «Камеди Франсез» Клемана-Эрвьё Леже и обсуждение спектакля по пьесе Мариво «Двойное непостоянство». На этапе переговоров пока находится возможная работа с Аттилой Виднянским, художественным руководителем Венгерского национального театра, в прошлом сезоне поставившем на сцене Александринского театра «Преступление и наказание», и Иваном Поповски, режиссером из Македонии, выпускником ГИТИСа и учеником Петра Фоменко, много ставившим для Мастерской Петра Фоменко.
Не забыли и о планах, связанных с грядущим столетием театра — композитор Фаустас Латенас рассказал о работе над музыкальным спектаклем «Диббук» в постановке режиссера Евгения Арье. Арье уже ставил этот спектакль на сцене израильского театра «Гешер», а в юбилейный для Театра Вахтангова сезон эта мистическая история может появится и на его сцене.
Обновление репертуара связано не только с премьерами — будет пересмотрен действующий репертуар, от каких-то спектаклей придется отказаться, где-то планируются новые вводы. Упомянул Туминас и о переносе постановок на другие сцены театра — спектакли «Фрекен Жюли» и «В Париже» теперь будут идти на Симоновской сцене театра.
Обращаясь к труппе Туминас цитирует Родена и «Фауста» Гете (возможно не случайно — он уже упоминал о своем желании перенести Фауста на сцену). Он говорит о необходимости не терять надежду, и всегда искать вкус, не стремиться непременно создать шедевр, но добиваться порядка. И называет новый сезон сезоном огня, дарящего нам тепло, и слез — о человеке и его стремлении к счастью.
http://antipenko.kamrbb.ru/?razdel=3&x=read&tema=39&start=240 https://www.mos.ru/news/item/45361073/ 17.9.2018 «Фальшивая нота» Римаса Туминаса, «Дон Кихот» Юрия Бутусова, «Дневник Анны Франк» Екатерины Симоновой — все о планах на этот сезон. В Государственном академическом театре имени Евгения Вахтангова начался 98-й сезон. О планах рассказали художественный руководитель Римас Туминас и директор Кирилл Крок.
Премьеры
Сезон в театре открылся премьерой Римаса Туминаса «Фальшивая нота». Роли (а их всего две) исполняют Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов. Последнему и принадлежала идея поставить спектакль по пьесе Дидье Карона. Над постановкой также работали сценограф Адомас Яцовскис, композитор Фаустас Латенас и художник по костюмам Максим Обрезков.
Итальянский режиссер Лука де Фуско уже приступил к репетициям спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник». Кроме того, сейчас ведутся переговоры с его земляком Джорджио Сангати, чтобы он поставил комедию Карло Гольдони «Новая квартира». Римас Туминас рассказал, что в ноябре в театр планирует приехать режиссер Клеман Эрвю-Леже. Он хочет заняться пьесой «Двойное непостоянство» драматурга Пьера де Мариво.
«Также в работе находится пьеса “Диббук”. Ее премьеру в перспективе можем приурочить и к столетию нашего театра. Режиссер — Евгений Арье. Он уже начал работать. Это будет музыкальный спектакль», — рассказал художественный руководитель.
Актриса Екатерина Симонова, которая только начала заниматься режиссурой, поставит «Дневник Анны Франк» — воспоминания еврейской девочки о Второй мировой войне. В прошлом году спектакль Екатерины «Вечер шутов» открыл новое пространство театра — Симоновскую сцену.
Еще одна важная новость: Юрий Бутусов, бывший художественный руководитель Театра имени Ленсовета, стал главным режиссером театра. Первой его работой в рамках этой должности станет «Дон Кихот» Сервантеса.
«В течение сезона мы будем вносить коррективы. Наверное, с какими-то спектаклями мы будем прощаться, появятся и новые. Такова жизнь», — добавил Римас Туминас.
Гастроли
В сентябре труппа уже успела побывать в Ессентуках и Кисловодске. Там показали «Дядю Ваню», «Посвящение Еве», «Евгения Онегина», «Матренин двор», «Крик лангусты», «Наш класс» и «Медею». В октябре актеры отправятся в Ригу и Таллин, где представят «Царя Эдипа» Римаса Туминаса, а также «Наш класс» и «Маскарад». После этого артисты поедут в Сургут с «Евгением Онегиным». Его же покажут в ноябре в Милане.
В декабре запланирована поездка в Новокузнецк и Кемерово («Дядя Ваня»), а в январе — снова в Ригу и Таллин, а также Тамбов. В Нижний Новгород в марте повезут такие спектакли, как «Улыбнись нам, Господи» и «Фальшивая нота», а в апреле труппа отправится в Будапешт со спектаклем «Дядя Ваня».
В мае, июне и сентябре артистов ждут в Пекине, Шанхае, Нью-Йорке, Бостоне, Торонто и Париже. Кирилл Крок рассказал, что во время этих гастролей «Евгения Онегина» актерам придется сыграть 11 раз.
Награждения
На сборе труппы поздравили актера Владимира Этуша, который получил орден «За заслуги перед Отечеством» I степени, а также Людмилу Максакову (орден «За заслуги перед Отечеством» II степени), Сергея Маковецкого (орден «За заслуги перед Отечеством» IV степени) и Владимира Симонова (орден Дружбы). Звание заслуженного артиста Российской Федерации получили актеры Виктор Добронравов, Андрей Зарецкий и Александр Рыщенков, а Максим Обрезков получил звание заслуженного художника Российской Федерации. Кроме того, с получением звания заслуженного работника культуры Российской Федерации поздравили и директора театра.
Сыграть высокую температуру памяти - на это надо было еще отважиться. Как по нотам пройти от вершины славы до крайней степени отчаяния. От уверенности в своем величии до полнейшего самоуничижения. От сознания собственного превосходства до крайнего раскаяния, не в своих поступках - вообще в жизни. В одном месте. В один вечер. В одном театре. Новая постановка Римаса Туминаса "Фальшивая нота" ставит к барьеру в актерской дуэли премьера Вахтанговского театра Алексея Гуськова и приглашенного на роль художественного руководителя московского Театра эстрады Геннадия Хазанова.
Со стороны это выглядит скорее похожим на аналитический эксперимент, нежели на обычный спектакль. С детективным сюжетом и сеансом изощренного психофизиологического разоблачения в конце. Роль-мечта (поставим здесь восклицательный знак), подарок для актера, досконально изучившего в своих прежних кино- и театральных ролях практически все пограничные состояния человека. Я об Алексее Гуськове, для которого вступить на сцене в простые и ясные отношения с партнером на сегодняшний день, наверное, было бы слишком односложной театральной темой. А вот вместить в полтора часа весь спектр существующих в природе чувств - сверхзадача, у которой не было шансов остаться без его актерского внимания.
В Вахтанговском театре сыграли не просто современную - свеженаписанную (2017 года) французскую пьесу. Драматург, актер, режиссер и руководитель парижского театра "Мишель" Дидье Карон, отдав дань расхожему жанру психологического детектива, повернул в нем сюжет так, что судьбой людей у него стала распоряжаться музыка. Это не фигура речи: одна фальшивая нота здесь может стоить человеку жизни. А выжившего - лишить душевного покоя, обрекая на адские муки.
Речь не о творческом максимализме. Обрывки хрестоматийной серенады Моцарта соль мажор для двух героев спектакля оказываются не только главной лирической темой их судеб, но и неизлечимым психическим недугом. Патологической спайкой их болезненной связи, проявляющейся поначалу вполне себе безобидно.
К знаменитому дирижеру (Алексей Гуськов), только что завершившему концерт в Женевской филармонии, за кулисы приходит поклонник (Геннадий Хазанов). Любезный до слащавости, в комплиментах навязчивый до неприличия. Терпения вежливо улыбаться в ответ дирижеру хватает ненадолго - концерт прошел отвратительно, ему сейчас не до почитателей, единственное желание - поскорее остаться наедине со своими мыслями. Чтобы дать волю эмоциям, превратить в воображении дирижерскую палочку в фехтовальную рапиру и проткнуть на третьем же такте свой оркестр вместе с самой бестолковой в мире первой скрипкой...
Неприятность визита непрошеного гостя отягощается еще и тем, что поклонник знает о дирижере все. От имени его жены до скрытых от посторонних глаз привычек. Вплоть до происхождения едва заметного фирменного жеста, со временем перешедшего в хронический мышечный спазм - когда тот начинает дирижировать, придерживает правую руку левой. Деталь важна для последствий; о том, что поклонник пришел не только за автографом и фотосессией на память, уставший дирижер узнает, когда в филармонии они останутся совсем одни. Выслушать себя ночной пришелец заставит под дулом пистолета. И с этого момента не лишенная комизма ситуация уступит место "драме после трагедии". Где "свидетелями" обвинения станут старые фотографии.
Стулья, пюпитры, массивный антикварный гримерный столик, рояль, скрипка - душа музыканта, бокал вина... Сценография Адомаса Яцовскиса не отвлекает от главного. На плечи Геннадия Хазанова ложится львиная доля истории покаяния и прощения. На нервную систему Алексея Гуськова - подробнейшая, подлинная драматическая выделка роли-события, спектакля-поступка.
Постоянный соавтор спектаклей Римаса Туминаса композитор Фаустас Латенас звучание истории придает очень аккуратное. Музыку он писал с "лейтмотивом", что "человек приходит не мстить за вину, а, наоборот, освобождать от вины: освободить для творчества. Ведь с грузом на душе ходит не только тот, кто совершал грех: такой же груз носит и тот, кто не простил. Прощение - это очищение обоих для "чистой ноты". А с очищением приходит свобода..."
Туминас стремление к чистой ноте в своей режиссуре возводит в культ. После сложносочиненных в конструкциях постановок он сделал лаконичный, практически аскетичный по внешним эффектам спектакль, где игра идет в наиболее трудновоплотимый театр - психологический. С запредельно подробным разбором внутренней жизни двух очень разных незнакомых людей, но будто связанных друг с другом одной пуповиной. Особенно когда воображаемый оркестр замрет, ужас одиночества заполнят стулья и пустые пюпитры, красиво позабытые сценографом где-то между небом и землей, посреди сцены. И театральная загадка "Фальшивой ноты" с неожиданной развязкой приблизится к завершению, даруя ее главному герою вожделенный покой.
В конце концов, сорок лет, прошедшие с момента преступления до покаяния и прощения, - достаточный срок для того, чтобы взять себя в руки.
P.S.
Премьеру "Фальшивой ноты" сыграли в день открытия 98-го сезона Вахтанговского театра. В ближайших планах вахтанговцев - "Фауст" в постановке худрука Римаса Туминаса и "Дон Кихот" Юрия Бутусова, с этого года по приглашению Туминаса ставшего главным режиссером Вахтанговского театра.
Два исключительно важных события в Театре имени Вахтангова, в один день, в субботу. Первое - на сборе труппы художественный руководитель Римас Туминас объявил, что предложил Юрию Бутусову занять должность главного режиссёра театра, и тот предложение принял. «Этот бунтарь не даст нам окаменеть», - сказал Туминас. Событие второе - премьера. На сцене - два народных артиста Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов. Геннадий Викторович утверждает, что было у него давнее желание, чтобы судьба как-то пересекла его с худруком этого театра, и когда он прочёл пьесу Дидье Карона «Фальшивая нота», он понял, что вот с этим и надо идти к этому режиссеру. Туминас выбор пьесы одобрил, на роль дирижера пригласил Гуськова, и вот что вышло. Ирина Разумовская сообщает.
В репертуаре театра Вахтангова появилась постановка по самому, пожалуй, свежему литературному произведению. Всего год назад была написана «Фальшивая нот» - это пьеса французского драматурга режиссера и актёра Дидье Карона. Инициатива представить её впервые в России принадлежит Геннадию Хазанову, которому этот текст показала переводчица. Художественный руководитель Театра Эстрады принёс ее в Театр Вахтангова.
«Даже если бы не было ремонта в Театре Эстрады, всё равно надо ответить на главный вопрос, кто будет ставить спектакль. И мне очень хотелось, чтобы это был Туминас. Глупо приглашать Римаса Туимнаса на постановку спектакля в Театр Эстрады. Мне и самому хотелось оказаться в намоленном пространстве, немножко другом», - признался Хазанов. Присутствие на сцене Хазанова, лихое и юмористическое начало натолкнет зрителя на мысль, что впереди комедия с тривиальным сюжетом: пронырливый поклонник творчества известного композитора пробирается к нему в гримерку и не даёт покоя.
Играть маэстро Алексею Гуськову не впервой. 10 лет назад природу дирижирования артист постигал для роли в фильме «Концерт». Тогда изучал манеры Бернстайна, Темирканова, Светланова. «Это всё очень пригодилось, я достал все свои записи старые, и когда Римас попросил определенную паузу, я надеюсь, что профессионал узнает, что это Тосканини, который делает «Татададам». Этот Тосканини всегда был такой», - поделился народный артист России Алексей Гуськов.
Герой Гуськова - дирижёр на пике своей карьеры. Захлёбывающийся в своей славе, он должен заменить почившего Караяна и собирается переезжать в Берлин, где ломают Стену. А значит на дворе 89-й год. Первое, что услышит зритель, - это музыка любимого композитора Гитлера – Вагнера, и это очень важно. В подарочной коробке с бантом от «якобы» поклонника окажется роба заключённого Освенцима. Перед нами: немец и еврей. «Через прощение, сочувствие и понимание, что произошло в мире, и что происходит сейчас, надо всё бросить, если ты знал, где живет Бог, знал, как к нему обратиться. Слушай Моцарта, вот это и есть Бог, музыка должна нас спасти», - заключил художественный руководитель Театра им. Евг. Вахтангова Римас Туминас.
В середине спектакля зазвучит сюита чешского композитора еврейского происхождения Павла Хааса. Он её написал в концлагере и сыграл перед немцами в надежде, что его помилуют. Его убили. Здесь кровавой мести не будет. Будет боль жертвы, признание грехов палача, освобождение от вины. Римас Туминас «сшил» эту историю покаяния музыкой, достигнув в трактовке французской пьесы потолка, как и хотел того Геннадий Хазанов.
«У Бога руки по локоть в крови». — «Мы не выбираем. Выбирают за нас». — «Кто выбирает?» — «Бог!» Таким диалогом заканчивается премьерный спектакль «Фальшивая нота», которым Вахтанговский театр открыл свой 98-й сезон. В нем сошлись два корифея из двух разных «опер» — Алексей Гуськов от театра и Геннадий Хазанов от эстрады. С премьерного показа — обозреватель «МК». Этой премьерой открылся фестиваль «Уроки режиссуры».
Пьеса современного французского драматурга Дидье Карона, начинавшего, кстати, простым банковским клерком, обозначена как детектив. Интрига и ход событий хоть и соответствуют жанру, но не слишком заморочены, в него не вовлечены множество участников. На сцене дуэт, причем музыкальный термин здесь не случаен: один из персонажей — известный дирижер филармонического оркестра Миллер, а другой — любитель Динкель.
Что их свело в одном месте и в одно время? Выяснению этого вопроса посвящена большая часть пьесы, которая, точно резинка в руках хулигана, растягивается и растягивается. Вообще-то все так забавно и даже смешно начинается: какой-то старый чудак приперся к известному человеку и достает его своим занудством. Но сознательно затянутая экспозиция обрушится страшной правдой катастрофы мирового масштаба. Но пока — процесс, долгий, мучительный для героя, к которому пришел незваный гость. Да еще запер на ключ его гримерную комнату — смешное преступление. — Что вам от меня надо? Оставьте меня. Я устал. Ну ради бога.
А надоедливый старикан все ломится и ломится со всякой ерундой к великому человеку: дайте автограф, подпишите фотокарточку, «мою жену зовут Аннет, с одним «т», прошу запомнить». Все краски, которые есть в арсенале короля советской эстрады Геннадия Хазанова, он использует: такой постаревший «кулинарный техникум» — нафталинный недотепа, необъяснимым образом не теряющий своего недотепистого обаяния. Он свистяще подхихикивает: «С-с-с-с», комично пытается что-то достать из кармана, крутя ногой. И кажется, что это он царь и бог, задает правила игры, он в фокусе внимания зала.
Но как только герой Гуськова обнаружит фотографию, спрятанную под крышкой пианино, произойдет психологический слом, причем у обоих. И тут первая скрипка (инструмент тоже лежит на пианино) переходит к Гуськову. Резкий поворот событий от настоящего к прошлому, стыдному, позорному, а потому много лет скрываемому, меняет героя. Но не резко: так на белом листе у хорошего художника штрих за штрихом вырисовывается портрет — не столько личности, сколько судьбинный.
Гуськов великолепен во владении психологическими нюансами, его душевная слабость, комплексы, объясняющиеся прошлым, имеют множество оттенков — филигранная работа, тонкость которой возрастает в цене, особенно с учетом того, что режиссер выстраивает роль артиста на крупном плане. Дирижер Миллер практически на авансцене: меняются ракурс его посадки в кресле, разворот головы, руки с тонкими музыкальными пальцами, порывистые движения… Перед ним его жертва из Аушвица, превратившаяся в палача. А он сам был палачом, в далекие 40-е по приказу коменданта расстрелявшим человека лишь за одну фальшивую ноту, когда на морозе окоченевшими пальцами тот играл Маленькую ночную серенаду соль мажор Моцарта. А комендант — его отец. А убитый — отец визитера.
Тема преступления и наказания, палача и жертвы, греха и искупления… Уместно ли столь трагически возвышенную тему раскрывать детективным ключом? Годится ли мистерийному полотну такая рама, более подходящая для легковесного антрепризного представления? Ответ — в чьих руках ключ, в данном случае Римаса Туминаса. После спектакля он скажет: «В нем звучит тема покаяния. Но почему-то это всегда происходит поздно — и это мы называем исповедью. Наступает призрак смерти — и наступает покаяние».
«Фальшивая нота» — минималистичное полотно, в котором минимализм дает невероятную энергию напряжения. Здесь музыка как главная составляющая содержания, и она же в партитуре Фаустаса Латенаса. От Маленькой ночной серенады соль мажор Моцарта до полной какофонии. Здесь музыка не иллюстратор, а проявитель внутреннего состояния героев. Да и декорации Адомаса Яцовскиса выявляют музыкальную суть и происходящего, и мироздания. Музыка выше всего — это не просто фраза: параллельно основной сцене с героями художник, избегающий в работе высокопарности и пафоса, который всегда ложен, разместил вторую сцену, где лишь пюпитры без нот и стулья без музыкантов. А она, музыка, все равно выше.
Но вернемся на землю. Перед Хазановым сложнейшая задача: из хихикающего посредством «с-с-с-с» шута стать палачом, получающим сатисфакцию. Но у артиста почти не слышно (и это к его профессиональной чести) обличительных нот, никакого соблазна впасть в Нюрнбергский процесс. Он только грустнеет и скукоживается на глазах: такая же жертва, равно как и бывший палач его отца. Палачи и жертвы тоже чьи-то дети. «У Бога руки по локоть в крови», — говорит он своему сломленному визави. «Мы не выбираем. Выбирают за нас», — отвечает тот, стоя точно на краю пропасти. «Кто выбирает?» — «Бог!»
Марина Райкина Заголовок в газете: Смешное преступление — страшное наказание Опубликован в газете "Московский комсомолец" №27786 от 18 сентября 2018
Театр Вахтангова открыл очередной, почти предъюбилейный сезон не только премьерой, но и замечательной новостью. Причем новость, озвученная Римасом Туминасом на сборе труппы, пока перекрывает даже впечатление от новой постановки.
Главным режиссером в театр на Арбате приглашен Юрий Бутусов. Минувшей весной он ушел из петербургского Театра Ленсовета по непримиримым разногласиям с его директором. Как признавался сам любимец публики, администрация не давала ему развивать театр. Открыв свой личный сезон 2018/19 уже в Москве – запланированной премьерой в МХТ им. Чехова, Бутусов стал ньюсмейкером и в Вахтанговском театре. Столь благородное и умное решение Туминаса, очевидно, продиктовано не только искренней приязнью к коллеге – с вахтанговцами Бутусов уже работал – и цеховой солидарностью, но и практической целью. Нагрузка явно увеличилась. Все-таки открытые в минувшем сезоне новые сцены, которые создали целую империю из пяти площадок, нужно достойно заполнять, а разросшуюся за счет присоединения актеров Первой студии труппу – активно занимать.
Пока же «первая ласточка» – от самого мастера, который, видимо, не боится творческой конкуренции и много работает в паре. Вот и в актерском отношении партнерский спектакль «Фальшивая нота» Римас Туминас ставил вместе с артистом, режиссером-педагогом театра Алексеем Кузнецовым, который взял на себя всю «черновую» работу – проработку мизансцен.
Визуальная концепция характерна для Туминаса (чего не скажешь о выбранном материале) и его сценографа Адомаса Яцовскиса. Канва пьесы француза Дидье Карона – музыкальная, главный герой – прославленный дирижер, и на сцену взгроможден словно парящий в воздухе, а на деле плотно укорененный на колоннах подиум для оркестра, точнее, его опустелого остова – стульев и зажженных пюпитров. В черном провале гостиной – пустующий зрительный зал. Миллер (Алексей Гуськов) только что окончил концерт. Как всегда, время размыто, но, судя по фактическим маячкам, речь идет о конце 80-х. Дирижер планирует переезд из Франции в Германию, где Берлинская стена уже пала и есть шанс занять место почившего Герберта Караяна. Время действия – один вечер, за который Миллер вспомнит свое прошлое, – так решит нежданный гость, прикинувшийся его подобострастным почитателем.
Геннадий Хазанов (Динкель) и есть главный виновник постановки и ее, говоря высоким слогом, живое сердце. Хазанов принес пьесу Туминасу, и его мечта сыграть на вахтанговской сцене, как он говорит, спустя 55 лет наконец свершилась.
Тема, в которую нежданно-негаданно уходит вроде бы нетривиально начавшаяся (хотя с какой стороны посмотреть!) история – поклонник посещает своего кумира после концерта, разубеждая его в провале, – кажется, по-настоящему близка здесь только ему. Поэтому «Фальшивая нота» – истинный бенефис Геннадия Хазанова и, кажется, оправдан лишь его присутствием – игрой мастера эстрады на академической театральной сцене.
Динкель оказывается сыном сфальшивившего скрипача, застреленного будущим дирижером в концлагере Аушвиц (когда тот «помогал» своему отцу на службе в войсках СС). Хазанов–Динкель приходит не то чтобы отомстить за отца, скорее дать виновнику почувствовать себя на месте жертвы. Кроме того, что сюжетная ситуация встречи жертвы и палача спустя годы лицом к лицу после знаменитой повести Зофьи Посмыш «Пассажирка», по сути, закрыта, тема Холокоста у Дидье Карона подана в самом невыгодном свете (эта психологическая драма написана в 2017-м) – поверхностно, местами абстрактно, жалостливо. С таким чувством и остается зритель в финале.
Драматург не преодолевает стереотипности ни в характерах, ни в исходе фабулы, линейно решая вечный конфликт: месть не может быть физической, месть национальной истории – это мучительные воспоминания в уголках памяти и перед глазами. Алексей Гуськов в роли зазнавшегося гения привычно играет демонического одиночку и, хотя и бросает отточенные репризы в зал, сдабривая их изящной жестикуляцией, тех аплодисментов, которыми его встречают (как, справедливости ради, и второго «народного»), больше не добивается.
Хазанов играет тоньше, сначала по эстрадному ярко. То смех дурацкий «приклеит» к своей маске стеснительного интеллигента, то трогательно согнется и скромно пойдет, схватив портфельчик и наивно помахивая ладонью, то начнет расшаркиваться, то полезет обшаривать свои штаны, задрав пальто, во всех возможных (и невозможных!) местах в поисках авторучки для автографа. Когда, уже преобразившись в «мстителя», он расправляет плечи и становится мудрецом, схватившим власть судьбы, его монолог – оправдание о том, что над греховностью человека цинизм и равнодушие Господа, – звучит в звенящей тишине и хотя литературно и отдает графоманством, все-таки берет за душу. Хазанов вкладывает в свою роль больше, чем в ней прописано. Неподдельно личную, интимную интонацию, память эпохи. И актерского азарта в нем много больше – хватило бы еще не на одну премьеру.
Юрий Бутусов станет главным режиссером театра Вахтангова. Нет, никто никуда не уходит: Римас Туминас — по-прежнему художественный руководитель театра, а Юрий Бутусов приглашен на новую ставку главного режиссера. «Никуда я не ухожу. Я остаюсь художественным руководителем, — подтвердил Римас Владимирович на сборе труппы в прошедшую субботу, когда он, собственно, и объявил новость о Бутусове. — Я предложил, и Юрий Бутусов дал согласие... Этот бунтарь не даст нам окаменеть, любоваться собой...» Юрий Бутусов в марте ушел из театра им. Ленсовета, где он ставил спектакли два десятка лет, а с ноября 2017-го был там художественным руководителем. Причиной его ухода явился конфликт с директором театра Градковским и питерским комитетом по культуре.
Мы спросили «вахтанговского» директора Кирилла Крока, что он думает о приглашении в его театр Юрия Бутусова. Ведь фактически в театре теперь будет триумвират — «Крок — Туминас — Бутусов». — Что же всех так эта тема возбуждает? — недоумевает Кирилл Крок. — [Художественный руководитель Российского академического молодёжного театра Алексей] Бородин объявил, что в РАМТе Егор Перегудов теперь будет главным режиссером, притом что он остается худруком. В Александринском театре [Валерий] Фокин — художественный руководитель, а Николай Рощин — главный режиссер. Вот и у нас теперь будет главный режиссер. Когда Юрий Николаевич Бутусов ушел из Ленсовета, мы с ним вели переговоры о новой постановке и в том числе предложили ему, скажем так, большее присутствие в театре Вахтангова. Это была наша с Туминасом инициатива, — говорит директор театра им. Вахтангова. — И Юрий Николаевич сказал, что у него огромное количество предложений, проектов и дел, что он не может это все бросить. И если мы предлагаем ему статус «свободного художника» — с возможностью исполнять взятые ранее обязательства, — то, вполне возможно, он примет это предложение. Он взял тайм-аут, обдумывал предложение. Потом, в середине сезона, мы еще возвращались к разговору, потом Бутусов взял еще тайм-аут. И вот 8 сентября он был в Москве, репетировал в театре спектакль «Бег» — и ответил уже твердым согласием. Поэтому мы с Римасом Туминасом и объявили об этом на открытии сезона. Вот и вся история.
— История прекрасная, да. — И никакая это не многоходовка, как многие уже думают. Что, мол, Бутусов специально устроил скандал в Ленсовета, чтобы уйти оттуда к нам. Во-первых, он ничего не устраивал, а во-вторых, наше предложение было сформулировано только тогда, когда окончательно стало ясно, что Юрий Николаевич уже твердо все решил и окончательно ушел из Ленсовета. Только после этого мы предложили ему свой вариант, и он на него, как я и сказал, не сразу согласился.
— Все прекрасно знают, что в театре Вахтангова директор и худрук — это как минимум равнозначные по позициям и влиянию на процесс люди... — Ой, ну погодите. Когда мы говорим о театре, надо в последнюю очередь думать, кто первый, а кто второй. Театр только тогда театр, когда все на своих местах и все работают, а не считаются, у кого авторитет больше. Так что пригласить Бутусова — это было наше с Римасом абсолютно обоюдное желание. И прежде чем выходить на Юрия Николаевича, мы с Римасом Владимировичем много об этом говорили.
— У Юрия Николаевича, говорят, характер... — Ну и что. У всех творцов характер сложный. Все творческие люди — люди непростые. Простых вообще нет. Человек, который двор подметает, тоже непростой. Да, все люди разные, и нужно делать все возможное для взаимодействия и, если надо, компромисса. А театр — это вообще всегда территория компромисса.
Министр культуры Владимир Мединский вручил государственные и ведомственные награды деятелям культуры и искусства. Церемония прошла в Атриуме Большого театра. «Последние годы мы всегда подчеркиваем и отмечаем рост популярности российского театра, кино, филармонический бум, рост интереса публики к музейным, выставочным проектам. И в первую очередь это заслуга каждого работающего в отрасли, каждого из вас», - подчеркнул министр культуры Владимир Мединский.
Наград удостоены 61 человек. Орден «За заслуги перед Отечеством» II степени получил артист Малого театра Юрий Каюров, III степени - художественный руководитель Московской филармонии Юрий Симонов и актриса Театра имени Вахтангова Людмила Максакова. «И, конечно, я хочу сказать спасибо всем моим великим учителям, спасибо Рубену Николаевичу Симонову, низкий вам поклон. Спасибо Роману Григорьевичу Виктюку, спасибо Петру Наумовичу Фоменко, спасибо Римасу Владимировичу Туминасу. Если бы не эти великие учителя, я бы здесь на этом месте не стояла. Вахтанговцы, ура», - заявила Людмила Максакова.
Звание «Заслуженный артист России» теперь будут носить Анна Ардова и премьер Большого театра Владислав Лантратов. Звание «Заслуженный деятель искусств Российской Федерации» присудили художественному руководителю Центра оперного пения имени Галины Вишневской Ольге Ростропович и директору «Мультимедиа Арт Музея» Ольге Свибловой. Сергей Юрский удостоен нагрудного знака Министерства культуры России «За вклад в российскую культуру». Ордена Почета удостоен артист МХТ имени Чехова Авангард Леонтьев.
http://www.teatral-online.ru/news/22597/ сентябрь 2018 Римас Туминас: «Мы часто обращаемся к исповеди...» В Театре Вахтангова вышла премьера «Фальшивая нота» Премьеры/ Анна Тимина | Фото: Анатолий Морковкин/ Премьера спектакля Римаса Туминаса «Фальшивая нота» по новой пьесе французского режиссера, актера и драматурга Дидье Карона открыла 98-й сезон в Театре Вахтангова.
Всемирно известный дирижер Милллер (Алексей Гуськов) только что завершил концерт в Женевской филармонии и недоволен игрой своего оркестра. Внезапно в его гримерной появляется поклонник, желающий взять автограф. Однако, как выясняется, настоящая цель господина Динкеля (Геннадий Хазанов) состоит не в этом. – Это детективный сюжет, что типично для современных западных пьес, однако в нем есть глубинные смыслы, – пояснил перед премьерой Римас Туминас. – Мы стремились раскрыть историю жизни человеческих душ. В пьесе два героя. Один из них – знаменитый европейский дирижер, баловень судьбы. Другой – несостоявшийся музыкант: отец учил его играть на скрипке, но жизнь распорядилась так, что выдающимся скрипачом он не стал.
У господина Миллера все благополучно. В каком-то смысле он прожигает жизнь, проявляя и самолюбование, и гордыню. Но с появлением Динкеля на поверхность выходит правда о его прошлом. Важнейший принцип Динкеля – чистота. В жизни он часто сталкивался с ложью, и нетерпимость ко лжи заставляет его бороться. Он не мог не влюбиться в Миллера, как в выдающегося дирижера, и, наверное, его привела любовь к гению, желание, чтобы тот искренне покаялся и признал свою вину. Наверно, если это случится, он будет дирижировать гениально.
Идея постановки принадлежит актеру, художественному руководителю Театра эстрады Геннадию Хазанову. – Когда я прочитал пьесу, у меня не было других вариантов, кроме как прийти с ней к Римасу Туминасу, – рассказал Хазанов. – Можно было попробовать сыграть ее на сцене Театра эстрады, но, уверен, спектакль проиграл бы еще до открытия занавеса. Здесь нужно было выстраивать другое смысловое и чувственное пространство. Нужна была совершенно другая стилистика. Думаю, если бы Туминас отказался, для меня, как для актера, эта пьеса свет бы не увидела. Я низко кланяюсь художнику спектакля Адомасу Яцовскису, композитору Фаустасу Латенасу и режиссеру Алексею Кузнецову, который соединил, на первый взгляд, несоединимые вещи.
Хазанов не раз выходил на Вахтанговскую сцену, однако в спектакле этого театра участвует впервые: – Я бесконечно благодарен моему партнеру Алексею Гуськову за удивительное дружелюбие, сердечность, желание протянуть руку. Отношение моего партнера было для меня очень ценным и важным. Я с интересом наблюдаю, какими ходами он идет на репетициях, и пропускаю это через себя, потому что актер, который перестал учиться, – умер.
Алексей Гуськов не в первый раз играет роль маэстро: природу дирижирования он постигал десять лет назад для роли в фильме «Концерт». – Тогда я наблюдал и слушал многих великих дирижеров – Бернстайна, Караяна, Светланова… Хотел найти нужный характер, –поделился актер. – Музыку я любил всегда, но тут окончательно утвердился в предположениях, что симфонический оркестр – самое совершенное творение человеческой души. Поэтому эта роль для меня особая. «Когда б вы знали, из какого сора / Растут стихи, не ведая стыда», – писала Ахматова. Та же самая мысль есть и в этом спектакле: большое, искреннее произведение может родиться в художнике, только когда он один на один с собой честно признается в своих самых страшных грехах.
По мнению Фаустаса Латенаса, в музыке к спектаклю не должно быть ничего случайного. – Может показаться странным, что тему Холокоста мы открываем Вагнером, который неофициально запрещен в Израиле, – сказал Латенас. – Но на самом деле здесь есть конфликт – кроме Вагнера в прологе мы слышим еврейского композитора Павла Хааса (симфоническую сюиту, написанную им в концлагере). Этот конфликт, который существует в музыке, продолжается затем на протяжении всего спектакля.
В пьесе звучит вечная тема покаяния, отметил в заключении Римас Туминас: – Мы часто обращаемся к исповеди, но, как правило, бывает поздно. Вспоминаются слова Родена: «Ах, если бы общество представило на собственный суд собственные ошибки и безобразия и признало бы себя виновным, сколь стремительным было бы превращение нашей земли в рай». За полтора часа действия Динкель буквально воскрешает Миллера, творит его заново, веря, что оркестр, которым он будет управлять, больше не допустит ни одной фальшивой ноты, как и он сам больше не допустит фальши в своей жизни.
Сбор труппы в Вахтанговском театре по традиции начинает не худрук, а директор. Кирилл Крок в темпе, которому могли бы позавидовать иные артисты, поведал коллективу, каких успехов он достиг в минувшем сезоне, и его "доклад" длился больше 10 минут. У вахтанговской труппы есть все основания для гордости: на пяти сценах сыграно более 800 спектаклей, которые смогли посмотреть почти 290 тысяч зрителей, и это не считая многочисленных гастролей. Первые аплодисменты достались корифеям труппы, удостоенным высоких правительственных наград и званий – Людмиле Максаковой, Ирине Купченко, Владимиру Этушу, Владимиру Симонову, Виктору Добронравову.
Когда поток поздравлений, наконец, иссяк, худрук ободрил тех, кто остался без наград – в следующем сезоне и до них дойдёт очередь. К самому же себе Римас Туминас был, как и всегда, настроен особенно критично: — Хотел анализировать прошлый сезон, но не стану этого делать. Я сам наказываю себя за свои ошибки. Всё понимаю и всё вижу. В течение сезона мы будем вносить коррективы и, наверное, с какими-то спектаклями будем прощаться. Но будут новые. Такова жизнь.
Из дальнейшего стало ясно, что режиссёр, вероятно, намерен обратиться к одному из величайших романов русской литературы – "Войне и миру": — Лев Толстой выразил вечную боль человека, его вечное размышление о смерти и жизни, о войне и мире, о боли Земли, в которой скрыта обратная сторона Красоты. Наступают очень тревожные времена, и потому нам никак нельзя терять надежду. Нужно направить все силы на поиски Красоты. Быть терпеливыми. Учиться. Учиться вкусу. Мы грешим против Красоты, утрачивая вкус, не заставляя себя быть на уровне вкуса, стиля. "Стиль напыщенный, – писал в своё время Роден, – обращающий на себя внимание – это скверно. Стиль тогда хорош, когда о нём забываешь".
Впрочем, помимо цитат из "Завещания" Родена, Римас Владимирович несколько раз апеллировал к гётевскому "Фаусту". Чего стоит одно лишь Но не ищи высоких званий: Стал человеком – и желаний Нет боле – нечем больше быть. Всё это невольно наводило на мысль о том, что роман Толстого – не единственный текст, над которым размышляет режиссёр. Из озвученного режиссёром следует ещё одна работа – "Маленькие трагедии" Пушкина, из которых мастер выбрал "Моцарта и Сальери" и "Скупого рыцаря", сообщив, что главную роль (неужели всех персонажей сразу?) будет играть Людмила Максакова. Будущего зрителя наверняка ждёт сюрприз.
Фото: Театр им. Е. Вахтангова/facebook.com
Планы Вахтанговского на грядущий сезон иначе как грандиозными и не назовёшь. Буквально на днях итальянский режиссер Лука де Фуско приступает к репетициям пьесы Эдуардо де Филиппо "Суббота, воскресенье, понедельник" с Ириной Купченко и Евгением Князевым в главных ролях. Другой итальянец – Джорджио Сангати из знаменитого театра "Пикколо ди Милано" будет ставить пьесу Карло Гольдони "Новая квартира", с которой российский зритель практически не знаком. А французский режиссер Клеман Эрвье-Леже выбрал для постановки пьесу Мариво "Двойное непостоянство". Кроме того, ведутся переговоры с режиссёром Аттилой Виднянским, возглавляющим Венгерский национальный театр (вероятней всего, это будет пьеса Кальдерона "Жизнь есть сон").
Не меньше ожиданий связано и с отечественными постановщиками. Андрей Максимов готовит к выпуску фантазию по произведениям Валерия Брюсова "Брюсов переулок". Екатерина Симонова работает над "Дневником Анны Франк". Гульназ Балпеисова – над "Калигулой". А Михаил Цитриняк намерен дать сценическую жизнь русским былинам (вот уж будет где разгуляться знаменитому вахтанговскому магическому реализму). Из возможного, но ещё не определившегося – приглашение на постановку Ивана Поповски.
До столетнего юбилея прославленного театра остаётся ещё два года, но подготовка к нему уже идёт, как говорится, полным ходом. Режиссёр Евгений Арье готовит постановку "Диббука", с которого когда-то начал свою историю возглавляемый им театр "Гешер". Эта легендарная пьеса воплощает для вахтанговцев ту самую связь времён, о непрерывности которой так заботится этот театр. Столетие театра совпадает со столетием пьесы, которую поставил в делающей свои первые шаги еврейской труппе Евгений Багратионович Вахтангов, немало сделавшей для того, чтобы она стала по-настоящему профессиональной. По словам композитора Фаустаса Латенаса спектакль будет насыщен музыкой – актёры давно мечтают о такой постановке.
Но, как оказалось, главную сенсацию, Римас Туминас, как мудрый стратег, приберёг для финала. Объявив о том, что Бутусов будет репетировать "Дон Кихота", он без паузы сообщил, что Юрий Николаевич принял его предложение стать главным режиссёром Вахтанговского театра. Напомним, что с ноября 2017 по март 2018 года Бутусов занимал должность художественного руководителя театра им. Ленсовета, от которой он отказался в связи с тем, что администрация театра, поддерживаемая комитетом по культуре Санкт-Петербурга, препятствует его работе на этом посту. По словам Туминаса, переговоры с Бутусовым шли на протяжении всего прошлого сезона и вот, наконец, его предложение было принято и соответствующее назначение уже оформляется в министерстве культуры (театр им. Вахтангова имеет статус федерального).
Новость сия произвела эффект разорвавшейся бомбы. Присутствующие даже не сразу сообразили, о чём речь: вспыхнувшие поначалу бурные аплодисменты в честь новой интересной работы, внезапно стихи и раздались недоумённые возгласы "А как же вы?!" Туминас поспешил успокоить труппу – он остается художественным руководителем театра: "Роза пахнет розой/ Хоть розой назови её, хоть нет". Римас Владимирович объяснил и причину подобного шага: — Мне кажется, этот бунтарь не даст нам очутиться в классической ситуации, не даст любоваться собой, классическими манерами в поисках правды. Нам опять предстоит искать фантастический реализм в будущем репертуаре. Там где проявляется игра, свет, гармония.
Подводя итог своим размышлениям о начинающемся сезоне, Туминас привёл слова Афнасия Фета, утверждавшего, что и в огне есть слёзы, а раз так, то "Огонь и слёзы будут сопровождать наш сезон: огонь – это свет и тепло, а слезы – плач о человеке, о его вечном, трагическом стремлении к счастью".
Театр имени Евгения Вахтангова открыл 98-й сезон премьерой спектакля «Фальшивая нота» в постановке Римаса Туминаса и дал старт фестивалю «Уроки режиссуры».
Сбор труппы вахтанговцев отличался живостью и оптимизмом. О достижениях прошлого театрального года рассказал директор Кирилл Крок. Его речь напоминала отчеты передовиков производства недавних времен. Статистика как показатель эффективности фиксировалась на экране. Видеоролик запечатлел все премьеры прошлого сезона, памятные вечера, результаты строек и ремонтов и, конечно, открытие уютной Симоновской сцены, которую полюбила публика. Недавнее приобретение — «Мемориальный кабинет Бориса Щукина» в главном историческом здании. Теперь в антракте зрители могут рассмотреть бесценные реликвии одного из основателей коллектива, чье имя сегодня носит театральный институт в соседнем Большом Николопесковском переулке, более известный как «Щука». Хозяин «пятисценной» империи на Арбате Римас Туминас выступал на контрасте, говорил тихо, задумчиво, без пафоса и, как в классическом конферансе, не торопился раскрывать интригу. Мы же начнем с кульминации: «Юрий Бутусов дал согласие прийти в Вахтанговский на должность главного режиссера». После этих слов повисла пауза — новость ошарашила собравшихся. «Вы уходите, что ли?» — раздалась робкая реплика из зала. «Никуда не ухожу, остаюсь художественным руководителем. Но, думаю, этот бунтарь не даст нам окаменеть и любоваться собой». «Бунтарь» вахтанговцам знаком — здесь им создано два спектакля: «Мера за меру» Шекспира и «Бег» Булгакова. К «Дон Кихоту» Сервантеса он приступит уже в новом статусе.
Планы театра обширны. Итальянская постановочная группа во главе с Лука де Фуско приступит к репетициям спектакля по пьесе Эдуардо де Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник». В ноябре ожидается премьера «Брюсов переулок» — автор и режиссер Андрей Максимов. Пьеса — фантазия по произведениям поэта-символиста и писателя Валерия Брюсова, с именем которого название переулка связано только фонетически. Сам Туминас не оставил идею сделать «Фауста» Гёте, размышляет о «Войне и мире» Толстого и «Маленьких трагедиях» Пушкина с Людмилой Максаковой в одной из главных ролей. Остальные задумки воплотятся уже в следующем календарном году. Ведутся переговоры с итальянским режиссером Джорджио Сангати о комедии Гольдони «Новая квартира» и французом Алеманом Эрве-Леже о пьесе Мариво «Двойное непостоянство». Определяются с названием Иван Поповски и венгерский постановщик Аттила Виднянский. На разных сценах появятся работы Антона Яковлева, Екатерины Симоновой, Гульназ Балпеисовой, Эльдара Трамова, Михаила Цитриняка. В завершении худрук пожелал сезону огня и слез: «Огонь — это тепло и свет, а слезы — это плач о человеке, о его вечном трагическом стремлении к счастью» и призвал уже сейчас «думать о столетии театра». К вековому юбилею композитор Фаустас Латенас и режиссер Евгений Арье сочиняют спектакль «Диббук». Выбор материала, видимо, не случаен — Евгений Вахтангов ставил одноименную драму Ан-ского в студии «Габима», его манила тайна этого недоброго духа и мистические истории тех, в кого он вселялся.
Вечером прошла премьера «Фальшивой ноты» по пьесе француза Дидье Карона, в недавнем прошлом — банковского служащего, ныне — драматурга, режиссера, актера. «Нота» написана в полном согласии с классическим триединством. Место — просторная гримерка в Женевской филармонии. Время — те два часа, что идет спектакль. Действие сведено к одной сюжетной линии. Пересказать фабулу несложно: после концерта к звездному дирижеру Миллеру (Алексей Гуськов) приходит поклонник Динкель (Геннадий Хазанов) — за автографом и фотографией. Несколько раз он уходит и вновь возвращается, словно не решаясь осуществить задуманное. Задумал же он — разоблачение. В кумире меломан узнал убийцу своего отца, узника Аушвица. В те страшные годы юный Миллер взял в руки пистолет и выполнил приказ коменданта. Убитый расплатился жизнью за то, что в Маленькой ночной серенаде Моцарта онемевшие от мороза пальцы допустили фальшивую ноту, когда ансамбль заключенных играл по приказу властей лагеря.
В пьесе, увы, немало случайного и неточного. Приходы и уходы Денкеля связаны не с тем, что он переживает страшные минуты: боится ворошить прошлое, не решается открыть жестокую правду, опасается тянуть давнюю трагедию в настоящее. Автор явно увлечен детективным ходом, он лихо закручивает историю по лекалам антрепризы, и потому мучительному и неотвратимому разговору — яростному, как дуэль, предшествуют пустяшные банальные реплики (публика откликается радостным смехом). Их вряд ли мог произносить человек, которого истязают призраки прошлого, чей «поезд уходит в Освенцим! / Сегодня и ежедневно…». Режиссер пытается разогнать неуместную репризность текста. Долгие муки раздумий оказываются уделом Туминаса, склонного к рефлексии, считающего прошлое — живым. В давнем интервью он признавался, что прожитое вчера определяет все, что случится завтра, а смысл дня нынешнего откроется в будущем. Похоже, темы: палач и жертва, зло и безнаказанность — близки и Вахтанговскому театру. «Наш класс» о расправе молодых поляков над своими одноклассниками-евреями — премьера прошлого сезона, «Дневник Анны Франк» сейчас в работе у режиссера Екатерины Симоновой.
В «Фальшивой ноте» сценограф Адомас Яцовскис создает непарадный портрет засыпающего после концерта закулисья. Полумрак, вешалка с пальто, кресла, гримерный столик, бутылка вина, рояль, на нем — скрипка и метроном. А вверх, под колосники, черной тучей взметнулся оркестровый просцениум — пустые пюпитры с еще мерцающей подсветкой, сдвинутые стулья — музыканты ушли. Мрачный облик подмостков транслирует отчаяние и смятение. Фаустас Латенас сочинил невероятную по эмоциональной силе музыкальную драматургию с использованием смыслообразующих цитат: от образов темных сил из «Гибели богов» Вагнера до целительной ясности Моцарта. Как не вспомнить слова Туминаса: «Слушайте Моцарта, музыка должна нас спасти». В спектакле звучат фрагменты сюиты Павла Хааса. Историю этого композитора стоит узнать до просмотра, она скорректирует восприятие. Журналистам ее рассказали перед пресс-показом. Хаас писал сюиту в концлагере. Там же, в надежде на помилование, исполнил ее. Не пощадили. Как не пощадила жизнь и героев пьесы.
Самовлюбленный Миллер Алексея Гуськова — нетерпим и раздражителен. Актер неповторимо передает диктаторскую суть дирижерской профессии. Его величественные жесты и острые позы напоминают легендарных маэстро — мелькают тени Тосканини, Бернстайна, Светланова и наследников их славных традиций: от демонической страсти Гергиева до танцующей пластики Курентзиса. Миллер счастлив по всем формальным признакам: слава, овации, фанфары, жена, дочки, блестящая перспектива переезда в Германию. И только острые глаза вглядываются в прошлое, откуда выползают страхи и страдания. В финале разоблаченный и раздавленный, вмиг потерявший свое королевское величие, герой Гуськова оправдывается не перед сыном убитого беззащитного человека, а перед самим собой.
Динкель Геннадия Хазанова проходит обратный путь. Маленький, согбенный, простодушный, недалекий меломан с повадками постаревшего студента кулинарного техникума появляется перед своим кумиром на полусогнутых, нервно манипулируя пальцами, словно попал к строгому профессору на «экзамен по кислым щам». К концу спектакля узнать его трудно, он незаметно вырастает, расправляет плечи, поднимает голову, в руке крепко зажат пистолет. Твердым голосом он проводит дикий, но не бессмысленный допрос. Пронзительный поединок не снял боль потери Динкеля и чувство вины Миллера. Оба — раздавлены. Но мы ведь помним слова мудрого Туминаса: сегодняшний день проявится завтра.
Сбор труппы в театре им. Евгения Вахтангова проходит на Новой сцене. Входя в пустое фойе, сначала не чувствуешь праздника, и вот одной из первых приходит н.а. РСФСР Людмила Максакова, которая совсем не спешит уйти сразу в зал и сесть в кресло, а с удовольствием позирует для фотокамер и общается с коллегами, давая советы молодым артистам. Постепенно фойе заполняется «вахтанговцами»: здесь и молодежь, которая уже запомнилась по спектаклям прошлого сезона, и среднее поколение, и приходят именитые «вахтанговцы»: Владимир Этуш, Василий Лановой, Ирина Купченко, Сергей Маковецкий. Затем все перемещаются в зрительный зал, как вода, заполняя все выделенное пространство, даже присев на ступеньках и встав около стенки. В этот раз, как никогда, труппа почти в полном сборе. По бокам сцены стоят красивейшие пирамиды из фужеров, время которых наполнится шампанским придет чуть позже. На столах разложены книги, выпущенные в театре, – подарок для сотрудников и актёров. Вверху висит плазменный экран, которому и предоставляется первое «слово», а «говорит» он кадрами, на которых запечатлены главные события прошедшего сезона: открытие Симоновской сцены, гастроли, открытие памятника Михаилу Ульянову, ремонтные работы, премьеры, юбилеи. Внушительные итоги 97-го сезона!
И вот, наконец, начало нового 98-го сезона. Слово берет директор театра Кирилл Крок, который начинает с того, что объявляет о недавно вышедшем Указе о присуждении государственных наград. Людмилу Максакову наградили орденом «За заслуги перед Отечеством» III степени, Владимир Симонова – «Орденом Дружбы народов», а Владимира Этуша – орденом «За заслуги перед Отечеством» I степени, сделав его обладателем всех возможных наград в стране. Следом зачитывают имена тех, кто получил звания: Заслуженного артиста России получили Александр Рыщенков и Виктор Добронравов, Максиму Обрезкову дали звание Заслуженного художника России, а Кирилл Кроку – Заслуженного работника культуры России. После этого, как из рога изобилия посыпались благодарности от Министра культуры и Мэра Москвы. «Мы собирали награды целый год, чтобы сегодня их вручить», — сказал Кирилл Крок перед объявлением обладателей именных дипломов. Минут десять Кирилл Крок зачитывал фамилии, а сам художественный руководитель театра Римас Туминас преподносил каждому букет цветов. Всех имен награжденных не перечислить, вот некоторые из них: помощники режиссёра Марина Марченко, Наталья Меньшикова, Наталья Кузина, актёры Кирилл Рубцов, Екатерина Симонова, Дмитрий Соломыкин, Александра Стрельцина, Мария Шастина, Анна Антонова, Мария Аронова, Мария Бердинских, Мария Волкова, Любовь Корнева, Евгений Косырев, Василий Симонов.
Ну, и естественно, как на любом сборе труппы в театрах, отметили юбиляров, дни рождения которых выпали на лето – з.а. РФ Ольгу Чиповскую и з.а. РФ Андрея Зарецкого, а также тех, кто отработал круглые даты в театре. Среди цифр, характеризующий прошлый сезон, Кирилл Крок сообщил, что посещаемость театра в прошедшем сезоне составила 93%, а спектаклей за сезон на всех сценах было сыграно аж 832! В плане гастролей следующий сезон тоже будет очень насыщенным, рекордсменами по поездкам станут спектакли «Евгений Онегин» и «Маскарад», но и другие спектакли ждут в разных городах и странах. В планах: Латвия, Эстония, США, Китай, Париж, Казань, Италия, Тамбов, Нижний Новгород, Будапешт, Стамбул. Нет ни одного месяца, на который не были бы запланированы гастроли.
Театр им. Е. Вахтангова получил в дар от Галины Николаевны Ремизовой домашний «мемориальный кабинет Бориса Щукина», — это мебель, картины, фотографии, книги, рабочие материалы. Кабинет выставлен в экспозиционном зале театра.
Ну а после Кирилла Крока уже о творческих планах театра рассказал художественный руководитель театра Римас Туминас. Цитируя Льва Толстого, Родена и Гёте, Римас начал с того, что посетовал на молодежь, которая часто не хочет играть маленькие роли и уходит, или просит их снять с роли, ломая репертуар и тормозя дальнейший процесс развития. «Манерный, напыщенный стиль, обращающий на себя внимание, — это скверно. Стиль хорош, когда о нём забываешь. Чтобы сосредоточиться на трактуемом сюжете, на чувстве, захватывающем всё твое внимание», — процитировал Римас Туминас завещание Родена. Также художественный руководитель предупредил, что с какими-то спектаклями придется попрощаться, чтобы уступить место новым.
Дальше наступило главное, чего ждут на открытии сезона,- рассказ о премьерах. Уже в день открытия сезона вечером состоялась премьера спектакля «Фальшивая нота» по пьесе Дидье Карона в постановке Римаса Туминаса, в которой всего две роли, и их сыграли Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов. Буквально на следующий день после сбора труппы к репетициям спектакля по пьесе Эдуардо де Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник» собирался приступить итальянский режиссер Лука де Фуско. А в ноябре итальянец Джоржио Сангати из известного театра «Пиколо ди Милано» должен начать репетиции спектакля «Новая квартира». Еще заявлена постановка французского режиссёра Алемана Эрве-Леже по пьесе «Двойное постоянство» Мариво. К 100-летию театра в планах спектакль «Дибук», музыку для которого напишет Фаустас Латенас, а ставить будет Евгений Алье. Людмила Максакова сыграет в новой постановке театра — «Маленькие трагедии» А.С. Пушкина, которые будут поставлены по «Моцарту и Сальери» и «Скупому рыцарю». В ноябре на Малой сцене состоится премьерный показ спектакля в постановке Андрея Максимова «Брюсов переулок». Автор сценографии и костюмов – Максим Обрезков, музыка – Фаустаса Латенаса. Также были названы режиссеры Екатерина Симонова, Антон Яковлев, Эльдар Трамов, постановки которых возможно тоже появятся на сцене театра в этом сезоне.
Закончив озвучивать названия точных и возможных премьер, Римас Туминас отдельно сказал, что в театре будет ставить режиссёр Юрий Бутусов «Дон Кихота» Сервантеса. Но не просто ставить, а он войдет в штат театра на должность Главного режиссера. В зале раздались овации, но потом возникла пауза, среди которой кто-то спросил, озвучив мысль не только свою: «А вы куда?». «Я никуда. Я остаюсь Художественным руководителем театра!» — подытожил Римас. Должность, на которую пришел Юрий Бутусов,– это новая должность для театра. Планы у театра не то, что большие, они огромные! И под песню, которой театр закрывал прошлый сезон на Арбате, «вахтанговцы», поднявшись со своих мест, продолжили уже с бокалами шампанского делиться друг с другом эмоциями и фотографироваться на память, чтобы уже через несколько минут продолжить путь по только что открывшейся новой дороге, ведущей в 98-ой театральный сезон Театра им. Е. Вахтангова.
«Театр начинается с вешалки». Ставшие крылатыми слова К.С. Станиславского таят в себе процесс работы огромной машины, где каждый винтик имеет значение. А руководит этой машиной не кто иной, как директор театра. Когда открывается занавес, мы видим только вершину айсберга, а что находится под ней, рассказал директор государственного академического театра имени Евгения Вахтангова, заслуженный работник культуры РФ Кирилл Крок. С ним поговорила Ирина Латорцева.
- Кирилл Игоревич, в одном из интервью Вы сказали: "К театральным стенам надо относиться с большим волнением и уважением, чем к собственному дому - когда важнее то, что здесь, нежели то, что дома". Расскажите, как Вам за 8 лет удалось сделать для театра невозможные за такой короткий срок преобразования? - Во-первых, 8 лет - огромный срок! Это всё так просто. Каждый день каждый год ставить себе планы, добиваться их реализации, не отдыхать, по два месяца, как отдыхают наши уважаемые артисты, а находиться здесь, в театре. Делать, ремонтировать, переоборудовать, менять. Это каждодневный маленький труд, который, может быть, не виден. А потом, раз - а у нас тут изменения.
- Действительно ли театр для Вас второй дом (или даже первый)? - Смотрите, какая штука. У меня дома есть любимая собачка, которая может мне подрать обои, я их подклею. Эту подклейку вижу один я и моя жена. Если что-то ободрано в театре Вахтангова, где бывает каждый день минимум тысяча человек, а если считать все сцены, то тысяча триста, - все это видят. Это стыдно. Я не могу видеть ободранные, поцарапанные или испачканные углы, и требую от наших сотрудников каждодневных обходов театра. Раз в месяц я сам делаю большой обход каждого помещения, каждой кладовки с начальниками службы, с руководителями отделов. Мы всё записываем: тут подкрасить, там подремонтировать. И это исполняется. (Тут Кирилл Игоревич достает целую папку бумаг со списком проделанных работ, где указано всё до мельчайших деталей, и, действительно, всё исполнено). Моё глубокое убеждение, что все эти вещи, может быть, подспудно, очень влияют на атмосферу в театральном творческом коллективе. Я убеждён, что там, где бардак и грязь, не живёт искусство. Оно очень капризно, трепетно, подвержено разным настроениям. Ведь Станиславский сказал: «Театр начинается с вешалки». Это не просто присказка. То, как сегодня артист выйдет на сцену, как он будет играть, как будет распределять себя, напрямую зависит от обстановки и атмосферы в театре. Никто меня не переубедит, что артисту всё равно, какая у него гримерка, есть ли там душ с чистым полотенцем и мылом, и что всё это в совокупности не влияет на его творчество. Я глубоко убеждён, что для того, чтобы создать что-то прекрасное, нужно напитаться этим прекрасным. Чтобы выдать что-то за час-два на сцене, артист начинает настраивать себя задолго до спектакля. Это так кажется - что такого – прибежал в театр, надел парик и на сцену. Совершенно нет. То, как артист входит в театр, какой здесь порядок, как здесь комфортно – несомненно, влияет на творчество. Уж не говоря о том, что театр Вахтангова – Академический театр почти со столетней историей. Через два года театру исполнится 100 лет. Поэтому мы обязаны подавать пример и содержать театр в идеальном состоянии. Для этого требуются каждодневные усилия. И роль директора в театре заключается не кабинетным креслом. Это работа с людьми, решение их вопросов. Директор – человек, который отвечает за внешнее и внутреннее состояние театра. Без этого не получается творить даже у самых лучших режиссёров. Я себя отношу к категории обслуживающего персонала, потому что должен обеспечить комфортные условия для работы режиссёра. Чтобы все актеры присутствовали на репетиции, а не разбегались по своим проектам (что тоже важно, и нужно воспринимать это как данность), чтобы спектакль проходил так, как это задумал режиссёр при постановке, а не так, как сложилось по обстоятельствам, чтобы декорации были не пыльными, а такими, какими должны быть. Я должен обеспечить артисту вкусную и недорогую еду в буфете, чистую и уютную гримёрку, вовремя поданный отглаженный костюм т.д. и т.п. и, безусловно, полный зал зрителей. Я должен создать максимальный комфорт. Не говорю, что это всегда получается, но никто не может бросить мне в спину, что я этим не занимаюсь или не достигаю определенных результатов. Конечно, хотелось бы больше. Всё нужно воспринимать в разрезе времени. Если вспомнить, как мы жили в театре 5-6 лет назад и как живём сейчас, посмотреть цифры, среднюю зарплату в театре за последние три года, сравнить соотношение по Москве оплаты каждого выхода актера то, мне кажется, - живем достойно.
- Не случайно же Вы обладатель премии "Хрустальная Турандот" за "Безупречную организацию театрального процесса". Действительно, 6 сценических площадок, звёздная труппа, разнообразнейшие постановки? Удаётся ли удовлетворять амбиции артистов и режиссеров, распределить роли и постановки? - Перестаньте, при чём здесь премия Турандот…Распределением артистов занимается режиссерское управление и мой заместитель. Они вместе ставят репертуар за полгода вперёд, решая сложнейший ребус. Сначала выстраивается гастрольный репертуар. Контракты составляются за год-два до поездки. Потом к этому графику подстраивается репертуар основной большой сцены, затем репертуар всех остальных наших площадок. Во многих спектаклях есть два состава, потому что всех надо распределить.
- Какие появились возможности, благодаря новым площадкам? - Возможности у театра появились совершенно разные. К примеру, открыта площадка «Арт-кафе». Многие копируют эту идею, и я рад, что наш пример оказался заразительным и полезным. На новой сцене, на минус первом этаже в подвале мы оборудовали прекрасное эстетически-художественное пространство. Спасибо главному художнику Максиму Обрезкову. Зрители могу приобрести билеты в кассе или в интернете любым способом и прийти. Вся прелесть пространства в том, что можно присесть не в ряду, как в театре, а за столиком, заказать чашечку кофе или лёгкие спиртные напитки, нехитрые закуски и наслаждаться творческим вечером или другими представлениями наших актеров. Это и сделано, прежде всего для актёров и зрителей . Появились дополнительная материальная составляющая и, что важнее, творческая самореализация актеров. Тем не менее, наше «Арт-кафе» очень эффективно работает, и мы неплохо закрыли сезон по экономическим показателям, даже с небольшой, как можно теперь выразиться, прибылью на развитие театра. Зрители ходят к нам, любят нас и мы им отвечаем взаимностью.
- Вы упомянули про творчество самых лучших режиссёров. На должность главного режиссера назначен Юрий Бутусов. Расскажите, как два гения - Римас Туминас и Юрий Николаевич Бутусов будут работать в одном творческом пространстве? - Сразу скажу: абсолютно тихо и спокойно. Потому что Римас Туминас совершенно самодостаточный режиссёр, искренне радующийся любому творческому успеху коллег. Он не боится приглашать сильных людей, поскольку сам человек сильный. Повода для ревности, как у многих коллег, у него нет. Самодостаточная личность всегда с интересом воспринимает чужое творчество. Само привлечение таких режиссёров – творческое развитие для театра.
- Поменяется ли репертуарная политика? - Репертуарную политику определяет художественный руководитель театра – Римас Туминас. Если он что-то поменяет в своих взглядах, то и репертуар поменяется. Если ему что-то понравится, и он решит, что данное произведение – пьеса, роман, сценарий – соответствует духу сегодняшнего времени, значит, будем ставить. Он абсолютно свободен в своем творческом выборе. Никто не диктует театру, что и как ставить. Это решает человек, который стоит у руля театра. А у руля театра стоит человек, поцелованный Богом. Зовут его Римас Туминас. С Юрием Николаевичем Бутусовым достигнута договоренность, что он приходит на должность главного режиссера театра. Раз в театральный сезон он будет делать новую постановку. Он тоже абсолютно свободен в выборе материала, занятости артистов и т.д. и т.п.
- Чего интересного ожидать зрителям в новом сезоне? - В театре много чего интересного происходит. Иногда думаешь, что премьера будет рядовой – случается событие. Я думаю, что одним из самых интересных событий - спектакль «Фальшивая нота», который выпустил Римас Туминас. Предположу, что эта работа будет очень любима зрителями. Во всяком случае, мы на это очень надеемся. Следующая премьера в январе на основной сцене. Лука же Фуско, главный режиссёр неаполитанского театра «Стабиле». Ставит он пьесу Эдуардо же Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник». Он интересный режиссер, у которого много удачных спектаклей в Италии. Лука приехал со своей творческой командой – художником, ассистентом режиссёра. Я думаю, что это будет новая краска в репертуаре театра. Конечно же, мы ждем, что Юрий Николаевич Бутусов приступит к репетициям «Дон Кихота». Это будет не совсем «Дон Кихот», как мы его понимаем, а, скорее, художественное размышление на сюжет «Дон Кихота». Юрий Николаевич всегда неожиданный режиссёр. На Новой сцене А. Максимов представит в ноябре премьеру «Брусов переулок» Самое значимое событие для нас, это то, что в ноябре Римас Туминас начнет читки романа «Война и мир». Если у Петра Фоменко только одна история, начало романа, то Римас хочет воплотить роман не то чтобы целиком (иначе спектакль будет идти три дня без остановки), а весь сюжет объять, соединить и привести к одной канве.
- Вы поклонник спектакля с эффектными декорациями и костюмами или же минимализма с глубокой философской игрой? - Я поклонник хорошего спектакля и хорошего театра. Для меня театр – это аншлаг в зрительном зале. Я считаю, что театр существует для людей, а не для критиков. И это очень важно. Померять успех театра можно только одним способом. Об этом всегда говорил Олег Павлович Табаков. Я просто процитирую его слова: «Единственный показатель успеха театра – это касса». Покажите, сколько сегодня продано билетов. Мне может спектакль нравится или не нравится, но если билеты проданы, значит, он нужен людям. Он попадает в их сердце, заставляет их вынуть свой трудовой рубль из кармана и прийти в кассу или купить электронный билет. Вот главная мотивация нашей деятельности. Спектакль, который не собирает публику, скорее всего, некий эксперимент фестивального формата. Эксперименты должны быть в театре.
- На Ваш взгляд, эксперименты должны случаться в историческом театре? - Вы знаете, эксперименты должны быть в любом театре. Просто если мы занимаемся только экспериментами, то в театре наступает беда. Мы должны умело сочетать репертуарную политику так, чтобы в ней присутствовали и эксперимент, и новаторство, и чтобы спектакли собирали публику. В любом театре могут случаться как победы, так и поражения. От этого никуда не деться. Бывает, мы выпускаем спектакль, который по тем или иным причинам не доживает даже один театральный сезон. Такое бывает, и от этого не застрахован даже самый лучший академический театр.
- Привлекаете ли молодых режиссёров? - Да, Римас выпустил на базе Щукинского театрального института на режиссерском факультете четверых молодых режиссёров. Вместе они поставили на Симоновской сцене спектакль «Стефан Цвейг. Новеллы». Мы привлекаем молодых режиссёров через лаборатории, через большое творческое и организационное сито. Все-таки, любая постановка в театре, неважно на какой сцене, требует больших финансовых вливаний. И мы стараемся делать их очень аккуратно.
- Чего Вам это стоит и какие возникают трудности? - Все те трудности, которые возникают, мы, так или иначе, решаем. На каждый рубль государственного финансирования мы зарабатываем два рубля. В этом наша успешность, высокая заработная плата в театре и все вытекающее. Работаем очень много. За прошедший за год 747 только в Москве и ещё 74 на гастролях. Мы вкладываем средства на новые постановки, на оплату труда, в развитие театра, в том числе, материально-техническое, в его содержание, понимая, что это задел на будущее. Стараемся все наши траты распределять взвешено.
- Кто на Ваш взгляд создаёт историю театра? Режиссеры, актеры или дирекция? - Историю создаёт тот, кто выходит на сцену и тот, кто делает спектакль. Зрители покупают билеты в театр не на встречу с директором, а на встречу с творчеством. Ещё раз повторюсь, что моё дело – создать условия для этого творчества, чтобы оно реализовалось в хороший качественный театральный продукт на сцене. Большинству публики всё равно, кто директор, Иванов, Петров или Крок. Может быть, в антракте зрители, проходя по коридорам театра и заходя в буфет, в туалетные комнаты, в гардероб подумают: да, здесь чисто, хорошо пахнет и свежие продукты, значит, хороший директор. Не более того. Они пришли ради главного – ради спектакля. Когда я иду в театр, первое, что меня волнует то, что спрятано за театральным занавесом. Какие же у Вас театральные предпочтения? Вы знаете, разные предпочтения. Стараюсь приходить к коллегам. К сожалению, с моим загруженным графиком работы это не всегда получается. Хотелось бы чаще. Бываю почти на всех московских премьерах. Чем приходится жертвовать ради работы? Личным временем, семьёй, выходными, своими планами, я не могу уехать в отпуск на долгое время. Всё время нахожусь в процессе. День, как это ни странно, мне не принадлежит. Поэтому странно думать, что театральный менеджер – человек в белой рубашке, который не держал ничего тяжелее шариковой ручки. Это физическая и психологическая нагрузка и огромная ответственность в связи со всеми теми законами, которые сегодня у нас работают в стране. Вы, наверное, знаете, к чему приводит безответственность и разгильдяйство. Поэтому я здесь отвечаю за каждую цифру. Ведь это с меня будут спрашивать. Не с помощников, не с тех, кто готовил дела, а с того, кто подписал документ. А подписываю я.
- Важно ли для Вас поддерживать благотворительные проекты? - Сейчас я принимаю участие в инклюзивном проекте «Особый взгляд» Благотворительного фонда «Искусство, наука и спорт». 15 октября откроется одноименный интернет-портал, где будет собрано большое количество полезной информации для незрячих и слабовидящих людей, там же они смогут познакомиться с афишей культурных событий и даже посмотреть кино с тифлокомментариями. Я считаю, что незрячим людям надо обязательно помочь и привлечь внимание широких масс к их проблемам. Можно, конечно, сделать вид, что этих людей нет вокруг. Но они же не виноваты в своих особенностях. Мы должны их социализировать и создавать нормальные условия, попытавшись разукрасить их жизнь яркими красками. Поэтому я и решил принять участие в этом проекте. Мне хотелось бы, чтобы следующий год в России, который объявлен годом театра, был хорошим, успешным. Чтобы театральные проблемы, которые есть в законодательстве, решились, а власть услышала театральное сообщество и сделала всё для решения этих проблем. Они не кроются в области «дайте денег», мы говорим «создайте нам более благоприятные, нормальные экономические условия для того, чтобы мы, всё-таки, занимались тем, для чего создан театр». Это каждый вечер открывать занавес, и слышать зал, в котором раздаются аплодисменты и живые человеческие эмоции. Делать так, чтобы люди не болтались на улице, не сидели дома по квартирам, а приходили в театр, где из толпы они превращаются в культурный народ России.
В Риге началась пресс-конференция с участием Театр имени Евгения Вахтангова, который представит латвийскому зрителю сразу два спектакля: «Царь Эдип» Римаса Туминаса и «Наш класс» в постановке Натальи Ковалевой. Встретиться с журналистами пришли директор Театра им. Вахтангова Кирилл Крок (Kirill Krok) и артисты театра Людмила Максакова, Евгенйи Князев, Виктор Добронравов. В театре «Дайлес» меж тем вовсю идет монтировка «Царя Эдипа». Знаменитая труба художника Адомаса Яцовскиса, ставшая центральным образом спектакля, уже на сцене.
http://www.vakhtangov.ru/performances/month/11/year/2018 22 ноября нас ожидает премьера постановки Андрея Максимова «Брюсов переулок». На гастроли приедут 2 театра. 16 и 17 ноября на Симоновской сцене - спектакль о создателях Вахтанговского театра и школы «Вахтангов_Чехов.docx» Санкт-Петербургского Городского театра. 27 и 28 ноября на Основной сцене - пластический спектакль из Литвы «Идиот» в постановке режиссёра-хореографа Анжелики Холиной.
https://www.facebook.com/vakhtangovtheatre/ Театр имени Евгения Вахтангова 10 октября в 18:12 2018 «Царь Эдип» уже в Риге! В рамках проекта «Золотая маска в странах Балтии» (Фестиваль "Золотая Маска")
В театре “Dailes teatris” единственный раз играем трагедию Софокла в постановке Римаса Туминаса. Следующий показ - в Таллине. Днём перед спектаклем артисты и творческая группа успели пройтись по Старому городу, увидеть памятник Бременским музыкантам и принять участие в пресс-конференции.
Фоторепортаж из Латвии и Эстонии от Вахтанговцев. Гастроли «Царя Эдипа» завершились тортом в виде «Золотой маски» с крыльями Судьбы. Творческий коллектив спектакля «Наш класс» побывал на экскурсии в музее выдающегося режиссёра Эдуарда Смильгиса и встретился со студентами Латышской академии культуры.
После триумфа балета Большого Театра настала очередь драматических спектаклей. В их числе - одна из самых громких премьер прошедшего сезона. «Царь Эдип» в постановке Римаса Туминаса. Из столицы Латвии - Валерия Кудрявцева.
В этом году «Золотая маска» щедра – по нескольку показов лауреатов и номинантов прошлого сезона от ведущих драматических театров России. Театр Маяковского и Театр Наций, который во второй раз представляет один и тот же спектакль - «Рассказы Шукшина» в постановке Алвиса Херманиса. На этот раз - по просьбе зрителей. «Очень много отзывов, очень много статей выходит, очень много звонят нашим партнерам здесь. У нас отзывы серьезные, здесь очень дружелюбная публика, и она всегда ждет, когда приезжает «Маска», - рассказала генеральный директор фестиваля «Золотая маска» Мария Ревякина.
Безусловный лидер – Театр Вахтангова. В рамках «Золотой маски» он приезжает в Латвию уже в 5-й раз – чаще, чем любой другой российский театр. На этот раз со спектаклем Римаса Туминаса «Царь Эдип». В главных ролях – Евгений Князев, Людмила Максакова, Виктор Добронравов. «Осень в Риге – это потрясающе, я люблю гулять, и мы часто приезжаем, и нас всегда с большой любовью принимают и с теплотой», - рассказал заслуженный артист России Виктор Добронравов. «Царь Эдип» уже стал легендарным спектаклем в Москве. Недаром получил сразу три номинации на «Золотую маску»: за лучший спектакль, лучшую работу режиссера и художника. В Риге об этом, конечно, знают. И потому в зале нет ни одного свободного места. Античная история о величии духа и милосердии, о сильном человеке и неотвратимости рока понятна, кажется, вне языка.
«Вот слезы до сих пор не высохли. И я этого не стыжусь. Это гениально. Могу вам точно сказать, что культурный взаимообмен между нашими странами является сейчас наиболее плодотворной и результативной формой нашего сотрудничества», - подчеркнул Чрезвычайный и Полномочный посол РФ в Латвии Евгений Лукьянов. Рига – чудесный город, куда с удовольствием приезжают туристы и артисты со всех стран мира. Но у российского и латвийского театра во все времена были особенно тесные связи.
С ведущим артистом театра Вахтангова Евгением Князевым мы встречаемся там, где традиционно назначают встречи все рижане, у Лаймовских часов. Евгений Владимирович - частый гость в Риге, здесь проходят театральные гастроли, киносъемки, живут друзья. Здесь его узнают на улице не меньше, чем в Москве. «Люди, которые знают, что я завтра буду выступать в Литве, и это люди из Литвы, и они говорят: вы же должны быть завтра у нас выступать. Я говорю, что да, я завтра буду в Литве. Как? Я говорю, я завтра буду в Литве, послезавтра в Таллинне. В предыдущий приезд мы были в театральной академии. Мне бы хотелось, чтобы связь театральной школы Латвийской и нашей, в данном случае Щукинской, чтобы она существовала, мы договорились, что я буду приглашать на фестивали, которые я буду проводить, чтобы они приезжали», - рассказал народный артист России Евгений Князев.
Планы на будущее есть и у организаторов фестиваля «Золотая маска в Латвии». В юбилейный XV фестиваль привести в Латвию ретроспективу – лучшие спектакли за годы существования смотра.
https://www.facebook.com/profile.php?id=100004878762403 Кирилл Крок поделился публикацией. Антон Прохоров, 14 октября в 23:49 2018 Вот и закончились гастроли Омского театра в Москве! Спасибо Вам, друзья, до новых встреч!!
"Московский комсомолец", 15.10.2018 "...Среди почетных гостей фестиваля уже известный израильтянам Римас Туминас – художественный руководитель театра Вахтангова. В этот раз вахтанговцы привезли в Израиль «Маскарад» и «Медею». «Маскарад», впервые поставленный самим Туминасом еще в Вильнюсе, считается его лучшей работой литовского периода, московская метаморфоза нашумевшего спектакля названа одним из самых неожиданных спектаклей Туминаса. «Медея» в постановке Михаила Цитриняка впервые появилась на московских подмостках в 2011 году и сразу же сразу же стала неотъемлемой частью звездного вахтанговского репертуара."
Огромная труба с проделанными в ней узкими бойницами превращается в колесо судьбы. На него можно вскарабкаться и стать над Роком, но эта победа станет обманом; колесо покатится, сминая всё на пути, и две девочки, которые в прологе к спектаклю беззаботно резвились перед ним, непременно будут – мы об этом догадываемся, потому что помним, что одну из сестер зовут Антигона – раздавлены неотвратимым роком. А потом колесо, накатываясь на нас, остановится у самой рампы. И, может быть, в какой-то миг промелькнет мысль: наше дело – труба!
Римас Туминас уже ставил эту трагедию Софокла – в Вильнюсском Малом театре. Лет 20 или около этого тому назад. Но вахтанговская постановка - не римейк той, давней. Как не был римейком прежней работы режиссера показанный несколько лет назад на «Золотой Маске» в Эстонии» его «Маскарад». Если Туминас обращается к однажды поставленной драме, то делает это в контексте изменившегося времени. Вахтанговский «Царь Эдип» - это античный сюжет, прочитанный и осмысленный сегодня. На рубеже тысячелетий невозможно было так ощутить трагизм и катастрофичность бытия, ничтожность усилий – даже самой яркой и крупной личности – перед тем, куда несет нас рок событий. Античная трагедия требует грандиозности масштаба. И предельного лаконизма. Спектакль создавался совместно с Национальным театром Греции. Греческие актеры составили Хор. У Софокла он – наблюдатель и комментатор событий, здесь это – граждане Фив, люди в черных сюртуках и шляпах, встревоженные бедой, обрушившейся на государство. Они волнуются, обращаются к богам, вслушиваются в то, что творится на этажах власти – и сознают свое бессилие!
Туминас всегда работает со сценографом Адомасом Яцовским и композитором Фаустасом Латненасом. Это удивительно счастливое сотрудничество. Практически – соавторство. Музыка и сценография не дополняют режиссуру, а сливаются с ней, и невозможно понять, что вырастает из чего. Катящаяся труба – сама по себе мизансцена. Но и грозные музыкальные аккорды, в которые впрессована гибельность событий и времени (одновременно и V века до Р.Х. и 2010-х годов после Р.Х.) – тоже мизансцена.
Фивы – как любой эллинский полис той эпохи – постоянно воюет. Когда с внешним врагом (персами), а когда (чаще!) и с соседями. Из кулисы в кулису проносится воин в полном вооружении, с развевающимся черным султаном на шлеме. Скорее всего, он несет весть с поля боя об очередной победе. Но на Фивы обрушились ужасы, по сравнению с которыми война – привычная детская забава в песочнице…
Правитель, сначала спасший государство, а затем погубивший
Античный миф об Эдипе известен всем. Пересказывать его – нетактично по отношению к тем, кто видел спектакль. К тем, кто не видел – тоже. Важно, как преломился этот миф в постановке театра Вахтангова. И прежде всего – каким увиден Эдип. Обычно Эдип в трагедии – величественный старец, хотя откуда растет эта традиция, неведомо. Юношей он пришел в Фивы и избавил их от Сфинкса; с той поры, судя по возрасту сыновей Эдипа и Иокасты (в трагедии они не присутствуют), прошло не более 25 лет. Эдип, сыгранный Виктором Добронравовым, молод, неотразимо харизматичен и самоуверен. На нем белый костюм и золотая цепь правителя. Мантию и царскую тиару он надевает только в тех случаях, когда ритуал требует; этот Эдип убежден: народ видит в нем героя и властелина всегда, а ритуал – что ж, необходимая, но надоевшая условность. В его осанке, в интонациях – никакого пафоса, но какая гордыня, какое ощущение своего избранничества! Эдип одновременно подчеркивает и свой (наигранный!) демократизм, и дистанцию, которая отделяет его от народа. В ответ на их стенания о беде, насланной богами, царь напоминает:
Я вижу ясно: все Вы страдаете. Но ни один из вас Все ж не страдает так, как я страдаю: У вас печаль лишь о самих себе, Не более,- а я душой болею За город мой, за вас и за себя.
Очень легко представить себе, какой он правитель. Простой народ его обожает, тем более, что альтернативы этому Эдипу нет: за то время, что он у власти, Эдип – разумеется, только потому, что радеет о благе государства – зачистил политическое пространство вокруг себя. Рядом – на правах родственника и почти соправителя (ну, скажем, никчемный премьер при сильном президенте) – один только льстивый и хлопотливый Креонт (Эльдар Трамов). В этом Креонте (наряженном, в отличие от героя, в некое подобие античных одежд, с алым плащом, напоминающим о высоком – царственном – происхождении) видна перспектива – не столько роли, сколько образа античных мифов. Мы просто обязаны вспомнить, что после краха великолепного Эдипа – мужчины, воина, героя – и недолгой гражданской войны между его сыновьями, к власти придет Креонт. И, несоизмеримый масштабом личности с Эдипом, погубит и дочь его Антигону, и собственного сына.
Трагедия беспощадно движется к кульминации. Эдипу постепенно дано осознать, что он – некогда спасший страну от Сфинкса – теперь губит ее, так как – пусть сам того не ведая – совершил два святотатства: убил царя и женился на матери.
Слепой и зрячий
К прозрению Эдип в вахтанговском спектакле движется, одновременно и страшась истины, и стремясь узнать ее. Так раскрывается извечный конфликт античной трагедии: борьба героя с Роком. В фиванском цикле античных мифов преступная цепь началась не с Эдипа и закончилась не на нем. История Эдипа – великолепный пример того, как человек, всю жизнь пытающийся обмануть рок, не свершить того, что предначертано, самоуверенно шел в ловушку, расставленную Роком. И, одержав мнимую победу над судьбой, навлек гнев богов не только на себя, но и на весь народ.
“Сильный человек понял, что не должен править. Но на его место придут ничтожества, которые не станут задумываться над тем, вправе ли они распоряжаться судьбами народа.
Эдип-Добронравов прозревает постепенно, начиная со встречи со слепым пророком Тиресием (Евгений Князев). Тиресий зряч своим – не знанием, пониманием – безжалостной правды. Догадкой. Открытие режиссера – в том, что Тиресий вроде бы и не хочет отяготить Эдипа разрушительной истиной, его: «Зришь ныне свет – увидишь мрак!» звучит последним предупреждением: не вторгайся туда, где воля смертного ничто, а своеволие богов – всё. Заглядывать в такие бездны – смертельно опасно. Знание их – слепит.
Театральный язык «Царя Эдипа» вмещает в себя и торжественную величавость трагедии, и спуск с ее горних высот в долины едва ли не бытового эпизода, в котором двое пастухов рассказывают, что произошло с младенцем, которого прежний правитель Лай приказал убить. Но это не эклектика. Это – картина мира, взятая из древних мифов и древней же трагедии Софокла, но (а может, оттого) универсальная. И в картине этой нет лишних (или неважных) деталей. Необходимо – всё. Загадочная, замотанная в какие-то пелена – вплоть до лица – фигура, сопровождающая Эдипа, его Домочадец (Максим Севриновский), сорвет повязки и поведает о том, как покончила с собой жена/мать царя Иокаста и как ослепил себя Эдип. Дева с черными крыльями окажется вторым я Иокасты, за спиной которой развернутся и опадут белые крылья. Иокаста, замечательно сыгранная Людмилой Максаковой, хранительница дома и страны, придет к осознанию того, что она – соучастница преступления. (Соучастница вдвойне – сначала позволила мужу отдать на смерть новорожденного сына, затем вышла замуж за сына-отцеубийцу, вступив с ним в кровосмесительную связь.) И если второе преступление она совершила по неведению, то в первом ее вина неоспорима: смутные пророчества оракула оказались сильнее материнской любви.
Античные боги всегда вели с людьми нечестные игры. Действовали, как рыночные наперсточники – перемешивали шарики так, что смертному невозможно было угадать, где подсказка, позволяющая угадать предначертание Рока. Эллины знали об этом, но вслух не говорили. Отсюда – великая недосказанность античной трагедии. И отсюда – гибель героя, оборачивающаяся его же моральной победой. Эдип уходит в добровольное изгнание слепым, выводя на саксофоне пронзительно печальную мелодию. Но гибельную судьбу государства он не унес с собой. Сильный человек понял, что не должен править. Но на его место придут ничтожества, которые не станут задумываться над тем, вправе ли они распоряжаться судьбами народа. Мелкие – несмотря на царственный пурпур одежд – Креонты.
Оттого так неудержимо катится на нас гигантская труба. И замерев, оставляет нас перед вопросом: иссякла ли инерция ее пути или нам всего лишь дана отсрочка?
2018 год — год 100-летия знаменитого израильского театра «Габима», история которого прочно связана с нашим театром. В 1918 году свой первый спектакль еврейская театральная студия «Габима» сыграла в Москве, её художественным руководителем был Евгений Богратионович Вахтангов. В апреле в честь юбилея «Габима» давала представления на нашей сцене. Теперь Вахтанговский едет в Израиль с двумя спектаклями: «Маскарад» и «Медея», играем 20 и 21 октября.
[url=https://www.facebook.com/notes/real-tel-avivian-тельавивка-תלאביבית/раз-в-столетие-вахтанговцы-на-международном-театральном-фестивале-в-честь-юбилея/911668909029186/]https://www.facebook.com/notes/real-tel-avivian-тельавивка-תלאביבית/раз-в-столетие-вахтанговцы-на-международном-театральном-фестивале-в-честь-юбилея/911668909029186/[/url] Real Tel-Avivian Тельавивка תלאביבית· Пятница, 19 октября 2018 г. «Раз в столетие» - вахтанговцы на международном театральном фестивале в честь юбилея национального театра «Габима»
Такое случается действительно один раз в столетие: наш национальный театр «Габима» и московский Театр имени Вахтангова, сводные братья по одному отцу, впервые встречаются на нашей национальной сцене.
Краткая справка для несведущих, не понимающих, в чем суть интриги. Нахум Цемах, будущий признанный столп ивритского театра, в молодости был обычным актером и режиссером, мечтающим создать национальный театр на национальном языке иврит (за 30 лет до создания государства!). С этой идеей, не менее безумной, чем создание Государства Израиль, Цемах пришел к Станиславскому. «Отличная мысль!» - воскликнул Мэтр – «А вот вам и мой ученик в помощь - Евгений Вахтангов! А репетировать можно во-оон в той студии (в здании МХТ, разумеется)»
Так, 18 октября 1918, родился театр «Габима» (буквально hа-бима, The Scene, ибо в русском нет определенного артикля. А еще «бима» - это возвышение в центре синагоги, где находится специальный стол для чтения свитка Торы. Так что «Габима» - со всех сторон сакральное место). Через 10 лет часть труппы окольными путями доберется до Палестины, чтобы превратиться затем в наш национальный театр, а оставшиеся в Москве студийцы станут провозвестником знаменитого Театра Вахтангова. (Подробности? Всемирная сеть вам в руки)
И вот ровно сто лет спустя, день в день, 18 октября 2018 семья воссоединилась на пресс конференции, посвященной началу Международного театрального фестиваля в честь 100 летия «Габимы». Кажется, такого больше нигде нет в мире: уникальна ситуация, когда два театра, подобно сводным братьям по отцу, существуют в разных странах, в совершенно разных мирах. В апреле «Габима» возила в два спектакля в Москву, теперь вахтанговцы покажут два своих спектакля нам.
В рамках международного театрального фестиваля, который пройдет в стенах «Габимы» с 18 октября по 1 ноября 2018 года, к нам приезжают два гениальных спектакля Театра Вахтангова - «Маскарад» и «Медея».
А пока, 18 октября, перед собравшимися выступает руководство театра и фестиваля, и, конечно же, вахтанговцы: сам художественный руководитель театра Римас Туминас, директор театра Кирилл Крок и сценограф «Маскарада» Адомас Яцовскис.
Ниже предлагаю вашему вниманию расшифровку выступления Римаса Туминаса:
- Сама жизнь нас сначала развела, а теперь снова свела, спустя такой огромный отрезок времени. Но в истории нашего театра жизнь студии «Габима» жива. Говоря о Вахтангове, никто из исследователей, никто из историков не обходит вниманием историю с Габимой. Мне это особенно приятно, поскольку профессиональным театром студия стала в сущности во время гастролей в Вильнюсе в 1913 году. Тогда Нахум Цемах даже обращался к городскому голове с просьбой открыть свой театр в городе, но получив отказ, направил свое внимание на Москву. В биографиях Горького, Мейерхольда, Шаляпина, Станиславского, Михаила Чехова, Луначарского исследователи также не обходят вниманием Габиму, не упомянув это чудо - тогдашний спектакль «Диббук». В 1927 году их практически выгнали из страны, поначалу запретив играть на иврите. Горький говорил про тогдашнюю московскую Габиму: «Диббук - он страстнее страсти. Азарт! Абсурд!» Но эти восторги были неприятны Станиславскому, реалистическому режиссеру. Это была мечта Вахтангова - играть гротеск. И если бы не смерть Вахтангова, не расстрел Мейерхольда - можно только представить себе, каким бы был сейчас русский театр! Это был бы совершенной другой, передовой, мировой театр! Но сколько поколений должны были пройти, пока пришли новые режиссеры - такие как Любимов, Гончаров, Эфрос. «Маскарад», который мы привезли, претерпел некоторые изменения. Во первых, после трагедии в пермском клубе, когда погибло много людей, ввели запрет на использование холодного огня - так что огня не будет, дыма не будет, воды не будет (смеется). Приходится также приспосабливать спектакль к имеющемуся сценическому пространству. Но мы компенсируем это игрой, темпераментом, азартом, лермонтовской пылкостью. После вашего фестиваля мы отправимся с этим спектаклем на гастроли во Францию, Канаду и США. А пока: с днем рождения, Габима! Театру Вахтангова «всего-то 98 лет», а не 100, но он все равно чувствует себя старшим братом! (смех и апплодисменты в зале)
На основной сцене играем спектакль Римаса Туминаса «Фальшивая нота». Тем временем сам Мастер в Тель-Авиве с творческими группами спектаклей «Маскарад» и «Медея». Небольшой фоторепортаж о путешествии и пресс-конференции, открывающей гастроли.
На Малой сцене Театра «Габима» начинаем параллельно с спектаклем «Маскарад», который идёт на основной сцене, где 940 мест, с разницей в 30 минут нашу «Медею».
Ну вот и отшумел вахтанговский "Маскарад". Я из тех, кому понравилось. Очень понравилось! На мой взгляд - волшебный спектакль. Этот сказочный снег, этот фантастический хачатуряновский вальс - который сам по себе еще один герой постановки, эти изумительно выстроенные мизансцены, эти тщательно сделанные костюмы (и шляпки -ах-ах!) Максима Обрезкова, этот потрясающе сыгранный Евгением Князевым Арбенин: от "как денди лондонский одет" до выжженного ревностью и открывшейся страшной правдой безумца. Важно: или сидеть вблизи или вооружиться театральным биноклем. Потому что, если не видна мимика, пластика (чего только стоит сцена, когда Арбенин натягивает перчатки, внимательно разглядывая каждый палец. Само по себе мини-спектакль!) - половина режиссерского замысла уходит. Смакую сцену за сценой. Как хорошо, что сто лет назад Вахтангов родил нашу "Габиму"! ( про фестиваль "Раз в столетие" - смотрите ссылку в первом коменте). И теперь стала до конца понятной реплика Римаса Владимировича, сказанная им на пресс-конференции: "Это была мечта Вахтангова - играть гротеск. И если бы не смерть Вахтангова, расстрел Мейерхольда - можно только представить себе, каким бы был сейчас русский театр! Это был бы совершенной другой, передовой, мировой театр! " Спасибо за этот мировой театр!
Для Тель-Авива, где сейчас воздух +30, а море всего на три градуса меньше, снег — экстраординарное событие. Впрочем, это явление носит не природный, а исключительно театральный характер. Снегопад в Тель-Авив привез Театр им. Евгения Вахтангова в рамках столетия главного и единственного государственного театра Израиля — Габимы. Она, как известно, 90 лет назад началась с легкой руки именно Евгения Вахтангова. О кровной связи, о технических ошибках, спасении замысла, политических аналогиях — в репортаже с Земли обетованной обозревателя «МК».
Вахтанговцы на столетии главного театра Израиля провели операцию «рыба» До спектакля осталось несколько минут.
Еще в марте вахтанговцы принимали свою театральную «родню»: Габима показывала на двух сценах два своих спектакля — мюзикл и современную драму. И вот ответный визит в рамках фестиваля «Раз в сто лет» — зеркальный: два названия два вечера одновременно идут в двух залах — «Маскарад» и «Медея».
За четыре часа до начала «Маскарада». Римас Туминас пытается приспособить драму Лермонтова к чужой сцене, которая, увы, меньше и, главное, не имеет люков, а значит, будут проблемы. — У нас в проруби, ты знаешь, живет такая рыба. Туда же опускают проигравшего покойника, — говорит Римас Туминас, он несколько раздражен. — Израильтяне, когда увидели, как эта сцена идет у нас, решили, что под нашим планшетом целый бассейн. Здесь говорят: такой мы вам сделать не можем. А у нас не бассейн, а два ведра воды. Дайте звук воды, — просит он звукорежиссера.
фото: Марина Райкина Человек Зимы - Олег Лопухов
Да, на гастролях разные накладки случаются, в основном технического характера. А в случае с «Маскарадом» из-за чисто технической проблемы ломается художественный образ. Тут рыба не просто какая-то там водоплавающая, она же символ — ускользающего счастья, мимолетности чувств, зыбкости, удачи. Вот и Арбенин, которого замечательно играет Евгений Князев, сам циничный игрок, не удержал своего счастья, став игрушкой в чужих руках.
— Так как вы с рыбой? — спрашиваю Римаса. — А с покойником как — его же в Москве тоже в прорубь опускают, а он неожиданно и смешно появляется в другой — такая фарсовая краска в драме. — Ну что, ящик придумали — в него покойника и положим, как в гроб. Ночью ящик в черное красили, а вот репетировать часа четыре придется. Тут мастер не ошибся — четыре с лишним часа ушло на изменение нескольких сцен, чтобы художественный замысел не пострадал. Минут пятьдесят актеры отдохнут и выйдут на спектакль.
Пока на сцене разбираются с рыбой, с «покойным», прости Господи, я совершаю экскурсию по легендарному еврейскому театру. С 1933 года, когда группа энтузиастов, мечтавшая создать театр на иврите, намотавшаяся по Европе, осела на Земле обетованной, здание это в центре Тель-Авива претерпело три реконструкции. От самого первого исторического здания осталось пять высоких гладких колонн, которые, по замыслу архитектора Игеля Карми, теперь оказались в фойе за стеной из стекла — и за счет этого увеличилась зрительская зона.
Вид на Площадь искусств через стекло открывается шикарный — слева зал филармонии, справа — местный Гайд-парк, где по субботам устраивают сходки противники премьера Нетаньяху. И пока москвичи играют «Маскарад», весь первый акт здесь будут бушевать политические страсти. Местные переведут мне про безволие премьер-министра, не справляющегося со своим кабинетом, про коррупцию, которая довела страну до ручки, и пр. Как мне это все знакомо, только одна разница — вокруг митингующих я не вижу металлических ограждений, полицейских с дубинками, автозаков наготове.
Но вернемся к объекту национальной культуры — Габиме. Здесь четыре зала, которые могут работать одновременно (количество мест от 960 до 150), и они носят имена своих основателей — Мескин, Берлинов, Ровин. А репертуарный спектакль «Цемах», идущий в Габиме, рассказывает историю самого театра. Заснеженный «Маскарад» оккупировал самый большой зал — «Ровин», а «Медея» — зал «Берлионов», тот, что на 360 мест.
Худрук Габимы Моше Кептен, который в субботу, несмотря на шабад, репетирует новый спектакль, говорит, что в театре очень хотели на 100-летие придумать что-то особенное, вот и придумали себе спешл геста — Вахтанговский. Габима много ездит по миру, два раза была в России, но прежде таких партнерских отношений у нее ни с кем не было. — Это наш первый международный фестиваль Габимы, мы хотим сделать его традиционным. Только дальше он будет называться «Раз в 101 год», в 102 т.д.
В Габиме все замечательно — богатая история, приветливые люди работают, но физическое состояние театра — не лучшее. «Может, государство недостаточно средств выделяет на содержание своего театрального символа?» — интересуюсь у директора Оделии Фридман, изящной блондинки. Она говорит, что годовой бюджет театра — 80 миллионов шекелей и только четверть из них дает государство. «Конечно, хотелось бы больше».
После третьего звонка зал под завязку. Судя по тому, что над сценой размещена бегущая строка на иврите, на Вахтанговский пришли не только бывшие соотечественники, истосковавшиеся по хорошему театру. — Судя по тому, как быстро раскупали билеты, мы сделали вывод, что вас в Израиле ждали, — говорит Оделия.
А вахтанговцы очень старались отыграть спектакль без ущерба для художественного замысла. Чтобы публика, не видевшая горько-насмешливой романтической драмы Туминаса такой, какой она должна быть, не почувствовала разницы. Поэтому Олег Лопухов в роли бессловесного кладбищенского дурачка в рваном зипуне, но треуголке играется с зеленой рыбой — ее важно на руках выносит Женя Косарев. Судя по аплодисментам в финале, операция «рыба» на «Маскараде» прошла удачно. А на втором показе — как будто так и было.
Когда я 40 лет назад пришла в мир театра, я пришла туда вот именно за этим. За этим кружевом чувств, страстей, гротеска, красоты, эстетики, звуков, мыслей. "Маскарад" театра Вахтангова - для меня однозначное, чистое, ничем незамутненное счастье, улыбка не сходила у меня с лица два с половиной часа, каждую секунду я ожидала нового чуда, и режиссер не разочаровывал - чудо случалось. Завораживающая медитация виртуоза Туминаса, волшебника звуков Фаустаса Латениса и художника-театрального эстета Адомаса Яцовскиса, . Спектаклю 9 лет, я знаю, что зрители делятся на два лагеря - кому-то да, кому-то нет. Кому-то скучно, непонятно, излишне гротескно, кто-то не понимает этот сценический язык, кто-то считает, что это театр внешний, театр "формы" (это не так, но если бы и было так, что плохого в великолепном театре формы?"... а кому-то как мне - "снос крыши", и, кстати, гораздо больший, чем его знаменитый "Евгений Онегин", который действительно порадовал меня "формой", но оставил довольно равнодушной внутри. Вот как-то так. Люблю.
Для того, чтобы побеседовать с директором или худруком театра «Габима», нужен переводчик с иврита. Руководители главного национального театра Израиля не говорят по-русски (не бывает на этой сцене и гастролей российских коллективов), но впервые в своей новейшей истории «Габима» принимает у себя в гостях Театр им. Вахтангова.
В промежутках между спектаклями (тоже через переводчика) говорят о том, что гастрольную практику хотелось бы продолжить, равно как и пригласить на постановку в «Габиму» кого-то из режиссеров Театра им. Вахтангова.
Сегодня у двух знаменитых театров – насыщенная творческая жизнь, они много гастролируют и участвуют в фестивалях; они совершенно разные, но их всегда объединяло имя Евгения Вахтангова. И если история московского коллектива – факт общеизвестный (Театр Вахтангова сложился из любительской студии в 1921 году), то о «Габиме» в России знают преимущественно специалисты.
Дело в том, что в 1917 году к Станиславскому обратился прогоревший режиссер из Варшавы Наум Цемах. Он предложил организовать в Москве труппу, которая играла бы исключительно на иврите. И это предложение нашло у Станиславского поддержку. Коллектив обрел временное пристанище в Нижнем Кисловском переулке, а благодаря постановке Вахтангова «Гадибук» С. Ан-ского, завоевал мировую славу. Этому спектаклю рукоплескали во Франции и Германии, Польше и Австрии, США и Латвии. Он же стал программным при переезде в Палестину (то есть еще до основания Израильского государства) в 1927 году и почти как «Принцесса Турандот» тоже оказался долгожителем, покинув подмостки лишь в 1960-е годы.
– Сегодня в «Габиме» сохраняется ли память о работе великого режиссера? – задаю вопрос художественному руководителю тетра Моше Кэптэну (на фото). – Конечно. У нас на Малой сцене идет спектакль «Цемах», где говорится не только об основателе нашего театра Науме Цемахе, но и о многих его соратниках (Хана Ровина, Менахем Гнесин, Иегошуа Бертонов, Марк Арнштейн Шимон Финкель и др.). Отдельная глава спектакля посвящена, конечно, Вахтангову и его блистательному «Гадибуку». Но, на мой взгляд, одного спектакля недостаточно. Когда два года назад я возглавил «Габиму», то стал размышлять над каким-то очень серьезным международным проектом, который помог бы снова заявить о нашем театре, расширить географию гастролей, вывести его на новый художественный уровень. Как раз приближался вековой юбилей «Габимы». И я решил создать фестиваль «Раз в сто лет». Мы первым делом пригласили вахтанговцев. Пусть название вас не смущает: фестиваль будет проводиться ежегодно и мне хочется, чтобы вахтанговцы всегда были его верными спутниками.
– Столько лет прошло, а удивительно – между нашими театрами есть какая-то незримая связь. И всё это благодаря Евгению Вахтангову, – говорит директор «Габимы» Оделия Фридман. – Весной мы были на гастролях в Москве, привозили наши спектакли, которые шли на иврите с субтитрами. И я была поражена тем, что собрался, во-первых, полный зал, а во-вторых, публика долго не отпускала артистов. Оказывается, в Москве «Габиму» всегда ждут.
– А почему в качестве ответного шага решено было привезти в Тель-Авив именно «Маскарад» и «Медею»? – Я бы, на самом деле, привезла еще больше спектаклей, поскольку у Театра им. Вахтангова высокий международный уровень. Но мы руководствовались прежде всего бюджетом и техническими параметрами наших сцен. Поэтому в качестве пробного шага выбрали «Маскарад» Римаса Туминаса для Большой сцены и «Медею» Михаила Цитриняка – для Малой.
Залы тоже полные, спектакли идут опять же с переводом (хотя, понятно, что в Израиле много русскоязычной публики). И вряд ли кто-то может представить, что за внешней легкостью и музыкальностью «Маскарада» стоит большой адаптационный труд. Дело в том, что технические параметры «Габимы» отличаются от сцены Вахтанговского театра. И когда руководители «Габимы» изучили райдер спектакля, то сообщили, что на авансцене никак не получится соорудить прорубь.
Читатели, которые видели спектакль, помнят, что прорубь (чертовский омут?) – одна из важных смысловых точек действия. От нее можно ждать любых сюрпризов. Там водится диковинная рыба, в нее смотрятся как в зеркало, туда же бросают труп самоубийцы или – в какой-то момент оттуда выныривает заблудившийся в географии и во временах испуганный и замерзший аквалангист…
– Мы предложили «Габиме» выбрать другой гастрольный спектакль, но руководители настояли на «Маскараде», – говорит директор Театра им. Вахтангова Кирилл Крок. – Тогда Римас Туминас сказал, что сцены, связанные с прорубью, он перестроит – так, что спектакль не утратит своих художественных качеств. Для нас это важно, поскольку на будущий год мы везем «Маскарад» на гастроли в Нью-Йорк и Париж, где тоже нельзя соорудить прорубь.
Концепцию придумали еще в Москве, но собраться – отрепетировать получалось только на гастролях. Римас Туминас назвал этот процесс «перестройкой спектакля». Работали долго, без перерыва (завершили фактически перед самым началом)… И снова в этом страстном «Маскараде», проникнутом вальсом Хачатуряна, разгоралась снежная буря, картежники и шулера вступали в схватку с судьбой, великосветские дамы щеголяли на балу, а Евгений Арбенин чинил свой предвзятый суд над красавицей Ниной.
Два вечера подряд (20 и 21 октября) на сцене «Габимы» в солнечном Тель-Авиве, где еще не закончился, кстати, курортный сезон, царила атмосфера зимнего Петербурга с его мистическим холодом. А на Малой сцене в те же часы шла «Медея» с Юлией Рутберг в заглавной роли, где тоже тема долга и чести является лейтмотивом всего спектакля.
– Медею играть всегда очень сложно, – говорит актриса. – Это спектакль, который требует от всех его участников колоссального эмоционального подключения. В нем мы настолько тесно зависим друг от друга, что, как в опере, неверно взятая нота, может увести действие совершенно в другую сторону. Для меня здесь всегда крайне важен внутренний настрой и особенно в той сцене, где Медея молится. На первом же спектакле в Тель-Авиве произошел удивительный случай. Я молюсь и вдруг краем уха слышу хачатуряновский вальс из «Маскарада». Он не мешал действию, но поскольку сцены расположены недалеко друг от друга, его я смогла его уловить. А дело в том, что этот вальс Арам Хачатурян перед войной посвятил моему педагогу – Алле Александровне Казанской. И в эту минуту (бывают же такие минуты!) я поняла: Алла Александровна с нами! Сказать, что это был один из лучших спектаклей в моей жизни, это ничего не сказать. И такое произойти могло, наверное, только на Святой земле.
https://www.facebook.com/isr.rs/ РКЦ: Российский культурный центр в Тель-Авиве מרכז התרבות הרוסי 20 октября в 9:55 2018 В Тель-Авиве прошла пресс-конференция Театра Вахтангова и израильского Национального театра «Габима».
18 октября в Тель-Авиве в рамках Международного театрального фестиваля, посвященного 100-летию израильского Национального театра «Габима», состоялась пресс-конференция Театра имени Е.Б. Вахтангова. Гастроли театра организованы под эгидой Министерства культуры России при всемерной поддержке Российского культурного центра в Тель-Авиве.
Театру «Габима», основанному в 1918 году в Москве, в этом году исполняется 100 лет. Первым художественным руководителем театра был российский режиссер Евгений Вахтангов. Этой славной дате посвящен Международный театральный фестиваль «Раз в столетие», который пройдет в стенах «Габимы» с 18 октября по 1 ноября 2018 года.
В пресс-конференции, открывшей фестиваль, приняли участие художественный руководитель Театра Вахтангова Римас Туминас, директор театра «Габима» Одиллия Фридман, сотрудник фонда «Генезис» Наталья Шнайдерман, представители Франции, Чехии, Польши, сотрудники Российского культурного центра в Тель-Авиве.
На фестивале Театр Вахтангова представит два спектакля – «Маскарад» (режиссер – Римас Туминас) и «Медея» (режиссер – Михаил Цитриняк).
Maria Sloeva сделала очень интересный материал по следам ФТМ для журнала «Петербургский театрал» - интервью с тремя лидерами театрального менеджмента: Фёдор Елютин (Feodor Elutine), Кирилл Крок, Анастасия Тарасова. Почитайте, это здорово. Прикрепляю картинки (к сожалению, у издания нет интернет-версии).
10 лет назад, 6 ноября 2008 года, состоялась премьера «Троила и Крессиды» по Уильяму Шекспиру. Это был первый спектакль, который Римас Туминас поставил на Вахтанговской сцене в должности художественного руководителя. На выставке в фойе Бельэтажа представлены костюмы из «Троила и Крессиды», их можно увидеть перед началом и в антракте спектаклей Основной сцены или во время экскурсии «Прошлое и настоящее». http://www.vakhtangov.ru/shows/troil_i_kressida
Спектакль "Троил и Крессида" был первым спектаклем, поставленным Римасом Туминасом в Театре имени Евг. Вахтангова, который он возглавил в 2007 году. Премьера спектакля состоялась 6 ноября 2008 года.
В истории и искусстве есть вечные сюжеты, которые пересказываются, дополняются, перестают быть реальностью, превращаясь в мифы. К таким сюжетам относится похищение троянским царевичем Парисом греческой красавицы Елены — жены Менелая. И все могло бы закончиться частным случаем, если бы не пошли греки войной на Трою, дабы возвратить Елену, смыть позор супружеской измены, восстановить достоинство и честь. Первым поведал эту историю Гомер, хотя и не был свидетелем тех событий, равно как и поэт средневековья Чосер, ренессансный Боккаччо... Каждый из творцов на свой лад переосмысливал источник. Не избежал этой участи и Вильям Шекспир. «Троил и Крессида» занимает в творчестве Шекспира особое место и по времени написания и по притягательной загадочности. История театра не может похвастаться многообразием постановок, а современники Шекспира «Троила и Крессиду» как бы и не заметили. Ведь уже были написаны исторические хроники и лучшие комедии, уже прозвучал вопрос «Быть, или не быть?» А воображение гения сосредоточилось на судьбах Короля Лира, Отелло, Макбета... И тем не менее между этими шедеврами — «Троил и Крессида», как поиск новой драматургической формы, разрушающей сюжетный строй устоявшегося мастерства, заглядывающий за горизонт в неведомое время. Через 300 лет об этой пьесе Бернард Шоу высказал парадоксальную мысль: «Шекспир был готов и хотел начать двадцатый век, если бы только семнадцатый это ему позволил».
Режиссер ХХ1 века Римас Туминас увидел в «Троиле и Крессиде» проблемы вечные и современные. Ломкая драматургическая композиция «Троила и Крессиды» оказалась не столь далека от современной драмы. Столетия, прошедшие со дня написания, не снивелировали метафоры, изощренность диалога, приправленного горьким перцем злословия, а порой и откровенной непристойностью. Семь лет осаждают греки Трою? Место битвы лишено героических примет, оно скорее напоминает свалку, уродливый пейзаж после битвы давно лишенной смысла. Затяжная анемичная война, погрязшая в переговорах, перепалках, мелких стычках, но все равно война. Все равно катастрофа, развязана ли она из-за амбиций государственных деятелей, случайной неурядицы, слепой любовной страсти. Война, превращающая гармонию в хаос, красоту в тлен, достоинство в рабство. В спектакле Римаса Туминаса царит гротескный абсурдный мир, где правят разбой и распутство. Где Троил и Крессида герои и жертвы этого безумства. Греко-троянская война, как и любая другая, страшна не столь разрушениями материального мира, лишениями, болезнями, голодом. Ее главная опасность в деформации души, потере достоинства, совести, милосердия.
Шекспир мог бы написать моралите на эту тему (благо этот театр еще существовал). Но великий драматург выбрал другой жанр — площадной, народный, — фарс. Жанр не ограниченный ни художественными, ни нравственными табу, где геройство сродни плутовству, ловкость — изворотливости, мудрость — хитроумию, где фальшивая лесть заменяет добропорядочную похвалу, а жесткая сатира — изящную иронию. Итак, творец 17 века — Шекспир и режиссер 21 века — Туминас, кажется, совпали. Их «Троил и Крессида» — сатирический фарс.
Дорогие зрители, придя в театр Вахтангова на спектакль «Троил и Крессида», оставьте за порогом свои знания о греко-троянской войне. Не старайтесь примерить их к тому, что увидите на сцене. Не раздражайтесь и миролюбиво отнеситесь к несовпадению вашей эрудиции и игры воображения художника. «Троил и Крессида» — фантазия режиссера. В спектаклях Р. Туминаса всегда живет особый мир театра, игры, непредсказуемости. Образы и метафоры не считываются сразу, порой вызывают неприятие, загоняют в тупик, рождают агрессию. Не спешите с выводами. В этих случайностях есть своя закономерность, и разрозненные части мозаики постепенно сложатся в картину и откроют вам другой смысл, о котором вы не догадывались.
БАКУ /Trend Life/ - Бакинская международная театральная конференция налаживает не только сотрудничество между представителями театральной сферы, но и формирует культурный диалог между многим странами мира, сообщил Trend Life директор Государственного академического театра имени Евгения Вахтангова, заслуженный работник культуры России Кирилл Крок.
"Я уверен - культурные связи, которые налаживаются в Баку, будут крепкими и будут способствовать обмену опытом, организации гастролей и реализации совместных проектов. Баку – потрясающий город, где жизнь кипит и это вызывает восхищение, здесь прекрасные театры, и мы надеемся на организацию больших гастролей нашего театра в Баку, где еще не выступали", - отметил Кирилл Крок, который вместе с участниками конференции провел встречу с министром культуры Азербайджана Абульфасом Гараевым.
На встрече было отмечен высокий уровень развития культурных отношений между Азербайджаном и Россией, состоялся обмен мнением о расширении сотрудничества в театральной сфере.
V Бакинская международная театральная конференция проходит 5-6 ноября в соответствии с реализацией положений госпрограммы "Азербайджанский театр в 2009-2019 годах". Главная тема – "Философия театра в XXI веке: концепция бытия".
В мероприятии принимают участие 110 театральных деятелей, руководители и представители престижных международных театральных организаций из 49 стран. Среди участников - представители Азербайджана, США, Канады, Германии, Мексики, Франции, Италии, Турции, Литвы, России, Грузии, Украины, Индии, Ирана и ряда других стран.
В рамках театральной конференции проводятся пленарные заседания, различные семинары и тренинги с участием международных экспертов в театральной сфере.
Вчера в Доме кино прошел показ фильма режиссера Влада Фурмана «Гупёшка». Картина, в которой в главной роли снялась Нелли Попова, вызвала самые разные впечатления, поэтому у зрителей появилось много вопросов, которые и задали режиссеру Владу Фурману, Поповой и оператору Кириллу Мошковичу. Кто-то увидел в фильме интересно-закрученный арт-хаус, кто-то необычный психологичный сюжет, а кто-то просто историю несчастной женщины, забитой и робкой, чья жизнь могла бы перевернуться благодаря «принцу», который может спасти ее от ежеминутного давления тирана-мужа и увести в счастливую жизнь. Но сможет ли героиня решиться полностью переменить свою судьбу?
История настолько увлекла зрителей, что они не сразу осознали, что фильм черно-белый. Это произошло не только благодаря закрученному сюжету, но и актерской игре, и операторской работе. Фильм уже успел получить призы на самых разных кинофестивалях в России, Великобритании, США, Японии, Германии. Влад Фурман снял такие яркие проекты, как «Таинственная страсть», «Две сестры», «Яма», «Наркомовский обоз», «Мама, я киллера люблю», «Улицы разбитых фонарей», «Агент национальной безопасности». «Гупёшка» стал для режиссера новым опытом, в котором Фурман выступил еще и как продюсер.
https://vk.com/@-23602165-vladimir-menshov-vlad-furman-i-daniil-strahov-specpokaz-film Владимир Меньшов, Влад Фурман и Даниил Страхов и др.,Спецпоказ фильма Влада Фурмана «Гупёшка». Москва. Дом Кино. 30.10.2018
«Комсомольская правда» 2 ноября 2018 ,16:26 Помолодевшая Юлия Рутберг удивила коллег 53-летняя актриса побывала на премьере фильма режиссера Влада Фурмана «Гупёшка»
Режиссер фильма Влад Фурман и Юлия Рутберг. Фото предоставлено пресс-службой мероприятия
Знаменитая актриса Юлия Рутберг редко выходит в свет, увидеть ее в последнее время можно разве только в театре. А тут артистка появилась на премьере фильма «Гупешка».
Коллеги 53-летней актрисы были удивлены, как она помолодела.
Премьеру фильма Влада Фурмана посетил и родной внук Андрея Миронова, актер театра имени Вахтангова Андрей Удалов.
Внук Андрея Миронова, актер театра имени Вахтангова Андрей Удалов. Фото предоставлено пресс-службой мероприятия
https://vk.com/@-23602165-vladimir-menshov-vlad-furman-i-daniil-strahov-specpokaz-film 2 ноября 2018, 15:30, Кино Mail.Ru Внук Миронова, Меньшов и другие на показе драмы «Гупешка» Звезды посмотрели фильм Влада Фурмана, который рассказывает о деревенской женщине, ставшей супругой городского интеллигента
В московском Доме кино показали фильм режиссера Влада Фурмана «Гупёшка». Драму вместе с постановщиком представила актриса Нелли Попова, сыгравшая главную роль. Поддержали коллег Владимир Меньшов, Михаил Пореченков с дочкой, Даниил Страхов с женой Марией Леоновой, Юлия Рутберг («Обмани, если любишь»), внук Андрея Миронова и сын Марии Мироновой Андрей Удалов, Эммануил Виторган с женой Ириной Млодик, Александр Ильин-младший и другие.
Влад Фурман и Юлия Рутберг
Влад Фурман и Андрей Удалов
К слову, многие сошлись во мнении, что Удалов очень похож на своего знаменитого деда. И не только внешностью, но и характером. Симпатичный молодой человек очаровал гостей мероприятия манерами, умом и искрометным чувством юмора. Андрей решил продолжить актерскую династию и уже снялся в нескольких картинах. Мама Удалова — актриса Мария Миронова — не раз говорила, что гордится успехами сына. Она шутит, что теперь, когда Андрей играет большие роли в кино, Леонардо ди Каприо может отправляться на заслуженный отдых.
13 ноября - день рождения нашего театра. О спектаклях, изменивших ход истории театра в России, о влиянии Вахтанговской школы и её выпускников на мировой театральный процесс написаны тысячи страниц. Мы поддерживаем неразрывную связь между традициями и сегодняшним днём, между памятью и новейшими постановочными технологиями, между великим прошлым и стремлением в не менее великое будущее.
Драматург и режиссер Андрей Максимов представил на Новой сцене Театра Вахтангова спектакль «Брюсов переулок» по собственной пьесе, в основу которой легли стихи и проза поэта-символиста Валерия Брюсова (повесть «Последние страницы из дневника женщины» и др.). Это вторая работа Максимова в стенах Вахтанговского театра (в прошлом сезоне на Симоновской сцене вышла «Любовь у трона»), и вновь режиссер пригласил на главную роль Ольгу Тумайкину.
– Люблю творчество Валерия Брюсова – причем прозу больше, чем стихи, – рассказал Максимов после генеральной репетиции. – В ней есть необъяснимая тайна и необъяснимая притягательность. Он такой философ-фантазер, что в мировой литературе встречается нечасто. Пьеса уже игралась в Театре на Покровке, однако для постановки в Вахтангова текст дорабатывался при содействии худрука Римаса Туминаса и в итоге был представлен в новой редакции.
Сюжет начинается с трагедии: героиня теряет мужа. Виктора убивают в стенах собственного дома, и Наталья, оказывается меж двух мужчин. Художник Модест и молодой революционер Владимир – имея близкие отношения с каждым, она, тем не менее, не связана ни с кем из них духовно, поэтому ни один не может сделать ее счастливой, погасить в ней одиночество, дать утешение, пристанище, успокоение, понимание себя. Она все время рвется на свободу, не желая связывать себя прочными узами, но свобода эта оказывается иллюзорной.
– В спектакле есть замечательный эпиграф – слова Сартра, выразившего мысль Достоевского: «Если Бога нет, то все дозволено». В этой истории я пытался понять, что происходит с хорошими людьми, когда они забывают Бога, – продолжает Андрей Максимов. – Собственно говоря, это единственная их проблема. Потому что, когда человек имеет в виду Бога, жизнь становится понятна и пряма – он и не думает про свободу, про отстаивание своей территории. Я считаю, любовь предполагает отсутствие свободы: либо ты влюблен, либо свободен. Но такая «несвобода» прекрасна. Если человек «несвободен» от Бога и от своего любимого – в этом, на мой взгляд, и заключается подлинная свобода. Еще мне кажется, когда любишь, задача в том, чтобы сделать человека счастливым, а не в том, чтобы остаться свободным.
В спектакле один состав. Роли исполняют Игорь Карташев, Юрий Поляк, Екатерина Крамзина, Виталийс Семёновс. Для Ольги Тумайкиной роль Натальи оказалась знаковой.
"- Люди очень часто испытывают страх, – размышляет актриса о своей героине. – Если в одиночестве комфортно, становится страшно допустить в это хрупкое поле другого человека, который неминуемо начнет выставлять рамки и насаждать «свою» свободу. Первое, что приходит в голову: нет-нет, только не это. И мужчины, и женщины на самом деле ленятся принимать решения: не заявлять о них, а именно принимать.”
Как говорит герой Виталийса Семёновса, главное людское предназначение – мучить друг друга. В свое время Брюсов почувствовал это как болезнь, витающую в воздухе, но в наши дни, люди, на мой взгляд, только и занимаются взаимным истязанием. Мы утратили способность просить прощения, делать шаг навстречу, мы растеряли юношеские идеалы и принципы. Признание в любви стало большим дефицитом. Если человеку дана любовь, ее нужно хранить, как дар. Но нет, людям нравится разрушать, а не созидать. Лично я вижу это очень часто. Даже не знаю, что должно произойти, чтобы люди начали вести себя по-человечески. Герой Семёновса – следователь, которому предстоит отыскать убийцу. Его монологи («Кому в России вы собрались жаловаться на правосудие?») вскрывают в пьесе еще один слой. В самом мотиве убийства легко считывается аллюзия на Раскольникова: «Тварь ли я дрожащая или право имею?». Так что свобода здесь звучит и в контексте права на поступок.
– Мне кажется, требовать свободы – нелепо, – говорит Виталийс Семёновс. – Хочешь быть свободным – будь им. Это личный выбор каждого. Кто мешает? Другой разговор, что свобода предполагает ответственность. Стать свободным – большой вызов самому себе, ведь за свободу нужно платить высокую цену. Мир не готов принять свободного человека, мир хочет удобного и понятного человека: ты хороший мальчик – садись, пять; а ты плохой – садись, два. Однако все мы в глубине души хотим быть хорошими. Поэтому не каждый способен на революцию в своей голове. С моей точки зрения, в этом спектакле нет правых и виноватых. Человек приходит в мир с устоявшимися правилами и, если смеет подвергнуть их сомнению, – даже не нарушить, а просто спросить: почему так? – то попадает под каток.
Сценографическое решение (главный художник Театра Вахтангова Максим Обрезков) – предельно лаконично. – Хотелось сделать изысканно и ненавязчиво, чтобы декорации не давили на артистов. Важно, чтобы были видны, прежде всего, сами артисты, их глаза, – поясняет художник. Внимание приковывают ряды черных шинелей, вывешенных над авансценой (в финале они стремительно обрушатся вниз, превратятся в черную массу – словно череда мужчин, загубленных не то войной, не то любовью, в которой не было Бога).
– Можно говорить про любовь и свободу, но мне хотелось бы сказать про войну, – отметил композитор Фаустас Латенас, написавший музыку для спектакля. – Когда-то мама рассказывала мне, что накануне Второй мировой вся Литва веселилась и танцевала. И в Вильнюсе, и в деревнях постоянно проходили праздники, стоял шум и гам. И никому не приходило в голову, что такой сумбур в чувствах, когда не понимаешь, кто с кем и для чего, объясняется нависающей над людьми великой опасностью. Когда жизнь безопасна, люди концентрируются на обычных делах – ходят на работу, воспитывают детей, не суетятся. Но все меняется в предощущении войны. В такое время человек предпочитает отворачиваться и не замечать, торопится жить очертя голову, шутить над трагедией, насмехаться над смертью. Мне кажется, герои пьесы, интуитивно ощущая приближение катастрофы, перестают жить нормально – они только думают, что живут, но на самом деле мечутся в какой-то агонии.
И все-таки центральной темой остается одиночество, непонятость, неуслышанность или, словами Максимова, «любовь, ее отсутствие и ее имитация». Наверное, в «Последней странице…» это главная тема.
https://vk.com/public43163643 Академический театр им. Евг.Вахтангова 19 ноя в 21:06 2018 Кирилл Крок – лауреат Международной премии К.С. Станиславского 2018.
19 ноября в Москве в отеле «Балчуг-Кемпински» состоится торжественное вручение XXII Международной премии К.С. Станиславского. Предстоящая церемония посвящена 155-летию со дня рождения Константина Станиславского. В этом году число лауреатов – рекордное, награды получат 24 человека.
Председатель жюри Премии - художественный руководитель и директор МХТ им. Чехова Сергей Женовач. В судейском составе - народный артист России Валерий Баринов, доктор искусствоведения, профессор ГИТИСа Алексей Бартошевич, художественный руководитель РАМТ Алексей Бородин, заслуженный артист РФ Игорь Гордин, заслуженный артист России, ректор Школы-студии МХТ Игорь Золотовицкий, художественный руководитель Театра им. Пушкина Евгений Писарев, театровед Видас Силюнас, спецпредставитель президента РФ по международному культурному сотрудничеству Михаил Швыдкой и вице-президент Международного фонда К.С. Станиславского Зейнаб Сеид-Заде.
Директор Театра имени Евгения Вахтангова Кирилл Крок стал лауреатом Международной премии Станиславского 2018 г. в номинации «Организация театрального дела».
Премии Станиславского в этом году удостоены выдающиеся деятели культуры и искусства: народный артист СССР Марк Захаров, народный артист РФ Валерий Гергиев, народная артистка РФ Алла Демидова, народная артистка РФ Лия Ахеджакова, народный артист России Александр Филиппенко, художественный руководитель оперной труппы Московского музыкального театра имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Александр Титель, британские мастера - Джуд Лоу, Энтони Шер, Деклан Доннеллан, голландский режиссер Иво ван Хове и др.
Мы в Казани в Академическом Русском Большом Драматическом Театре им. В.И. Качалова, сегодня и завтра играем спектакль «Дядя Ваня» в рамках театрального фестиваля имени Качалова. Я не первый раз нахожусь в этом театре - какой он красивый, ухоженный, добрый, светлый дом. Как приятно осознавать, что об этом доме заботятся, ухаживают. Как мне хочется, чтобы в России таких тёплых домов было как можно больше.
Через 2.15 мин., когда в Москве будет совсем темно, в Милане в театр Picсolo начнётся «Евгений Онегин» Вахтанговского. Прекрасный зал - видно с любой точки. Маша Волкова первой вышла распеться. Блистательная молодая актриса.
В среду, 28 ноября, Театр Вахтангова сыграл в Милане первый спектакль в рамках проекта «Русские сезоны». Фестиваль, начавшийся в Японии в прошлом году и призванный представить русскую культуру в разных странах мира, на сей раз проходит в 74 итальянских городах. Вахтанговцев приняла сцена знаменитого Piccolo di Milano; одновременно на площадке Teatro Studio Melato стартовала программа Александринского театра.
– Проект «Русские сезоны» – это своего рода «культурная дипломатия», – отметил в беседе с «Театралом» директор Вахтанговского театра Кирилл Крок. – Сейчас, когда мы только и слышим про санкции, нужно укреплять культурные связи. Искусство в этом смысле обретает особую миссию. Оно наводит мосты, помогает нам сохранять доверие друг к другу.
Билеты на оба показа «Евгения Онегина» в постановке Римаса Туминаса были раскуплены за две недели до приезда. В среду вечером в зале театра Стрелера не было ни одного свободного кресла. Артисты говорят, что на этот раз не имели возможности пригласить на спектакль своих гостей. – Российская и итальянская культуры очень близки, – поясняет Крок. – Здесь любят русский театр, к тому же, мы привозим классику, с которой многие знакомы. Действительно итальянцы сходу называют пятерку центральных русских литераторов. Помимо Пушкина в топе – Толстой, Достоевский, Тургенев и Чехов.
Миланцы, как и москвичи, не начинают спектакль минута в минуту; когда стрелки перебираются за семь, в зале по-прежнему стоит шумная суета. Зрители – преимущественно итальянцы, но и русская речь слышится то тут, то там. Спектакль идет на русском языке с субтитрами, однако, судя по реакции зала, все могло быть понято и без слов. – Милан – прекрасный город, публика здесь очень дружелюбная и эмоциональная, – делится в антракте Ирина Купченко. – Итальянцы тонко чувствуют, потому что прекрасно образованны – в том числе театрально, ведь в Италии великолепный театр. Так что, можно сказать, это большие профессиональные ценители. А главное, они очень открыты и восприимчивы. Всегда легко играть, когда зал тебя чувствует.
Показу предшествует всего одна репетиция: прогоняют несколько сцен. Но, как и всегда, Туминас задает высокую ноту, говорит о волнующих вещах: о чем играть именно сегодня? – Римас Владимирович постоянно ищет, поэтому «Евгений Онегин» со временем не увядает, что, вообще-то, свойственно любому спектаклю, – отмечает Ирина Купченко. – Это, конечно, его заслуга: он каждый раз стремится предложить актерам нечто новое. – Сегодня нам нужен собранный, точный, выверенный, умный, глубокий драматический спектакль, – напутствует режиссер артистов. – Пусть он будет со своей эстетикой и жестами. Вы прекрасно это умеете, не позволяя себе вольностей – мол, «нас много, поэтому никто не обратит на меня внимание». Помните, пожалуйста, что виден каждый из вас.
В рамках федеральной программы «Русские сезоны» Театр им. Евгения Вахтангова показывает в Милане один из лучших своих спектаклей — «Евгений Онегин». Что итальянцам до нашего Пушкина, о роли русского балета в драме и многом другом из столицы мировой моды передает обозреватель «МК».
В Милане в конце ноября погода — как у нас бабье лето в сентябре: тепло, увядшая под ногами листва, и романтичное настроение соответственно. Вахтанговский играет в театре Джорджо Стрелера «Пикколо ди Милано» (Piccolo di Milano), а «пикколо» — это «маленький». Он действительно был таким в 1947 году, когда открылся в центре города — кстати, русской пьесой «На дне». Но про новое здание из красного кирпича этого никак не скажешь: большой зал на 950 мест в виде шестигранника имеет весьма элегантный вид, и с какой точки ты не смотрел бы на сцену, получается прекрасный обзор. Да и сама сцена просторная, на два метра шире вахтанговской, и эта разница только добавила воздуха в большой, но легкий спектакль Римаса Туминаса. — Меня тут на пресс-конференции спросили: «Правда, что вы с собой медведя привезли?» Я говорю: «Да, привезли. Настоящего, из Сибири!» — смеется худрук Вахтанговского.
Два часа до начала. На сцене одна Маша Волкова, она же пушкинская Ольга, распевается, аккомпанируя себе на аккордеоне. Высокий, сильный голос Маши прекрасно звучит под сводами Piccolo. Блистательная актриса из поколения молодых: ее Ольга легка, эмоциональна, подвижна и очень музыкальна. Нет, не прав Онегин, уверяющий легковерного Ленского, что «в чертах у Ольги жизни нет». Еще как есть! Спектакль проходят по точкам. Римас что-то тихо говорит Сергею Маковецкому, распевают сцену именин, проходят сцену с качелями…
За кулисы заглядывает другой Онегин — Алексей Гуськов: он играет второй спектакль. Но говорим мы с ним не про пушкинского героя, а про «Фальшивую ноту» — необычную премьеру, которую в начале сезона он выпустил с Геннадием Хазановым. — Ты знаешь, — говорит Алексей, — мы сейчас такого баланса достигли, что ведем зрителя до финала очень точно. Подтверждаю: пьеса — на двоих, работа — филигранная.
За полчаса до начала.
— Билеты есть? — спрашиваю местную кассиршу. — Нет. Давно уже нет. И на Чехова — то же самое. (После Вахтанговского другой российский театр — Александринский, который, кстати, формировал программу для «Русских сезонов» в Милане, — играет здесь своих «Трех сестер», хотя спектакль свой по чеховской пьесе режиссер Андрий Жолдак назвал «По ту сторону занавеса».) Билеты в Piccоlo, независимо от названия, — от 5 до 40 евро. Для сравнения: в Москве на популярные спектакли некоторые театры ставят и по 10, и по 12 тысяч рублей.
Публика появляется уже за полчаса. Думаю, что на спектакле известного российского театра следует прежде всего ждать соотечественников. Каково же мое удивление, когда я вижу, что итальянцев на первый показ пришло не меньше, чем наших! И это — на Пушкина, которого в европейском театре почти не ставят, в отличие от Чехова или Достоевского. Познакомилась в антракте с итальянской актрисой Мириам Формизано: она специально приехала на спектакль из Генуи. — Несколько лет назад наш театр был в Москве и Петербурге со спектаклем «Женщина-змея» по Карло Гоцци. Мы в Италии очень любим русскую литературу. — А «Евгений Онегин» здесь — известная история или?.. — Что вы, ее очень хорошо знают. Смотрите! И протягивает мне книгу: «Онегин» в мягкой обложке. Вот так некоторые в Италии ходят в драматический театр. Как в Ла Скала — с партитурой.
Публика в основном одета просто, без демонстрации достатка. И как будто вне моды (и это в городе, диктующем моду!), но элегантно, с шармом, который подчеркнут деталями: скажем, шарфом, повязанным с хорошо продуманной небрежностью.
Но вот «Евгений Онегин» начинается — и уже с первых фраз, произнесенных Сергеем Маковецким, и по тому, как прошла первая сцена, становится понятно, что у первого спектакля на просторной сцене Рicсolo, этой живой, чувствительной «материи», будет легкое дыхание. Так и есть. На этом театральном шедевре Римаса Туминаса (обычно он за кулисами почти не смотрит на сцену, только слушает спектакль) видно, как рядом с большими, опытными артистами — Маковецким, Максаковой, Кузнецовым, Мельниковой, Корнеевой, Сотниковой, Макаровым — растет молодое поколение Вахтанговского театра. Изумительные Виктор Добронравов (молодой Онегин), Артур Иванов (Гусар), Мария Волкова (Ольга) и Василий Симонов (Ленский), Ольга Лерман (Татьяна): они не только техничны, но, что особенно ценно сегодня в театральном искусстве, — яркие индивидуальности.
И, разумеется, балетный класс под управлением несравненной Людмилы Максаковой во многом создает эмоциональный фон спектакля — романтичный, ментально точный. Это Анна Антонова, Александра Стрельцына, Екатерина Симонова, Ольга Немогай, Аделина Гизатуллина, Наталья Винокурова, Мария Шастина, Ольга Боровская и Павел Тэхэда Кардэнас в роли танцмейстера. Танцевальный финал Татьяны с чучелом бурого медведя производит вполне ожидаемый эффект, что не раз проверено на гастролях. Вот и в Милане в публике я наблюдала изумление, переходящее в ошеломление и заканчивающееся овацией. Здесь еще и кричат, свистят…
После спектакля моя новая знакомая — актриса Мириам Формизано — на мой вопрос: «Ну как вам Пушкин?» — как-то просто сказала: — Я потеряла себя. Извините. — Но что для вас в такой трактовке романа оказалось самым неожиданным? — Когда я прочитала, что в «Онегине» будут двойники, я подумала, что, скорее всего, мне это будет неприятно. Но все получилось наоборот: неожиданный способ рассказа! Он сначала, кажется, дает для публики некоторое отстранение, то есть дистанцию. Но на самом деле нет никакой дистанции, а наоборот — происходит еще большее вовлечение зрителя в такую историю, потому что эти персонажи тебя слишком трогают: и диалог Татьяны с няней, и монолог Онегина-старого, и этот прекрасный русский балетный класс… Я очень воодушевлена актерской игрой. Так гармонично все было на сцене!
А художник спектакля Адомас Яцковскис после спектакля говорит прямо как доктор: мол, сцена Piccolo показывает, что «Онегину» чем больше пространства, тем лучше.
Смотрите видео по теме: «Мария Волкова распевается перед спектаклем "Евгений Онегин"»
Вечером в пятницу труппа Театра Вахтангова вернулась из Милана, где в рамках проекта «Русские сезоны» представила спектакль «Евгений Онегин». Постановку сыграли дважды (28 и 29 ноября) на сцене театра «Пикколо ди Милано» Джорджо Стрелера. За кулисами «Театрал» поговорил с худруком Вахтанговского театра Римасом ТУМИНАСОМ.
– Римас Владимирович, «Евгения Онегина» играли на многих прославленных сценах, но что для вас значит Театр Джорджо Стрелера? – Для меня есть два режиссера – Стрелер и Эфрос. В чем-то они схожи. В чистоте, в глубине, в эстетике. Спектакль Стрелера я впервые увидел еще студентом. Я тогда, конечно, не был с ним знаком, но он поразил меня, я в него влюбился и после всю жизнь следил за его творчеством. Театр Пикколо всегда был невероятной, недосягаемой звездой, непостижимой тайной. И вот, через много лет я здесь – и стало как-то спокойно. Как будто исполнилось то, о чем я всегда мечтал и думал. Я не скажу, что мы постигли тайну – нет; но наш приезд для меня естественен: я всегда чувствовал, что так и должно случиться. Сейчас мы как будто получаем благословение, мол, не волнуйтесь, все будет хорошо. “ Знаете, снег, который идет и в «Маскараде», и в «Евгении Онегине», – это из Стрелера. Помню, как после московского показа я собрал немножко с авансцены – мне было интересно, как и из чего этот снег сделан. После мы разобрались и тоже придумали свою технологию. Так что, здесь я чувствую себя как дома. Эйфории нет, но есть покой и благодарность.”
– На репетиции вы обсуждали с Сергеем Маковецким первую сцену: «Кто жил и мыслил, тот не может в душе не презирать людей…». «Евгений Онегин» идет уже довольно давно – казалось бы, все сложилось, но вы по-прежнему добавляете новые штрихи, ищете новые интонации… – Это происходит не специально. Просто я подмечаю что-то в жизни и приношу в спектакль. Опыт подсказывает. Порой перечитываешь Пушкина, и привычная фраза вдруг начинает звучать совершенно иначе, тогда я прихожу на репетицию и делюсь этим новым смыслом с артистами. Их я тоже всегда прошу почитать накануне спектакля – чтобы вновь соприкоснуться. Все эти будни, вечная беготня – невозможно просто прийти и сыграть вот так, сходу. Надо прежде успокоиться, сосредоточиться, вникнуть. И я чувствую, что актеры и сами испытывают такую потребность, потому что все притирается, покрывается пылью. А пыль надо чистить. Я считаю, актеров нужно не заставлять, не изводить дисциплиной, а постоянно подпитывать. Как и себя. Это необходимо, чтобы спектакль оставался живым. Зачастую мы сами разваливаем спектакли. Мы – не время. Своим безволием, безответственностью, усталостью… Человек по природе своей ленив и рад себя обманывать. Но обман должен быть только художественный.
– «Евгения Онегина» уже показывали на итальянской земле. Какие на этот раз у вас ощущения от зала, от публики? – Я был уверен, что не надо будет присматриваться, приспосабливаться, пытаться почувствовать атмосферу города и людей – я заранее понимал, что получится точное попадание. Итальянцы знают цену красоте, притом раненой, выстраданной красоте, которая исходит из глубокой драматической жизни. Они настолько остро чувствуют правду и ложь, что очень удивляются, если ты что-то скрываешь от них: «Зачем? Мы что, не может жить открыто, просто?». Такое у них мышление, поэтому у нас даже в мыслях не было схитрить и попытаться им понравиться – напротив, мы должны были быть такими же откровенными в признании своих слабостей, своих грехов и своей силы, как и всегда. Они это очень считывают и понимают. Итальянцы открыты всему миру: их история и культура настолько богата, что они принимают всех и со всеми делятся своими сокровищами. Мы иногда рассуждаем так: «Это наше», а они говорят: «Это наше, но, пожалуйста, приезжайте, любуйтесь, наслаждайтесь, живите». Так что есть некое магическое поле на этой земле, одно это много значит для нас.
– Давайте теперь к московской жизни вернемся. Недавно вы пригласили Юрия Бутусова на должность главного режиссера. Модель худрук плюс главный режиссер – не новая, в том числе и для Театра Вахтангова. Почему вы сочли ее необходимой? – Это было у нас еще при Ульянове. Когда Михаил Александрович собрался уходить, он предложил мне стать худруком. История эта удивительная. Я должен был приехать к нему на переговоры. Он говорил: вот сейчас Римас согласится, и я уйду. Я действительно приехал, но не затем, чтобы согласиться, а, напортив, чтобы извиниться и сказать, что не смогу. Я только вошел и даже еще не успел поблагодарить за это безумие (мне кажется, я тогда был первым иностранцем, которого пригласили руководить драматическим театром), а Ульянов уже посмотрел на меня, как на убийцу. Вроде бы он декларировал: «Уйду, уйду», но вот наступила та самая, решающая минута, и он вздрогнул. Потом он признался, что ему стало страшно за театр. Что я буду делать? Не уволю ли всех? На следующей встрече я предложил: зачем вам уходить? Пусть я буду рабочим режиссером, а вы – худруком, который сможет говорить «да» и «нет». Он ведь и был отцом театра. Сейчас мне эта история вспомнилась.
– Почему вы выбрали именно Юрия Николаевича? – Большая часть труппы, особенно молодые актеры, любят и ценят Бутусова. Им нравится и «Бег», и спектакли, которые идут в других театрах Москвы и Петербурга. Бутусов – очень интересная личность. Он представляется мне свободным. Поэтому я думаю, он только поможет театру. Мы с ним очень разные, но противоречия в этом нет. Я понимаю, что он делает, и мне это интересно, я бы так не смог. Он как доктор, с которым можно поделиться своими болями, к которому стоит прислушаться. У Бутусова есть обязанности перед МХТ, но мне кажется, важно иметь дом, иметь базу. С другой стороны, его присутствие освежит театр. Конечно, оно внесет и интригу. Но куда без интриги? Жизнь покажет, но, вообще-то, мы относимся друг к другу спокойно – и с юмором, конечно. Я не вижу перспектив, чтобы мы могли разойтись по творческим причинам. Надеюсь, жизнь театра по-прежнему будет красивой и интересной.
– Над чем теперь работает Юрий Николаевич? – Пока у нас есть сомнения по поводу материала, но мы должны будем разрешить их до Нового года. Сейчас ищем название.
– А вы сами на чем сосредоточились? – На Толстом. Озвучил на сборе труппы «Войну и мир», а сам думаю: «Может, не надо?». Быть может, я немножко безответственно сказал. Но, с другой стороны, а что еще? Чехов, Пушкин, Софокл… Конечно, есть и другие гениальные произведения: «Божественная комедия» Данте, «Фауст» Гёте… Но как-то, знаете, привязалось. Так что я теперь уже вынужден. Не нужно тратить жизнь впустую. Надо выбирать значительные вещи. Театр этого достоин. Да, может не получиться, но от этого никто не застрахован. Провалимся, не провалимся – не знаю, но время зря не пройдет. Не потеряем, а только приобретем. Но думаю и надеюсь – что-то прозвучит. Сейчас главное – работа с текстом. Долгий подготовительный период. Это ведь не пьеса, в которой можно распределить роли, найти тему и пуститься с актерами в путешествие. Это огромный роман, и на него нужно время.
– У Театра Вахтангова теперь уже шесть площадок, вы активно приглашаете молодых режиссеров. Что вы им обычно говорите, как настраиваете? – Одно говорю: забудьте себя. Не пытайтесь себя выразить. Кто вас об этом просил? Выразите другого. В театре все как в жизни – надо заниматься не собой, а пытаться понять ближнего. Хотя это очень трудно: театр – соблазнительная вещь. Непросто отказаться от своих амбиций и желаний, от будущего блеска и успеха. Но нет. Не себя – другого. Раскрыть другого, служить другому. Тогда и ты станешь собой. Никогда не считай себя первым. И еще одно: в сегодняшнем безумии мира мы должны вернуться к слову, к звучанию поэзии. В слове есть и образ, и смысл. Нужно вдумчиво и постоянно открывать его. Иногда образы и мысли становятся нам неподвластны. Вот сейчас мы играем спектакль «Евгений Онегин» – и как будто кто-то указывает нам путь. Наверное, Пушкин ведет нас по своему роману…
Вахтанговцы-лауреаты премии «Звезда Театрала»: Юлия Борисова - номинация «Легенда сцены»; Сергей Маковецкий - номинация «Лучшая мужская роль второго плана» (за спектакль «Горячее сердце»); Юрий Бутусов - режиссёр спектакля «Гамлет» (Театр им. Ленсовета) в номинации «Лучший спектакль большой формы». Поздравляем! Ура!
В номинации «Лучшая мужская роль второго плана» побеждает Сергей Маковецкий за роль Хлынова в спектакле Театра им. Вахтангова «Горячее сердце» (режиссер Александр Коручеков).
Критик Ирина Корнеева написала об этой актерской работе: «Богатый подрядчик Хлынов Сергея Маковецкого, как в телешоу, всплывет из трюма на подводной лодке. Прокатится по сцене на танке. На вертолете не прилетит вдруг как волшебник (спасибо вкусу художника Максима Обрезкова), но городничего Серапиона Градобоева (Евгений Князев) за непомерные взятки или просто, посмеяться, отправит в плавание в небеса на воздушном шаре, куда подальше от честного народа. Подержит в руках череп бедного Йорика - без гамлетовской постановки вопроса, так, невзначай, а потом примерит его себе на голову, как маску, когда устроит грандиозный выезд на природу - и вся округа содрогнется.
По тому, как мужчина наливает шампанское, можно многое сказать о его характере... Он будет делать все смачно, со вкусом. Все зная про природу людей и про особенности русского национального характера, начиная со времен Островского. Не придумав одного только – как еще развеять свою тоску. Равных ему не найдется, настоящих друзей не объявится, ведь среди людей он – царь и бог. Пока не устанет куражиться».
Сергея Маковецкого с победой поздравила директор Музея Москвы Алина Сапрыкина. – Сергей, не знаю, давно ли вы были в музее, они становятся все более похожи на театры. И мне особенно приятно, вручить вам эту награду, – отметила она.
– Один известный человек сказал: не важно, как голосуют, главное – кто в счетной комиссии. Но в данном случае совпал удивительный вкус зрителей, и счетная комиссия не ошиблась, – отметил актер.
3 декабря в Москве объявили имена обладателей Премии зрительских симпатий «Звезда театрала». 11-я торжественная церемония награждения по традиции прошла в Театре имени Евгения Вахтангова. География «Звезды театрала» с каждым годом расширяется, в этом году в народном голосовании приняли участие 95 619 зрителей почти из 90 стран мира.
Номинантов, а затем и Лауреатов «Звезды театрала» по итогам минувшего театрального сезона определяли не профессиональные критики, а рядовые зрители, путем интернет-голосования, которое ежегодно проходит на странице Премии журнала «Театрал». Исключение - номинация «Легенда сцены», которая определяется редколлегией журнала «Театрал» и утверждается Общественным советом премии. В 2018 году награда в самой почетной номинации «Легенда сцены» присуждена народной артистке СССР Юлии Борисовой и народному артисту РСФСР Станиславу Любшину.
Юлия Константиновна не смогла принять участие в торжественной церемонии, но делегировала это право своей семье – внукам и правнукам, которые и вышли на сцену за статуэткой. Награду Ю.К. Борисовой вручил Председатель премии «Звезда театрала», главный редактор журнала «Театрал» Валерий Яков.
На сцене – внучки Юлии Константиновны Борисовой - Мария и Дарья и правнуки – Александр, Никита, Андрей, Илья и Маша.
«Юлия Константиновна очень сожалеет, что не может присутствовать на торжественной церемонии вручения премии. Она сердечно благодарит организаторов за оказанную ей честь».
Станислав Любшин: «Стоять на этой сцене, где я видел много выдающихся спектаклей, очень волнительно - сказал, получая награду, Станислав Любшин. - Здесь я видел, как Юлия Борисова играла в пьесе «Без вины виноватые». Как она проживала эту роль! Я видел близко ее глаза; все, что она чувствовала, было понятно каждому зрителю, входило в каждого зрителя. Я хочу поблагодарить зрителей за очень смелый выбор. Конечно, это вдохновляет. Как сказал Володин в «Пяти вечерах», чем старше человек, тем он оптимистичнее смотрит на жизнь. Ибо лучшее всегда впереди».
В номинации «Лучшая мужская роль второго плана» премии «Звезда театрала» в 2018 году стало два лауреата - Сергей Маковецкий (за исполнение роли Хлынова в спектакле А. Островского «Горячее сердце») и Александр Ширвиндт (за исполнение роли Пётра Зарайского в спектакле «Где мы?!..»). Актеры набрали равное количество голосов.
Юрий Бутусов: «Я впервые в жизни получаю премию за лучший спектакль. Огромное спасибо тем, кто присудил этому спектаклю такую действительно важную награду. Конечно, мы всегда работаем для тех, кто в зале. Что бы мы ни говорили, это именно так. Но, к сожалению, именем зрителя, для которого мы работаем, сейчас аргументируются какие-то страшные вещи. Мы живем в странное время – над театром сгустился туман запретов, наказаний, преследований, кто-то по экономический причинам, кто-то по административно-эстетическим, как было со мной и, думаю, с Дмитрием Крымовым. Какие-то немыслимые гонения на музыку. Все это очень огорчает и страшно тревожит. Как будто есть люди «чистые» – те, которые нами руководят: различные чиновники, имеющие «божественную власть», и «нечистые» – режиссеры, художники, музыканты. И мне захотелось сегодня это сказать.
Очень многие уважаемые люди говорят о том, что необходимо идти на компромисс. Конечно он необходим, но на него должны пойти люди, у которых есть власть, которые способны радеть не за свои места, а за культуру. И которые готовы пойти на компромисс с теми, кто эту культуру создает. Я рад возможности стоять на этой сцене. Это прекрасный дом, великий дом, здесь живут великие театральные духи. Недавно к этим духам присоединился человек, который является одним из самых важных в жизни многих поколений режиссеров. Здесь тоже шли его спектакли, здесь работают его коллеги, и литовский дух здесь тоже есть. Это братство тоже прекрасно. Я говорю об Эймунтасе Някрошюсе».
08.12, суббота. Открытие Московского театра Олега Табакова на Сухаревке. Римас Туминас и Кирилл Крок (Kirill Krok) - выдающийся тандем современной театральной Москвы. Они вернули русскую классику на сцену, возродили величие театра Вахтангова, добились полных залов и сделали академический театр коммерчески успешным. Внутренний диалог литовского хуторянина, грибника и выдающегося режиссера с "Евгением Онегиным" и "Дядей Ваней" завораживает не меньше, чем его безмерное восхищение ангельской красотой русских женщин. Нам всем повезло, что вы есть, что нашли друг друга. PS новая сцена и пространственное решение фойе новой театральной площадки многообещающе. Владимир Машков, только вперед! Удачи!
фото: Марина Райкина Главный редактор «МК» Павел Гусев», глава Департамента культуры Александр Кибовский и худрук театра им. Вахтангова Римас Туминас.
Да, Машков удивил, так удивил Первопрестольную, которую удивить трудно. Субботним вечером он наконец показал свое Фойе зеркал самому близкому театральному кругу и начальству, которое поспособствовало воплощению зеркальной идеи преемника Табакова. С исторической сходки на Сухаревской площади — обозреватель «МК».
На входе всем вручают скромный букетик (красная гвоздичка с колосьями пшеницы), его с помощью булавки все пришпиливают на платья и пиджаки. На первом этаже — толпа, но без особого труда увидеть можно практически всех: достаточно задрать голову или обвести взглядом стены, чтобы зафиксировать: ага — вот советник мэра Леонид Печатников с супругой и Михаил Швыдкой с супругой, Александр Кибовский, новый замминистра культуры РФ Павел Степанов, кто-то, говорят, из Администрации Президента… Из театральных только те, кого любит и уважает герой дня — Галина Волчек, Адольф Шапиро, Римас Туминас, Кирилл Крок, Сергей Гармаш, Леонид Ярмольник, Марина Зудина с дочкой Машей, Гарик Сукачев, Сергей Галанин, Ирина Апексимова...
Все множатся в зеркалах с удивленными лицами: за счет зеркал полный эффект увеличения фойе, а оно, как только два года назад открыли этот долгострой на Сухаревской, напоминало больше скучный офис с серыми стенами. Теперь же здесь и воздух, и волшебство, и интрига. Впрочем, мнения разные: от «вау!!!» до «у меня голова идет кругом...» Ну не знаю не знаю, у кого там что кружится, а мне так очень даже головокружительно прекрасно от зеркал всех мастей: в рамах, осыпающихся (спокойно, они не падают), в виде водопада, цилиндрического зеркала Хикса и растущих кристаллов. А вот банкетки вдоль отражающих стен вовсе не зеркальные, а обитые тканью под гобелен.
Слева, если смотреть на зал, вместо мутных стекол — витражи ручной работы. На втором же этаже — зеркальный коридор с галереей фотографий актеров, все такие молодые, свободные. А заканчивается она еще одним волшебным зеркалом: на нем — зал, в котором ты, если встаешь напротив, тут же отразишься. И в этот самый момент в зеркале рядом с тобой возникнет артист, положим, Шевандо или Смоляков, который мимикой реагирует на тебя. Так вся труппа и появляется по очереди — снимайся с любимыми на здоровье.
А вот этажом выше, наверное, самое трогательное зеркало — портрет Учителя. Вокруг Олега Павловича порхают бабочки. Вылетают они из карманов его пиджака, делают крылышками «бяк-бяк-бяк-бяк» и приземляются точно на грудь, превращаясь в разноцветные галстуки-бабочками — ведь их Олег Павлович очень любил.
А Машков видно, что волнуется, мечется меж гостями. «Вы смотрите все, смотрите. Идите в Комнату бесконечности». Бесконечность начинается с протянутой металлической руки — это дверная ручка. Потянул — и оказался в синем пространстве звездной ночи, где система зеркал образует бесконечный коридор. Куда? Это кому куда надо и хочется. Обалдевших зрителей долго не могут собрать в зале, чтобы начать представление. Оно задерживается (немыслимо!!!) на 53 минуты. Кто не успел, тот опоздал увидеть дивный плетеный занавес. Когда тот уплывет вверх, откроется еще одно зеркало — на этот раз видео, которое со звоном разлетится вдребезги, и начнется театрализованная демонстрация технических возможностей новой «Табакерки». Подъемно-опускные платформы, уплывающие в люки, штанкеты, выстраивающиеся шеренгой, переходящей в волну, море света — много из этого уже демонстрировалось два года назад, когда Олег Павлович открывал свое детище. А здесь еще, похоже, добавили технических возможностей и сделали участниками театрального перформанса «Атом солнца» с участием зеркального человека, перкуссиониста, молодых артистов и колледжистов. Сам Машков наворачивал по сцене круги на велике, не крутя при этом педали.
А в финале он сделал реверанс в сторону своей молодости — восхитительного спектакля «Смертельный номер». Четыре клоуна, четыре маски — Рыжий, Белый, Черный, Толстый (Сергей Угрюмов, Виталий Егоров, Андрей Смоляков, Сергей Беляев) — жонглировали светом, множили его среди молодых актеров на сцене и посылали в зал. Театральная Москва не прятала эмоций — кричала, свистела, аплодировала. И не только Машкову, артистам и службам (все выложились в эти дни), но и самой Идее. Идее, доказывающей свою самоценность и примат над всем остальным. Даже над самым крутым дизайном, которым одержимы сейчас все. Идея Атома Солнца как символа таланта, который нельзя купить ни за какие деньги. Можно аплодировать и городским властям, поверившим в эту идею и, пожалуй, впервые рискнувшим дважды вложить огромные деньги — сначала достроить и открыть театр и спустя каких-то два года потратиться еще и на его реконструкцию. Вот что творят зеркала.
На Новой сцене Вахтанговского театра опять новая премьера. На сей раз, на суд взыскательной театральной публики режиссёр Андрей Максимов представил свой авторский спектакль по мотивам произведений поэта-символиста Валерия Брюсова. Название спектакля - «Брюсов переулок».
В центре вычурного сюжета история одной женщины и двух, вернее трёх, а ещё точнее, четырёх мужчин. Загибаем пальцы: два из которых, влюблены в неё (любовники), один скоро влюбится (следователь), а ещё один влюблённый уже мёртв (муж). Брюсов всегда любил экзотику, «фиолетовые руки» и «бледные ноги», «утомлённый взор» и «лазоревую луну», поэтому сия детективная история проистекает в соответствующем антураже, рождённом стильной фантазией Максима Обрезкова - в мерцании хрустальных люстр, в белой дымке, с преломляющимися зеркалами и с переключениями в чёрно-белый свет.
Неподражаемая и роскошная Ольга Тумайкина – царица в этой декадентской круговерти любовных отношений. Рыжекудрая, с завитком волос на лебединой шее, с соблазнительным декольте под ажуром кружев, застывает в красивых позах, как на картинах Альфонса Мухи, и безраздельно властвует над мужскими сердцами. Она по очереди принимает своих любовников, постоянно выслушивает пылкие признания в любви, успевает кокетничать со следователем, ведущим дело об убийстве её мужа, и даже пытается стрелять из револьвера. Впрочем, волноваться не стоит, ибо без подобных обстоятельств немыслима проза Серебряного века. Её героиня не живёт настоящей жизнью, а как будто плавает то ли в полусне, то ли полуяви, то ли играет на сцене для невидимых зрителей и зачем-то долго вглядывается в таинственную глубину зеркала, расценивая его как выход в другую более комфортную реальность или «зону свободы».
На свете, действительно, существуют женщины, которых природа одарила опасной красотой. Задача их – привлекать к себе мужчин, как огонь привлекает мотыльков, заманивать, а потом играть с ними как кошка с мышкой. Сама героиня настолько сложна (или напротив примитивна), что сама не знает, что хочет, точно зная при этом, кто не герой её романа. Она безжалостно перешагнёт через слабого и стелющегося ей под ноги мужчину (даже через его труп), но охотно прильнёт к широкой груди того, кто способен оттенить мужской силой её женскую слабость. В пьесе, кстати, как-то неохотно обозначены имена героев, как будто исключительно для порядка, но с подчёркнутым вниманием указан пол – Наташа (женщина), Модест Никандрович (немолодой мужчина), Владимир (молодой мужчина), Следователь (государственный мужчина).
Клубок страстей насыщен густой мелодраматичностью, разбавлен актёрским позёрством, украшен утрированным жеманством, приправлен забавным цинизмом и напыщенными монологами. Символизм-с! Впрочем, психологические нюансы характеров вряд ли требуют глубокого погружения и изучения. Герои пьесы в некотором роде являют собой alter ego самого Брюсова, которому были присущи крайний индивидуализм и двойственность натуры.
Приближаясь к финалу, начинаешь задумываться над тем, чему происходящее должно научить, что выявить, что обличить, на какие пороки указать, кого здесь надо пожалеть? - Непонятно, размыто, ответ ускользает. По внешней картинке невозможно сделать никаких глобальных выводов, найти завуалированные подтексты и тайный шифр. Возможно, Брюсов в свойственной ему надменной манере попытался разгадать секрет природы истинной женщины, женской сути, души, но не сумел, поскольку, как эгоцентрик, на всё имел уже готовые непререкаемые ответы, состоящие больше из эпатажа, чем истины. У Андрея Максимова же получилось превратить замысловатый искусственный сюжет давно забытых и устаревших брюсовских первоисточников в очень тонкую и наполненную трагизмом историю, за гипертрофированной театральностью которой вдруг начинает виднеться живой человек с настоящими искренними чувствами. Он сделал так, что эта, казалось бы, однозначная история, приобрела свойства хамелеона, ей можно приписать как безнравственность, так и высокую духовность, обозначить её как банальный адюльтер, так и увидеть в ней поиск любви с большой буквы. Главное, режиссёр изменил её глубинный смысл, приведя его к осознанию божественной природы любви, того чувства, которое живёт не в голове, а в сердце.
На пресс-показе Андрей Максимов признался: «Я всё переделал, по сути, написал новую пьесу (в основе повесть «Последние страницы из дневника женщины»). Спектакль мы репетировали 4 месяца, репетиции начались в конце прошлого театрального сезона. Материал тяжёлый, пьеса тяжёлая, отношения тяжёлые». Воплотить сложную задачу ему помог блестящий актёрский состав «вахтанговского качества»! Ольга Тумайкина и Екатерина Крамзина находятся в достойнейшем мужском актёрском обрамлении Игоря Карташева, Юрия Поляка, Виталийса Семёновса. Прекрасная музыка Фаустаса Латенаса создаёт особый фон, проникновенные вибрации, которые усиливают драматизм и не позволяют зрителю уйти в банальное восприятие и осуждение героев. Неожиданным подарком станут два романса на стихи Брюсова в исполнении Ольги Тумайкиной и Игоря Карташева.
Материал подготовлен при содействии первого сми на технологии медиа-блокчейна Русский блоггер
Спектакль по пьесе ирландского драматурга Сэмюэля Беккета. Автор воздерживался от пояснений относительно своих пьес, он считал что каждый зритель или читатель, будь то критик или обыкновенный человек, волен видеть в его произведениях свои смыслы. В случае с пьесой «В ожидании Годо», Бэккет был бы доволен: о ее смысле споры не угасают и по сей день.
Двое нищих бродяг, нелепых, больных, одиноких и несчастных, Владимир и Эстрагон каждый вечер встречаются под старым засохшим деревом и терпеливо ждут некого Годо. Кто этот загадочный Годо и чем он должен помочь героям мы не знаем. Как не знаем мы ничего и о самих героях: ни их прошлого, ни возможного будущего, ничего. Только здесь и сейчас, да крошечные обрывки скудных воспоминаний, всплывающих в бесконечном разговоре.
Полярно разные, но притягиваемые невидимым магнитом, герои не могут друг без друга. Эстрагон – унылый нытик, печальный клоун, вечно всем недовольный и ворчливый ребенок-старик. Владимир – безудержный оптимист. Несмотря на старость и болезни, энергия его неиссякаема, как и вера. Он то шутит, то мрачно философствует, и все время пытается придать смысл их общему существованию, постоянно напоминая о необходимости дождаться Годо.
Но: «Ничего не происходит, никто не приходит, никто не уходит – ужасно» – говорит Эстрагон и в этой фразе весь смысл этой бесконечной пьесы. Вся жизнь проходит в ожидании чего-то, но в том-то и дело, что проходит мимо. Пока мы ждем неизвестного Годо (счастья, любви, достатка..et cetera), не сходя с места, наши желания уходят к другим. Пока мы ждем, заполняя наши жизни бессмысленными разговорами, бессмысленной потерей времени, постоянными жалобами и нытьем, время уходит, и когда оно окончательно скроется из вида, придет смерть (Годо?). Или мы ждем Бога (Годо?), который должен осыпать нас благами? Вариаций множество, но ждем мы все. Ждем и надеемся на чудо.
В этой пьесе ожидание превращается в дурную бесконечность. Одно и то же время, одно и то же место, одни и те же люди. В спектакле зрители и актеры пойманы в ловушку пространства и времени. В конце первого акта затеплится надежда на перемены, ведь действие спектакля происходит сразу на двух сценах. Первый акт на Камерной сцене, второй в Амфитеатре. Но нет. Перемен не будет. Ни в том, ни в другом пространстве никаких декораций нет, только гулкий полумрак, дерево, камень, музыка и герои на сцене. Перемена площадок воспринимается как день первый и день второй, но в какой-то момент появляется мысль : может и нет никаких двух дней? Может быть это один и тот же повторяющийся день в сознании Владимира? Это его личное безумие и его личный замкнутый круг ада, который он проходит снова и снова? Ведь о Годо мы узнаем только от него, а что если он его придумал, чтобы удержаться на этой земле? Есть еще, конечно, Мальчик, приходящий с весточками от Годо, но может быть он тоже мерещится Владимиру? Мальчик даже описывает частично внешность и характер Годо, но так размыто, что больше похоже на недодуманную фантазию.
В какой-то момент в эту маленькую компанию вплетаются совсем уж абсурдные герои – Поццо и Лакки. Поццо – хозяин, а Лакки его раб, выполняющий команды по удару хлыста. И вот самое непонятное для меня то, что нищие бродяги начинают тоже издеваться над несчастным рабом, хотя логично было бы им испытывать солидарность и жалость к нему. Но в этой пьесе нет логики, как нет в ней и понимания того как мы должны относится к героям? Мы должны их жалеть, понимать, сочувствовать или напротив испытывать раздражение и неприятие?
Будьте покойны, за три с лишним часа спектакля вы испытаете весь спектр эмоций, потому что главное в этом спектакле совсем не пьеса, а актерская игра. Вы будете злиться, когда Эстрагон (Матвей Волков) будет долго и кряхтя снимать ботинок, и будете с нежностью вспоминать звук санок по асфальту, когда он будет издавать звуки во сне. Вы подпрыгнете от неожиданности и страха, когда Лакки (Артем Пархоменко) стукнет ногой об пол и оцепенеете от его монолога. Вы посмеетесь над Поццо (Владислав Гандрабура) и ему же ужаснетесь. Вы пожалеете Мальчика (Константин Белошапка/Юрий Цокуров) и сразу же обозлитесь на него. И вы заплачете от нежности, когда Владимир (Артур Иванов) будет петь колыбельную и сердце ваше разорвется, когда он принесет своему другу трогательно завернутую в белый платочек маленькую черную редиску.
«Ничего не поделаешь…» – с этих обреченных слов начинается действие. Эти слова принадлежат Эстрагону, и он прав: поделать с этой пьесой и правда ничего нельзя. Тяжелая, темная и абсолютно безысходная действительность, описанная Беккетом, невыносима даже для подготовленного читателя. Зачем же идти на такой спектакль? – спросите вы. Ответ прост – в этом спектакле вы увидите как магией театра и силой таланта режиссера и актеров тоскливый абсурд превращается в чудо.
В Большом фойе открыта самая добрая и сказочная новогодняя выставка! Раритетные Деды Морозы из коллекции Александра Олешко. Увидеть выставку можно перед началом и в антракте спектаклей Основной сцены.
Художественный руководитель Театра имени Вахтангова Римас Туминас ностальгирует по тем временам, когда Рождество отмечалось в тишине, при свечах, по старым традициям
ВИЛЬНЮС, 24 дек – Sputnik, Алексей Стефанов. Рождественский сочельник худрук Государственного академического театра имени Евгения Вахтангова Римас Туминас отметит в Литве. Он очень спешил закончить все дела в Москве, чтобы прилететь домой, повидать близких и вместе с детьми и внуками сесть за рождественский стол. Хотя сегодняшнее веселье в этот религиозный праздник Римас Владимирович не разделяет — для него Рождество осталось таким, каким он помнит его в детстве, — тихим семейным праздником.
"Мы не ставили елку раньше, чем за три-четыре дня до Рождества. Берегли и ценили этот праздник. Не так, как сейчас, когда уже в ноябре о нем начинают говорить. Меня это как-то коробит — это же святые дни. Помню, на лыжах уходил из деревни, где мы жили, в лес и начинал искать елку. Несколько дней объезжал все вокруг, мне все что-то не нравилось, пока не находил самую красивую ель. Мама и все близкие были рады, а я горд собой. Мне запомнился абсолютно каждый мой поход за елкой. И помню, что снега на Рождество всегда почему-то было очень много", — вспоминает Римас Туминас.
Не менее ярко врезалось в память знаменитого режиссера и рождественское застолье, которое устраивали бабушка с дедушкой по папиной линии. Дом был разделен на две части: в одной половине жил Римас с родителями, а в другой — они.
"Приготовления к рождественскому вечеру бабушка с дедушкой брали на себя — они были уже в возрасте, не работали. Помню, что на столе было 12 блюд, скатерть была белой, а под ней солома, как и положено по Библии. Из-за этого стол получался мягким. А еще всегда было очень тихо — электричество включалось только на несколько часов в день. Мы сидели при свечах, и это было как Святое чудо, атмосфера становилась еще более праздничной. Дедушка с бабушкой произносили молитву. А потом мы играли — вытаскивали из-под скатерти соломку, и бабушка говорила: у кого соломинка длинная, тот проживет долгую жизнь".
Римас Туминас говорит, что праздновать Рождество в Литве в советское время никто не запрещал, на это никто не обращал внимания. Отмечали праздник все — и председатели колхоза, и простые колхозники, и коммунисты, и беспартийные. Тайком, тихо, но застолье устраивали все. А вот Дед Мороз, или Сенялис Шалтис, как сказочного персонажа именовали в Литве, в дом к будущему театральному режиссеру не приходил.
"Я в школе ждал Сенялиса Шалтиса, но не верил уже в него. К нам в дом он не приходил, но под елкой мы с братом обязательно находили упакованные подарки. Обернуты они были чуть ли не в газетную бумагу. Еще получали мандарины и конфеты. В памяти осталось, как я наряжал елку — обязательно соломой, маленькими яблочками и ватой, как будто она вся стоит в снегу. Я и сегодня так бы наряжал елку, но дети любят вешать на нее разноцветные шары, мишуру. Это совсем не то. У меня ностальгия по старым временам", — говорит Римас Владимирович.
И вспоминает, как ждал чуда в рождественскую ночь — заходил в хлев, где находились вместе лошадь, корова, теленок, куры, и ждал, что они заговорят. Так рассказывали бабушка с дедушкой.
"Я входил в хлев, освещал дорогу лампой, и все животные поворачивались ко мне, молча смотрели. А я ждал, когда они заговорят, но они продолжали молчать. Тогда я тушил лампу и снова в тишине ждал, но они так ни разу и не заговорили. И все-таки я верил в то, что в рождественскую ночь они начинают говорить. Потому что я всех любил — и корову, и лошадь, и кур. Как и все дети в моей деревне. У меня даже было такое впечатление, что, как только я заходил в хлев, прерывал их беседу", — признается режиссер.
Сейчас от тех традиций практически ничего не осталось. Как говорит Римас Туминас, сегодня большая семья соберется в доме за столом, но тишины не будет — внуки будут вести себя очень шумно. Впрочем, Дед Мороз все так же не будет приходить в дом к режиссеру, но дети его будут очень ждать.
"Сейчас в деревне мы подыгрываем внукам. Дед Мороз не приходит, но я всегда ночью выбираю запрятанный в сарае мешок с подарками и кладу его возле дома. А потом играю: "Никто ничего не слышал? Кажется, кто-то прошел или проехал". И все, уверенные в том, что тоже слышали подозрительный шум, бегут к окну и видят во дворе мешок. Значит, он оставил подарки. Сегодня, конечно, все как-то упростилось, все больше похоже на театр и подарков бесконечное множество. А у меня ностальгия по прошлому. И в деревнях еще остались старые традиции", — уверен Римас Туминас.
Уходящий 2018 год выдался для Римаса Владимировича непростым. Много времени пришлось провести в клиниках. Так что к творчеству он смог вернуться только осенью. Как говорит, быстро и торопливо выпускал свой очередной спектакль, но доволен результатом, даже "получил небольшое удовольствие, остался рад этому". Омрачила год и потеря коллеги Эймунтаса Някрошюса, который ушел из жизни в ноябре. Режиссер надеется, что 2019 год будет более светлым.
"2019 год не будет таким уж легким, он будет нервным. Вот я и пожелал бы всем быть более вдумчивыми, доверчивыми, перестать искать врагов друг в друге или где-то за океаном, в какой-то определенной стране. Это все нужно переосмыслить спокойно. Хочу, чтобы мою родину Литву, всех близких и родных окутало теплое облако веры и любви. И пусть нас и людей всей планеты хранит Господь", — пожелал в сочельник Римас Туминас./i]
Возможно, кому-то из наших читателей уже доводилось слышать песню в таком исполнении. Официально публикуем первый раз. До Нового года, Года Театра, осталось совсем немного. Желаем хорошего настроения и искренних улыбок!
Через полчаса на Симоновской сцене начнётся спектакль «Очарованный странник». Представляем Вашему вниманию кадры из-за кулис, фотограф Lena Kondratova. В следующий раз играем спектакль по повести Николая Лескова 31 января. О спектакле: http://www.vakhtangov.ru/shows/ocharovannyiy_strannik
Кадры с репетиций спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник» по пьесе Эдуардо де Филиппо. Скоро будет больше репортажей: артисты вот-вот перейдут из репетиционного зала на Основную сцену. Премьера уже 25 января. Осталось буквально несколько билетов...
В ролях: Ирина Купченко, Евгений Князев, Леонид Бичевин, Михаил Васьков, Федор Воронцов, Ольга Гаврилюк, Анна Дубровская, Ася Князева, Олег Макаров, Анатолий Меньщиков, Александр Павлов, Сергей Пинегин, Евгений Пилюгин, Денис Самойлов, Виталийс Семеновс, Рубен Симонов, Елена Сотникова, Эльдар Трамов, Полина Чернышова, Лада Чуровская.
Творчество Эдуардо де Филиппо формировалось, с одной стороны, под воздействием искусства психологической правды и традиции неаполитанского театра, с другой – он был очень близок к кругу идей неареалистического направления. «Театр – это жизнь, инсценировка реальной жизни». Его театр развивался в русле традиций неаполитанской сцены, уходящей корнями в комедию масок. В его пьесах живет народный дух площадного театра с актерскими импровизациями, буффонадой, а так же трагедией, фарсом, драмой, мелодрамой. Эдуардо де Филиппо всегда сам ставил свои пьесы и играл в них главные роли. Он автор более 50-ти пьес. Его шедевры – «Филумена Мартурано» (1956 и 2011), «Великая магия» (1979), «Цилиндр» (1996) вошли в золотой фонд репертуара Вахтанговского театра.
«Суббота, воскресенье, понедельник» – одна из самых популярных пьес Эдуардо де Филиппо. Написанная в 1959 году, она до сих пор частый гость на сценах многих стран мира. Три дня из жизни семьи неаполитанского торговца, где все поколения живут вместе. За это время они успевают ссориться, ревновать, скандалить, мириться и, в конце концов, объясниться в любви. Яркие характеры, стремительно развивающийся сюжет, делают эту пьесу занимательной. Она смешная, а порой грустная, как и сама жизнь, с которой нужно примириться и начать все сначала, успев разглядеть, и понять друг друга, за долгие годы совместного союза. К счастью, все конфликты, случившиеся в субботу и воскресенье, благополучно разрешаются в понедельник.
Лука де Фуско – режиссер спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник» родился в Неаполе в 1957 году. Окончил факультет режиссуры в DAMS Болонского университета. Начал свою творческую деятельность с 1980 года в экспериментальном театре в рамках Театрального биеннале, ставя спектакли по произведениям Чехова, Гоцци, Гольдони, Мольера, Шекспира, Софокла, Шоу, Пиранделло, Брехта. С 2000 по 2010 год возглавлял венецианский Театро Стабиле дель Венето (Teatro stabile del Veneto «Carlo Goldoni»), превратив его в театр мирового уровня. В тот же период основал крупнейшую в Италии Театральную премию. Президент Ассоциации итальянских репертуарных театров (2005 – 2006). С 2011 года является директором неаполитанского Театро Стабиле ди Наполи (Teatro Stabile diNapoli) и художественным руководителем Неаполитанского театрального фестиваля. Лука де Фуско с большим пиететом относится к русскому театру, признавая его огромный вклад в развитие мирового театрального искусства. Российские театры – постоянные участники организованных им фестивалей.
На первой встрече с артистами, занятыми в репетициях спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник», Лука де Фуско рассказывал об Эдуардо де Филиппо – актере и драматурге, который был и остается любимым автором итальянцев – национальным героем. В своих пьесах он возрождает семейные ценности. Режиссер считает, что Эдуардо де Филиппо очень близок Чехову.
Лука де Фуско: «Поставить один из шедевров неаполитанского театра с русскими актерами – это большой вызов. Среди огромного неаполитанского репертуара я выбрал нашего величайшего автора – Эдуардо де Филиппо и мою любимую пьесу среди его выдающихся работ «Суббота, воскресенье, понедельник». Этот текст обладает расплывчатым чеховским послевкусием, так как он рассказывает о маленьких завистниках, маленьких обидах, которые становятся весомыми в условиях атмосферы напряженности в семье и естественной склонности неаполитанцев преувеличивать, как бы, всегда играть определенную роль. Сам Эдуардо заставляет одного из своих героев сказать, что семья Приоре похожа на театральную труппу. И незначительные проявления напряженности, которые вырастают в гротеск, и аспект «театра в театре», связывают русскую и неаполитанскую культуры. Таким образом, я подчеркнул эти аспекты вместе с ипохондрией главного героя, который постоянно отказывается от жизни, от прекрасного дня, от света, который сияет через окна, от которого герой постоянно стремится скрыться. Мой режиссерский стиль тяготеет к ситуациям сюрреалистической драматургии, которые меняют оттенки текста. В этом случае я предпочел ограничиться легкими прикосновениями к тексту, позволяя Эдуардо говорить своим языком и авторскими ремарками, дабы оставить для русской публики шедевр в чистом виде, с которым, я надеюсь, она познакомится с радостью».
20 января художественному руководителю Академического театра имени Вахтангова Римасу Туминасу исполняется 67 лет. Сегодня вахтанговский театр, с труппой 320 человек, - самый большой драматический театр России и по многим показателям - самый успешный. Вахтанговцам удалось сохранить старейшин театра и открыть новых звезд. 17 января театр отметил 85-летие Василия Ланового, и это был грандиозный праздник. На сайте театра Вахтангова уже опубликовано поздравление всех вахтанговцев своему лидеру - Римасу Туминасу, где они благодарят его за то, что он превратил театр, их жизнь в праздник. Накануне дня рождения Римас Владимирович рассказал «ВМ» о том, что в его понимании праздник, и как он будет отмечать свой день рождения.
- Римас Владимирович, вы любите свой день рождения? - Как ни странно, но люблю. Я вообще люблю процесс рождения - человека, спектакля, цветка. В детстве моя мама много работала, и мой день рождения, как и день рождения брата мы отмечали весьма скромно. Мама говорила, что «я опоздал родится на Крещенье и поэтому всегда в жизни буду опаздывать». По большому счету, все так и происходит - старюсь успеть, но не всегда получается.
- Что же вы не успели? Создали прекрасный театр в Вильнюссе и под вашим началом расцвел Вахтанговский театр. - Много всего не успел. Недолюбил, недоучил, недочитал, недоотдохнул, недоработал... Всегда есть нечто для того, чтобы сделать лучше.
- Говорят, что вы репетируете каждый спектакль независимо от того, когда была премьера? - Иначе нельзя. Каждый день, миг вносит свои коррективы, которые необходимо отразить в спектакле.
- Уж, не имеете ли вы в виду политику? - И ее тоже. Купил большой телевизор, чтобы лучше видеть, что происходит в мире. Сделал себе на день рождения подарок.
- Политика влияет на театр? - Театр влияет на политику, но это не значит, что мы должны ставить спектакли на политические темы. Все происходит невзначай, на ментальном уровне.
- Наверняка, готовите новую премьеру? - Собираюсь. Хочу поставить и «Войну и мир», и «Фауста», и вот думаю - что же из них выбрать - Россию или Германию, трагедию или комедию?
- Хотите сказать, что «Фауст» Гете - это комедия? - Конечно, комедия. Признаюсь, «Фауст» - моя настольная книга. Она со мной везде - даже в самолетах. Когда начинаю грустить, читаю Гете.
- Что вам еще помогает избежать грусти? - Праздники. В театре Вахтангова праздники - с утра до ночи. 17 января праздновали день рождения Василия Ланового. Так хорошо погуляли, что не осталось сил на свой день рождения. Юбилей Ланового получился праздником молодости.
- Василий Лановой надеется на новую роль? - Будет ему роль или в спектакле «Война и мир», или в «Фаусте». Василий Лановой - рыцарь театр, наш генерал.
- Воспринимаете театр как армию? - В некотором роде. Правда, я не знаю кто главнокомандующий, но то, что все артисты - солдаты театра, - однозначно.
- С кем из руководителей театров вы дружите? - Пожалуй, со всеми, кто учился в ГИТИСе. Дружу с руководителем МХТ Сергеем Женовачом, дружу с руководителем театра Школа Современной пьесы Иосифом Райхельгаузом, с Марком Захаровым дружу. Врагов у меня нет, по крайней мере, на это очень надеюсь.
- Возможно, вам не все нравится, что происходит в театральном движении России? - Мне не нравится, когда к театру относятся как к пиару, как к бизнес-проектам. Приходят к руководству некие шайки, и устраивают в театрах «сходки» и «стрелки».
МОСКВА, 24 января. /ТАСС/. Итальянский режиссер, руководитель Teatro Stabile di Napoli Mercadante Лука де Фуско поставил в Московском государственном академическом театре имени Евгения Вахтангова пьесу итальянского комедиографа Эдуардо де Филиппо "Суббота, воскресенье, понедельник". В четверг состоится пресс-показ российско-итальянского спектакля, премьера которого пройдет 25 января на Основной сцене, сообщила ТАСС пресс-атташе театра Елена Кузьмина.
Собеседница агентства рассказала, что в итальянскую постановочную группу вместе с режиссером Лукой де Фуско вошла автор сценографии и костюмов Марта Кризолини Малатеста. Компиляцию произведений Николо Паганини, звучащих в спектакле, осуществил Джанни Гаррера.
"А вот исполнителями ролей выступают исключительно актеры Вахтанговского театра. Это - Ирина Купченко, Евгений Князев, Леонид Бичевин, Михаил Васьков, Федор Воронцов, Ольга Гаврилюк, Анна Дубровская, Ася Князева, Олег Макаров, Анатолий Меньщиков, Александр Павлов, Сергей Пинегин, Евгений Пилюгин, Денис Самойлов, Виталийс Семеновс, Рубен Симонов, Елена Сотникова Эльдар Трамов, Полина Чернышова, Лада Чуровская", - перечислила пресс-атташе.
Именно в их исполнении москвичи увидят одну из самых популярных пьес Эдуардо де Филиппо "Суббота, воскресенье, понедельник". Написанная в 1959 году, она до сих пор частый гость на сценах многих стран, подчеркнула Кузьмина.
В ней рассказывается о трех днях из жизни семьи неаполитанского торговца, где все поколения живут вместе. За это время они успевают ссориться, ревновать, скандалить, мириться и объясниться в любви. Так что, все конфликты, случившиеся в субботу и воскресенье, благополучно разрешаются в понедельник.
По словам режиссера Луки де Фуско, которого процитировала пресс-атташе театра, "Эдуардо де Филиппо очень близок Чехову". "Поставить один из шедевров неаполитанского театра с русскими актерами - большой вызов. Среди огромного неаполитанского репертуара я выбрал нашего величайшего автора Эдуардо де Филиппо и мою любимую пьесу среди его выдающихся работ "Суббота, воскресенье, понедельник". Этот текст обладает расплывчатым чеховским послевкусием", - сказал итальянский режиссер, выразив надежду на то, что русская публика с радостью познакомится со спектаклем.
В Театре имени Вахтангова готовятся к премьере. Пьесу Эдуардо де Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник» ставит итальянский режиссёр, художественный руководитель Неаполитанского театрального фестиваля Лука де Фуско. По мнению постановщика, де Филиппо очень близок Антону Чехову.
Де Фуско репетирует в Москве с сентября. Переулки вокруг Вахтанговского стали для итальянца знакомыми. Мысленно пожать руку Евгению Вахтангову, про которого раньше только читал, назначить встречу своей итальянской команде около золотой Турандот - принцессы из сказки соотечественника Карло Гоцци - уже стало привычным. «Удивительный опыт, прекрасная, постоянно бурлящая жизнь, скрещивания менталитетов, нет лучшего способа постичь культуру другой станы, чем работать в ней. Это очень меня обогатило, дало много внутренней творческой энергии», - говорит Лука де Фуско.
Для опытного итальянского режиссера многое сейчас происходит впервые. Де Фуско в первый раз берется за пьесу одного из любимых своих авторов - Эдуардо де Филиппо. И в России ставит тоже впервые. В его распоряжении звезды Вахтанговского, в главных ролях Евгений Князев, Ирина Купченко. В ходе репетиций разрушились многие стереотипы де Фуско, связанные с Россией. «Я был удивлен. Есть такая черта у неаполитанских актеров - во время репетиций очень бурно дискутировать, полемизировать. Но русские перехлестнули даже неаполитанцев! Они прерывают ход сцены, задают вопросы, обсуждают, часто это выливается в философские дискуссии», - говорит Лука де Фуско.
Ассистент режиссера, художник по свету, сценограф - все итальянцы, творческую команду де Фуско привез с собой. «Я неаполитанец и потому не хочу искать «неаполитанскости» в русских актерах, не стараюсь перенести действие на подмостки итальянского театра. В этой пьесе мне интересны универсальные чувства. Этот материал очень близок моему видению театра, русского в частности. Речь идет о буржуазном, непролетарском Неаполе. Это вещь возвышенная, меланхоличная, обладающая тонким юмором в чеховском понимании», - рассказывает он.
В историческом кабинете Михаила Ульянова, где мы записываем интервью, де Фуско не перестает работать - руководит театром Teatro Stabile Napoli дистанционно. Любопытно, что происходит это под эскизом Мартироса Сарьяна к спектаклю Евгения Симонова 1956 года «Филумена Мартурано» по Эдуардо де Филиппо. Пьесы знаменитого итальянца в театре Вахтангова появлялись не однажды. В спектакле де Фуско играет сын Симонова Рубен. У Театра Вахтангова с итальянской драматургией особые связи. На подходе еще одна итальянская премьера.
Состоялась премьера спектакля «Суббота, воскресенье, понедельник» по Эдуардо де Филиппо. Поздравляем артистов и авторов спектакля! Следующие показы - 1 и 14 февраля.
Главный режиссёр Юрий Бутусов приступил к репетициям «Пер Гюнта» по Г. Ибсену. Состав будет определён в ближайшее время. Предпремьерные показы на Основной сцене 30 и 31 мая, премьера состоится в сентябре.
...Сергей Герман Выбор пьесы обусловлен тем, что это одна из любимых пьес Риммаса и он хорошо ее знает. Когда то он играл отрывок в ГИТИСе, самого Пер Гюнта.
После пресс-конференции на основной сцене Вахтанговского театра, посвящённой спектаклю, который ставит неаполитанский постановщик, главный режиссёр Театра Stabile di Napole Лука де Фуско - комедии Эдуардо де Филиппо «Суббота, воскресенье, понедельник» художественный руководитель Театра Римас Туминас рассказал, что впервые познакомился с Лукой на театральном фестивале в Неаполе. Сначала думали о постановке пьесы Пиранделло, но впоследствии остановились на неаполитанском классике де Филиппо. В год Театра и Италии нынешняя постановка - зеркало разнообразия и художественной эстетики одного из главных, старейших российских театров. Оба режиссёра намекнули на возможные будущие проекты!👋 #лукадефуско #римастуминас
Сумасшедшим, насыщенным получился у нас в театре конец января. Все в параллель. Выпуск премьерного спектакля "Суббота, воскресенье,понедельник" в Москве на Основной сцене театра, гастроли в Тюмени и Екатеринбурге с спектаклем "Фальшивая нота", гастроли в Тамбове с спектаклем "Наш класс", чтобы успеть в Тамбов, несколько наших артистов, занятых в премьере,вчера бегом бежали после спектакля на поезд. А уже завтра мы улетаем на гастроли в Ригу и оттуда в Таллин с спектаклем "Дядя Ваня". Пишу все это и смеюсь в душе, мне рассказали вчера, как один деятель театра в разговоре с молодым артистом нашего театра сказал: " Вы нам не подходите, у Вас много работы в театре Вахтангова - там конвейер, а у нас в театре нужно искусством заниматься".
Российская Академия Искусств присудила Национальную премию «Гордость эпохи» Римасу Туминасу «За выдающиеся заслуги и большой вклад в развитие театрального искусства России». Премия будет вручена на сцене Вахтанговского театра по окончании спектакля «Царь Эдип» (http://www.vakhtangov.ru/shows/tsar_edip)
Владимир Симонов в гримерке концертного зала Alexela в Таллинне. ФОТО: София Солдатенко
В среду, 30 января, на сцене концертного зала Alexela театр имени Вахтангова показал спектакль по знаменитой пьесе А. П. Чехова «Дядя Ваня» в постановке худрука Римаса Туминаса. Перед спектаклем Rus.Postimees побеседовал с исполнителем роли профессора Серебрякова, народным артистом России Владимиром Симоновым.
В этом году спектаклю «Дядя Ваня» в постановке Римаса Туминаса исполняется десять лет. По словам Владимира Симонова, спектакль за эти годы, безусловно, изменился. «Максимум изменений происходил первые пятнадцать спектаклей. После этого спектакль стабилизировался, - говорит Симонов. - Но, конечно, и мы с каждым новым днем меняемся, а вместе с нами меняется и спектакль. Иногда он становится ближе к оригиналу, иногда в него привносится что-то революционно новое. Кроме того, многое зависит от зрителя, как он воспринимает».
Говоря об эстонской публике, Симонов назвал ее более сдержанной: «Эстонская публика поспокойнее, как и всё, что северное. Мысль-то в спектакле одна, но темпераменты разные: кто-то хлопает каждые пять минут и так беседует с актером, а кто-то в конце отдает себя всего на аплодисменты. В итоге важно то, чтобы зритель понял. Иногда публика до конца спектакля не понимает, насколько ты проникся, как ты сотворил все это. Но в конце спектакля понимает».
Режиссер спектакля «Дядя Ваня» Римас Туминас сыграл значительную роль в театральной карьере Симонова: «Когда Римас пришел в театр имени Вахтангова, это стало поворотным моментом для меня. Из все моих лет в театре (Симонов пришел в театр им. Вахтангова почти 40 лет назад — прим.ред.) десять лет под руководством Римаса — самые мои яркие страницы. Он помог мне глубже раскрыться».
Помимо театра, Симонова можно увидеть и на телеэкранах. Так, он принял участие в одном из нашумевших в прошлом году российских проектов — сериале «Домашний арест», сыграв ректора Эдуарда Валентиновича Каргаполова. «От участия в этом проекте остались самые хорошие и приятные впечатления. Прекрасный режиссер Петр Буслов, который снимает не сериалы, а фильмы. И, кстати, этот сериал фактически снимался как фильм. Это видно и по декорациям, и по времени: мы снимали по 50 сцен в день».
То, каким увидели зрители ректора Каргаполова, отчасти заслуга и Симонова. «В «Домашнем аресте» я играл роль, которую придумал процентов на 80 сам. Семен Слепаков (сценарист и продюсер сериала — прим.ред.) разрешил мне импровизировать чуть-чуть, а я слишком много импровизировал, но ему все нравилось. И он на следующий день приходил и уже приносил под меня написанную сцену».
Симонов посетовал, что из-за плотного графика в этот раз ему толком не удалось погулять по Таллинну: «Гастроли очень короткие, а мы пришиты к самолетам и поездам. Это раньше, лет 20-30 назад, когда театр приезжал на гастроли, сначала один день отводился на знакомство с городом и отдых, а потом еще - на прощание с городом, прогулку по набережной или по Старому городу». Совсем без прогулок, конечно, не обошлось. «Полтора часа побродил по Старому городу - защемило сердце от красоты. Я бы с удовольствием побыл здесь дня два».
«Всё будет» по пьесе Нины Садур «Замёрзли». Режиссёр - Гульназ Балпеисова. В ролях: Екатерина Жаркова, Ирина Смирнова, Денис Бондаренко, Сергей Батаев. Премьера состоится 10 февраля. Все билеты проданы, однако есть возможность посмотреть новый спектакль 23 февраля: http://www.vakhtangov.ru/shows/gonnabe
"Всё будет" - так называется новый спектакль в афише Театра имени Е. Вахтангова. Премьера постановки по пьесе Нины Садур "Замёрзли" - 10 февраля. Первыми экспериментальную работу увидели журналисты.
В этом пространстве не разойдутся даже двое. Узкий проход, стены, увешанные афишами, лестница, ведущая в подвал. Здесь в 2012 году худрук Театра Вахтангова Римас Туминас открыл первую студию, где готовили будущих звезд для вахтанговской сцены. В итоге 24 студийца стали артистами труппы.
На этом хотели поставить точку. Но летом Туминас дал шанс еще восьми молодым и талантливым. Полгода вместе с режиссером Гульназ Балпеисовой стажеры репетировали пьесу Нины Садур "Замерзли." Пережили восемь редакций спектакля. И каждый раз показывали друзьям и знакомым. Из девяти стажеров выдержали четверо. Потом добавилось еще четыре. Работали на одном энтузиазме. Никто не обещал, что после премьеры театр распахнет им двери.
В пьесе Садур прошлое и настоящее. Мифы о создателях камерного театра Александра Таирова и Алисы Коонен и история двух девчонок, которые моют полы в театре, узнают про себя и этот самый театр странное и неожиданное.
Героиня Ирины Смирновой мечтает о большом доме с розами и детьми, а сама Ирина мечтает работать в Театре Вахтангова. Сергей Батаев семь лет пытался пробиться в Труппу Вахтангова. Когда попал в стажерскую группу, понял, что это шанс. Уверенности добавили саундтрек Земфиры и новое, знаковое название спектакля - "Все будет".
Они уже чувствуют себя частью труппы. Школа-студия - театр. Об этой преемственности мечтал Евгений Вахтангов. Худрук труппы Римас Туминас сделал мечту реальностью.
Творческий вечер именитого режиссера Римаса Туминаса и кинорежиссера Тофика Шахвердиева! Премьера документального фильма - «ВСЯ НАША ЖИЗНЬ — ИГРА» 7 февраля 2019 года /главный герой фильма — Римас Туминас/ кинорежиссер — Тофик Шахвердиев/ На вечере выступили оперные артисты: Ольга Гурякова, Марат Гали, Павел Небольсин
Российская Академия Искусств присудила Национальную премию Гордость эпохи художественному руководителю театра им Вахтангова Римасу Туминасу "За выдающиеся заслуги и большой вклад в развитие театрального искусства России" 09.o2.2019
Юрий Бутусов объявил состав спектакля «Пер Гюнт». Премьера ожидается осенью, предпоказы - в конце мая. В репетициях заняты Виктор Добронравов, Евгения Крегжде, Павел Попов, Денис Самойлов, Яна Соболевская, Александра Стрельцина, Валерий Ушаков, Лада Чуровская, а также актёр-вахтанговец, недавно принятый в труппу - Сергей Волков.
В России появилась новая национальная премия в сфере культуры - "Гордость эпохи". Ее учредила Российская Академия искусств. Награда будет вручаться выдающимся мастерам - тем, кто по мнению академиков уже вошел в историю культуры нашей страны. Первым, кого отметили академики, стал художественный руководитель театра имени Вахтангова Римас Туминас. Награду вручили в его родном театре после завершения спектакля "Царь Эдип". В церемонии приняли участие Евгений Зевин, Марк Розовский, Алла Сурикова, Дмитрий Бертман. В дальнейшем награда будет вручаться в различных номинациях - музыка, театр, кино, изобразительное искусство, молодые таланты России. Первый лауреат премии "Гордость эпохи" сказал, что разделяет эту награду с российскими и литовскими актерами, с которыми ему довелось работать. "Я горд, что я представляю две страны. Эта гордость победит все наши недомолвки какие-то, конфликты, которые не нужны совершенно. Я жду этого и дождусь. Буду столько работать, сколько это возможно будет", - отметил Римас Туминас.
http://www.wpolitics.ru/vsya-nasha-zhizn-igra/ 8.2.2019 «ВСЯ НАША ЖИЗНЬ — ИГРА» 7 февраля в Центральном Доме Кино кинорежиссер Тофик Шахвердиев представил зрителям документальный фильм о Римасе Туминасе.
В феврале 2018 года в Большом театре России прошла премьера оперы П.И. Чайковского «Пиковая дама» в постановке Римаса Туминаса — режиссера и художественного руководителя Театра имени Евгения Вахтангова. Чувство стиля Маэстро и сам принцип постановки «в сдержанности — содержательность» были приняты зрителями особенно тепло.
В канун своего 80-летнего юбилея, известный кинорежиссёр, сценарист и фотохудожник, заслуженный деятель искусств РФ, народный артист Азербайджанской Республики Тофик Рзакули́евич Шахве́рдиев принял трудный вызов — увидеть и показать, совсем с другой, музыкальной стороны, хорошо известного всем драматического режиссера Римаса Туминаса.
Творческий вечер прошел при содействии посольств Литовской и Азербайджанской Республик. С приветственными словами к участникам вечера обратились атташе по культуре посольства Азербайджана в России Нигяр Ахундова и чрезвычайный и полномочный посол Литовской Республики в РФ Ремигиюс Мотузас. В концертной части вечера приняли участие оперные артисты — тенор Большого театра Марат Гали и меццо-сопрано музыкального театра Станиславского и Немировича-Данченко Ольга Гурякова. Партию фортепиано исполнил Павел Небольсин. Прозвучали партии из опер Вагнера, Пуччини и Чайковского.
Далее — премьера документального фильма «ВСЯ НАША ЖИЗНЬ — ИГРА» режиссера Тофика Шахвердиева (Россия, 2018, 60 мин.). Фильм рассказывает о работе Римаса Туминаса над постановкой оперы «Пиковая дама» в Большом театре России.
После просмотра фильма состоялась встреча с творцами фильма и дискуссия.
В марте на Симоновской сцене нас ожидает премьера спектакля «Комедия о вдове» по пьесе «Валенсианская вдова». Автор - Лопе де Вега, 1604 год. Золотой век Испании в разгаре: живопись, архитектура, литература и театр процветают. Вместе с тем, конечно, это эпоха пиратства, костров инквизиции и охоты на ведьм. Лопе де Вега успел побывать и участником похода Непобедимой армады, и инквизитором, и монахом... и сочинить около 2000 пьес (до наших времён дошли около 500). Зрителей ожидает круговорот масок, переодеваний, интриг, дуэлей. Спектакль сочинён группой единомышленников - выпускников Театрального института имени Бориса Щукина (Дурная Компания) Премьера 25 и 26 марта, а сейчас представляем вам эскиз афиши будущего спектакля. Фотограф - Андрей Ковалёв (Andrew Kovalev)
По случаю своего столетнего юбилея БДТ им. Товстоногова организовал гастрольную программу, в рамках которой на прославленной сцене Северной столицы свои спектакли сыграют театры Москвы.
Так, в частности, 19 февраля здесь начнется фестиваль спектаклей Театра им. Вахтангова в постановке Римаса Туминаса, а в марте в БДТ ждут МХТ им. Чехова.
Вахтанговцы привезут в Санкт-Петербург «Евгения Онегина» (19, 20 февраля), «Дядю Ваню» (21 февраля), «Ветер шумит в тополях» (22 февраля) и премьеру нынешнего сезона «Фальшивую ноту» (23 и 24 февраля).
Какой бы спектакль не ставил Римас Туминас, будь то излюбленная им русская классика – «Дядя Ваня» и «Евгений Онегин», или пьесы современных зарубежных авторов – «Ветер шумит в тополях» и «Фальшивая нота», он всегда остается верен своему творческому кредо: «Раскрыть историю жизни человеческих душ. Раскрыть другого, служить другому. Найти, вернуть к жизни героев или жить поисками этих героев, принять их в свое сердце. Великая драматургия и великая литература строит театр, творит театр и помогает раскрываться и расти актерам».
В честь 100 летия БДТ на прославленной сцене Северной столицы свои спектакли сыграют театры Москвы. 19 февраля здесь начнется фестиваль спектаклей Театра им. Вахтангова в постановке Римаса Туминаса, а в марте в БДТ ждут МХТ им. Чехова. Вахтанговцы привезут в Санкт-Петербург «Евгения Онегина» (19, 20 февраля), «Дядю Ваню» (21 февраля), «Ветер шумит в тополях» (22 февраля) и премьеру нынешнего сезона «Фальшивую ноту» (23 и 24 февраля).
Театр им. Евгения Вахтангова приезжает на гастроли в БДТ с 19 по 24 февраля с четырьмя спектаклями режиссера и худрука театра Римаса Туминаса: «Евгений Онегин», «Дядя Ваня», «Ветер шумит в тополях» и премьерой 2018 года «Фальшивая нота».
Римас Туминас, режиссер литовского происхождения, стал художественным руководителем театра Вахтангова в 2007 году и смог добиться того, что театр стал одним из ведущих в стране. На гастроли в БДТ привозят лучшие спектакли репертуара 2009, 2011, 2013 и 2018 годов, где он был режиссером. Для петербургских зрителей это редкая возможность проследить, как менялся Театр Вахтангова за это время, и увидеть актеров Александра Гуськова, Геннадия Хазанова, Максима Суханова, Владимира Симонова, Владимира Вдовиченко и Сергея Маковецкого.
Гастроли откроются спектаклем «Евгений Онегин» 2013 года (лауреат «Золотой маски»-2014) на основной сцене БДТ. Пространство сцены сценограф Адомас Яцовскис превратил в старый балетный зал с огромным зеркальным задником, где проходят все сцены: в деревне, Петербурге и Москве. Главным героем режиссер делает Татьяну: его интересует прежде всего деревня и мир русской женщины, в котором органично соединяются светское воспитание и народная культура с ее языческими корнями. Туминас сокращает роман, избавляясь от половины петербургских сцен и ломает ритмическое построение фразы. При этом он удваивает количество персонажей. Например, Сергей Маковецкий исполнит старого Онегина, а молодого — Алексей Гуськов. Спектакль покажут дважды: 19 и 20 февраля.
21 февраля в спектакле «Дядя Ваня» (также лауреат «Золотой маски») в главной роли выйдет Сергей Маковецкий. Эту роль театральные критики считают одной из лучших в его репертуаре. То же самое можно сказать о Владимире Симонове и Анне Дубровской, исполняющих Серебряковых. Созданный в юбилей Чехова, спектакль был принят как один из лучших и был удостоен «Золотой маски» в 2011. Туминас снова словно «очищает» текст: благодаря музыке великого литовского композитора Фаустаса Латенаса привычные уху реплики звучат как арии или дуэты. Здесь все герои — неудачники: Туминас делает акцент на том, как герои живут со своими комплексами. Актеры играют их эксцентрично, иронично, с помощью шаржа. Сценографию придумал постоянный соавтор режиссера, художник Адомас Яцовскис: в просторном доме есть только стол в углу, несколько стульев, а на заднем плане сидит скульптура льва, неожиданно напоминающая о Петербурге.
22 февраля Максим Суханов, Владимир Вдовиченко и Владимир Симонов в спектакле «Ветер шумит в тополях» сыграют трех ветеранов Первой мировой войны, проживающих в доме для престарелых, но ищущих подвига. Пьеса французского драматурга Сиблейраса получила высшую награду — Премию Лоуренса Оливье как лучшая комедия, однако ждала постановки на русской сцене около десяти лет. Вместо богадельни Адомас Яцовскис создает на сцене нечто напоминающее кладбище и мемориал воинской славы, где изрядно искалеченные герои, не теряя чувства юмора, строят фантастические планы. Пьеса немного напоминает «В ожидании Годо» абсурдиста Беккета.
23 и 24 февраля, в завершение гастролей, Геннадий Хазанов и Алексей Гуськов выйдут в премьерном спектакле «Фальшивая нота». Написанная в 2017 году пьеса французского драматурга Дидье Карона посвящена дирижеру, только что закончившему концерт, и странному посетителю его гримерки. За один вечер герой вспоминает самые страшные эпизоды своей жизни, в том числе Холокост. Пространство вновь придумал Адомас Яцовскис, а музыку написал Фаустас Латенас. Самый новый спектакль Туминаса по-новому раскрывает талант двух артистов — Геннадия Хазанова и Алексея Гуськова, для которых он становится своеобразным поединком.
https://www.facebook.com/people/Kirill-Krok/100004878762403 http://avangard.rosbalt.ru/ 20 февраля 2019 Римас Туминас: Я верю, что воображение творит Текст: Ирина Сорина. В дни празднования столетия БДТ на его сцене проходят гастроли московского Государственного академического театра имени Вахтангова. Труппа начала гастроли в Санкт-Петербурге с «Евгения Онегина» 19 и 20 февраля. «Дядю Ваню» по Чехову публика увидит 21 февраля, а 22 февраля – «Ветер шумит в тополях» по пьесе современного французского драматурга Жеральда Сиблейраса. Завершатся гастроли премьерой спектакля «Фальшивая нота».
И Римаса Туминаса, главного режиссера Театра Вахтангова, и Андрея Могучего, художественного руководителя БДТ в их работе объединяет главное – их стремление раскрыть текст пьесы. Вот эта смысловая наполненность постановок свойственна и Туминасу, и Могучему, выгодно подчеркивая их отличие от множества режиссеров, для которых важнее самовыражение. Об этом «Петербургский авангард» побеседовал с Римасом Туминасом.
- Вы достаточно часто гастролируете в Петербурге. Например, ежегодно вас можно увидеть на фестивале «Балтийский дом» с Вильнюсским театром или с Театром Вахтангова. Чем этот фестиваль вас привлекает? - Ну, вообще-то, я считаю, фестиваль открыл меня. И поэтому я считаю Петербург родным местом, родным городом, где я родился во второй раз. А вот в третий раз – в Москве. Между прочим, наш Малый Вильнюсский театр и фестиваль родились в один год.
- Я бы сказала, что первый шаг к мировой известности на этом фестивале сделали не только вы, но и Някрошюс, Коршуновас, Нюганен. Думаю, что это относится и к Андрею Могучему, нынешнему руководителю БДТ, с его «Формальным театром». Авиньон, Эдинбург были потом, а начиналось все в «Балтийском доме». - Я петербургскую публику рассматриваю как вызов для нашего театра. Не сказал бы «испытание», но некий творческий барометр. Она очень строга, а я люблю риск, люблю неизвестность, люблю проходить через трудности. Я не еду за похвалами, я знаю, что будет оценено строго – вот этого и хочу.
- В нынешней гастрольной афише об одном спектакле Театра имени Вахтангова мне хочется поговорить особо. Уже прошло достаточно времени, когда я видела его, но я до сих пор нахожусь под впечатлением и помню то ощущение катарсиса, которое я испытала. Его восторженно приняла и наша петербургская критика. Я говорю о спектакле «Ветер шумит в тополях». Как пришла вам идея выбрать именно этих актеров — Суханова, Симонова, Вдовиченкова — совершенно не соответствующих по возрасту героям пьесы? Вы ушли от очевидного хода пригласить трех возрастных знаменитых артистов и сделать спектакль на них. - Эта история такая сложная! Когда я предложил пьесу, естественно, кто-то засомневался: ведь это старики должны были быть по пьесе, по ситуации. Но, как часто у меня бывает, я на это не обращаю внимание. А выбор актеров обусловлен тем, что главное — мысль, главное — свет человека. И игра требует движения, физических сил. Но самое существенное — это сегодняшнее мышление: актер транслирует информацию об окружающей нас сегодняшней жизни, он подчиняет ей материал пьесы, то есть своего героя он раскрывает через себя. Для этого нужно абстрактное мышление, нужна некоторая отстраненность от персонажа. Когда существует эта дистанция, тогда могут играть и актеры среднего поколения, а Вдовиченков вообще гораздо моложе и Симонова, и Суханова. Главное — добиться ансамблевости в исполнении. То, что артисты любят играть этот спектакль, — очевидно. В Москве же он был обойден критикой. Я помню очень хорошо, что после триумфа «Дяди Вани», который получил много призов, этот спектакль раскритиковали, попытались расправиться с ним и забыть, чтобы на него больше не ходили. Нас это обидело и побудило к действиям. Так что критика сыграла роль цензора. Наша московская критика группируется в кланы, где решается, кто имеет перспективу, кого поддержать, кого отклонить, либо сделать так, чтобы он вообще не существовал. И это страшные вещи.
- Мне странно это слышать. Вы, по-моему, обласканы критикой. И критика, на мой взгляд, еще никого не уничтожила. - Я знаю судьбы других режиссеров — моих коллег, когда этот метод применялся. И гибнут режиссеры, гибнут театры. Не принимают, не доверяют. Мы победили не критиков — мы победили себя, не сдались и подняли эту тему ненужных, забытых людей с их мечтой о свободе. Этот спектакль о свободе человека.
- Причем, благодаря разнице между возрастом актеров и их персонажей, спектакль достигает философских высот. Воспринимается все более метафорично. Да, любовь к свободе, стремление к ней особенно сильно прозвучали в нем. Я присутствовала как-то на вашей репетиции и вспоминаю слова, которыми вы заканчиваете репетиции, поблагодарив всех за работу: «И помните, что вы свободные люди!». Свобода так важна для вас? - Путь к вершине, путь к тополям, путь навстречу ветру — это некое стремление к вечности. Но самое, наверное, ценное, а это относится и к литературе, и к драматургии, и к театру — к искусству вообще – это призвать всех быть свободными людьми и смело подняться на более высокую ступень человеческой цивилизации. Когда заканчивается спектакль, мы пониманием, что останемся там, где и были, но все же мы поднимались, стояли на той ступеньке и теперь знаем, как это было хорошо. Я бы сказал, что в этом святая миссия театра и литературы.
- А как быть со свободой творчества? - Я считаю, проблема в другом: если театр не занимается человеком, анализом событий, явлений, то нужно закрыть этот театр. Я хочу сказать вот о чем: пошлость, невежество, хамство желают примкнуть к современности. Если вспомнить Гоголя: «Всегда рядом дьявол». Но черти боятся красоты, доброты и, если ты будешь это провозглашать, то они убегут, испугаются. К невежеству приходят черти дьявола, и оно поддается. Это от бескультурья, от недостатка образования. И это начинается еще с институтов, где готовят режиссеров. Нет высшей цели! Человек сейчас не в центре! Считается, что если ты пришел в театр, то ты уже художник. Но надо стать Художником. И надо вспомнить письмо Вахтангова, послание к режиссерам об ответственности Художника. Вот об этом в школе и в институтах не говорят. У всех желание к самовыражению. А кому это интересно? Ты вырази автора. А именно: «Ты — ничто. Ты — исполнитель. Ты — вторичен». Может, когда-то ты станешь Художником. Сначала раскрой автора. Тогда не надо будет придумывать что-то такое, что часто я вижу на сцене: приблизительность игры, поверхностность, безалаберность, бескультурье. Это повсеместно. И это во многих театрах России.
- Так что же такое режиссер? Что для него главное? - Если ты не стремишься к гармонии, к красоте, через проблемы, через потери, то ты не режиссер. Шекспиру надо было написать пять актов, чтобы гармонизировать мир: наказаны плохие, торжествует справедливость. Но герой гибнет, а справедливость восторжествовала. И пьеса заканчивается. Шестого акта он не писал. Мы должны написать – как жить дальше. Нам надо написать. А мы сейчас живем во втором-третьем акте Шекспира, где существует зависть, ненависть, ложь, жажда наживы. Это начинается с института, с подготовки режиссеров. Чем больше придумок сделает – тем он больше режиссер. Есть театр и все остальное. Был Фоменко. Есть Женовач. Но если я вижу, что режиссер не занимается миром, не открывает миры в актерах, в авторе, в себе, тогда я не разрешаю это в нашем театре. Да, это внутренняя цензура – цензура культуры. К сожалению, справедливость, гармонизация уже не важны. А вывод такой: надо очень ответственно относиться к сценическому пространству. Надо уважать и любить себя, и относиться к режиссуре как к дару природы. Театр – это же не мы создали, мы только наследовали его. И нужна какая-то дисциплина, если у тебя нет высочайшего мастерства. Если я делаю спектакль, то сверяю то, что я делаю с Эфросом, проверяю свои критерии, художественные критерии. Я знаю, что небеса смотрят на нас. Сейчас тенденция удивлять, придумать, ошарашить, друг другу понравиться. А зачем, а для чего – это не важно.
- Мне показалось, что вы к Пушкину относитесь как к живому. Именно такой вывод я сделала, посмотрев ваш знаменитый спектакль «Евгений Онегин». - Конечно! Однажды Максакова спросила: «Кто убил Пушкина?». Я ответил: «Мы». И это искупление. Он мне – друг, он стал мне близок. И его любовь, и его страсти… Каждый автор становится незримым другом, близким человеком. Потому я не могу ни исправлять, ни менять название. Зачем? Для чего? Если «Маскарад» – то «Маскарад», если «Дядя Ваня» – то «Дядя Ваня», «Анна Каренина» – это «Анна Каренина». Зачем? Как такое в голову приходит? Переименуйте своих детей тогда, свою фамилию. Делайте это у себя дома.
- Вас часто обвиняют в том, что спектакль «Евгений Онегин» создан в расчете на западную публику. Этакая развесистая клюква… - Какая чушь! Я однажды слышал, что при словах «Татьяна русскую душою…» актер что-то там неприличное делал. И мы никак не могли понять, что именно. Я не такой талантливый, чтобы что-то придумывать от себя в тексте. Критики что хотят, то и видят. Актер надевал пальто, а критику показалось, что он не застегивал пальто, а сделал неприличное движение. Мне на споры и оправдания жалко тратить время. Какой расчет на западную публику? Мы делаем спектакль для себя и даже не думаем о зрителе. Мы хотим раскрыть текст. И мне кажется, нам это удалось. Привет солнечному дню! А если кто-то не видит — значит, не хочет видеть. Либо это совершенно бездарные люди. Я думал, что каждый человек от природы одарен. Но я уже столько живу и признаю, что есть и бездарные, и очень злые люди. От этого, наверное, и интриги. Несостоявшиеся. … И не дай боже им прийти к власти или управлять искусством, или влезать в наши проблемы!
- Парадокс: ни вы, ни Могучий не идете на поводу у публики, создавая спектакли, которые не рассчитаны на массового зрителя, воспитанного телевидением. Вы делает постановки, заставляющие «душу трудиться», думать. Но при этом театр полон. - Да, тут попробуй заработай, не раздев, не гоняясь за эффектами! Соедини коммерцию и ценность художественного спектакля! Директора придумали термин «коммерческий спектакль». Если актер играет, не понимая человека, и прикидывается – то разве это не оскорбление моих зрительских чувств? Такие театры надо закрывать, таких актеров надо убирать. А БДТ желаю продолжать настойчиво держаться выбранной линии. И каждый раз подниматься на новую ступеньку все выше и выше: здесь и виднее, и лучше дышится, больше кислорода.
- Как подняться, если опускают? - А Пушкин как воевал! Как боролся с пошлостью! У него было шесть литературных дуэлей. Надо давать отпор. Надо уметь у костра греться, а не залезать в него. Надо высказываться. Прививать вкус. Ведь есть много актеров, которые отказываются и в шоу участвовать, и в сериалах сниматься.
- И еще раз спасибо за то наслаждение, что я испытала на -вашем спектакле «Ветер шумит в тополях». Благодаря ему я узнала, что есть такой потрясающий актер Вдовиченков. Он у вас раскрылся с совершенно другой стороны. - И он здесь в Петербурге сказал, что было бы хорошо что-то еще придумать, что-то еще сыграть.
- Я до сих пор вспоминаю эти полные иронии глаза Суханова, или совершенно сумасшедший блеск глаз Вдовиченкова, или жестикулирующего Симонова, рука которого приковывает взгляд… - Не нужно придумок! Я верю, что воображение творит. Ничего не надо городить. Не нужны декорации. Надо довериться воображению. Хотите — создам море, а могу — тюрьму. Без ничего. Просто игрой воображения.
- Это Ваши первые гастроли на сцене БДТ? - Нет. Но в обновленном здании после реставрации мы впервые. И с такими большими гастролями!
- Вас можно назвать главными приглашенными гостями празднования 100-летия БДТ. - Да, юбилей — это то, что нам предстоит почти через три года, столетие Театра имени Вахтангова. Мы с волнением наблюдаем, думаем, что нам надо будет делать. Обязательно хотим пригласить БДТ на ответные праздничные гастроли. А сейчас я рад быть здесь на празднике. Вообще, я Питер очень люблю еще с юности.
- Действительно тогда БДТ был лучшим театром в СССР? - Да. Помню незабываемое впечатление от «Мещан», да и от всех спектаклей БДТ, которые я видел. Когда я учился в Вильнюсе на режиссерском отделении, мы специально ездили на спектакли БДТ, и здесь нас прекрасно принимали. Да, это был лучший театр. БДТ в Ленинграде и театр в Литве, в Паневежисе. Это знаменитый театр Юозаса Мильтиниса и Донатаса Баниониса! Вот два театра, которые воспитывали и на спектаклях которых я учился. Сейчас я вместе с Вахтанговским театром очень рад быть здесь и поздравить БДТ со столетием.
https://vk.com/public43163643 Академический театр им. Евг.Вахтангова 27 фев в 19:29 2019 «Фрекен Жюли» - премьера новой редакции спектакля на Симоновской сцене Вахтанговского театра.
Выпускница Мастерской Римаса Туминаса Гульназ Балпеисова выпустила спектакль по пьесе Августа Стриндберга «Фрекен Жюли». Его премьера состоялась 28 октября 2016 года сцене Студии Вахтанговского театра. В свое время пьеса была запрещена к публикации за острую тему и слишком откровенный эротизм.
Режиссер Гульназ Балпеисова и молодые артисты Театра имени Евгения Вахтангова – Полина Кузьминская, Яна Соболевская, Павел Попов и Владимир Шульев, сохраняя верность духу Стриндберга, предложили свое прочтение пьесы.
Драматург Август Стриндбера писал: «Трагическую судьбу фрекен Жюли я мотивировал рядом обстоятельств: изначально материнские инстинкты; неправильное воспитание отца; пробудившаяся природа; влияние жениха на слабый выродившийся мозг... И, наконец, случайность, столкнувшая героев в одной комнате, плюс накаленная отвага соблазнителя».
«Гульназ Балпеисова поставила спектакль о неудавшихся судьбах несчастных маленьких людей, которые не находят в себе сил и желания понять друг друга. Они пребывают в своих особых мирках-коконах, столкновение которых приводит к аннигиляции, самоуничтожению. И эта, на первый взгляд, бытовая «кухонная» история приобретает масштабы вселенской катастрофы». (Павел Подкладов)
Постановка с большим успехом на протяжении двух сезонов шла на небольшой сценической площадке Студии Вахтанговского театра. В текущем сезоне спектакль «Фрекен Жюли» в новой сценической версии можно будет увидеть на Симоновской сцене.
Его премьера состоится 27 февраля 2019 года в Камерном зале.
Первый день весны... несмотря на московский снегопад. Вышел свежий номер газеты «Вахтанговец». Читайте в выпуске: премьеры марта, комментарии режиссёров, юбилейные даты, обзор гастролей в Санкт-Петербурге и многое другое. Специальный материал: «Человек Театра - 27 марта».
https://vk.com/public43163643 Академический театр им. Евг.Вахтангова 2 мар в 16:07 2019 Начались репетиции спектакля по пьесе Карло Гольдони «Новая квартира».
Итальянский режиссер Джорджио Сангати - дипломант Ravenna Festival и фестиваля «Dei Due Mondi» в Сполето, приступил к репетициям спектакля по пьесе Карло Гольдони «Новая квартира». В репетициях принимают участие: Анна Антонова, Мария Волкова, Наталья Винокурова, Екатерина Крамзина, Ксения Кубасова, Олег Макаров, Евгений Пилюгин, Юрий Поляк, Павел Попов, Александра Стрельцина, Эльдар Трамов, Валерий Ушаков, Мария Шастина, Павел Юдин.
Джорджо Сангати: на пути к «Новой квартире»: «Когда в прошлом году театр Вахтангова попросил меня подобрать текст для творческой лаборатории, я сразу подумал о «Новой квартире». И хотя перед нами – один из шедевров Гольдони, театры не спешат его ставить, во многом из-за языка текста. «Новая квартира» написана на ярком венецианском диалекте, который, к сожалению, сегодня непонятен не только европейцам, но и самим итальянцам. Наличие достойного перевода и тот факт, что текст никогда не был поставлен в России, убедили меня, что у пьесы есть шанс для изучения и постановки.
Мне однажды сказали, что в этой пьесе Гольдони напоминает Островского, с точки зрения пристального внимания к экономическим и финансовым аспектам морали. Это правда. Но мне он также напоминает театр Эдуардо де Филиппо с его неразрывным сочетанием иллюзии и реальности, драмы и комедии, постоянной игрой между жизнью и театром. Именно поэтому, на мой взгляд, пришло время всерьез поработать над этим «экспериментальным» текстом с актерами театра Вахтангова. Попробовать поискать некое общее место (и время), где-то между Италией и Россией, между прошлым и настоящим, между стилизацией и реализмом.
Для меня театр – это территория откровения, где политические, культурные и временные границы на миг стираются и снова открываются для игры. Театр дает возможность для общения, встреч, познания, открытий, размышлений и праздника».
Премьера спектакля ожидается 24 апреля 2019 года на Новой сцене Вахтанговского театра.
https://tass.ru/kultura/6184807 4 мар, 22:24 Римас Туминас получил премию председателя Союза театральных деятелей Председатель СТД Александр Калягин вручил худруку Театра имени Евгения Вахтангова диплом, цветы и денежный сертификат
МОСКВА, 4 марта. /ТАСС/. Председатель Союза театральных деятелей (СТД) России, народный артист РФ Александр Калягин вручил в понедельник вечером свою личную - председательскую - премию художественному руководителю Театра имени Евгения Вахтангова, режиссеру Римасу Туминасу. По сложившейся традиции, церемония награждения состоялась на приеме председателя СТД в Театральном центре "На Страстном" в первый день Масленицы, передает корреспондент ТАСС. "Очень рад видеть вас всех, это прекрасно, что мы вместе, что сидим - ведь место актера за столом, - пошутил Калягин. - Мы собрались с одной целью - чествовать выдающегося человека. Представлять его не надо - это Римас Туминас, он сделал то, чтобы Москва, Союз театральных деятелей, Россия и весь мир говорили о нем". Председатель СТД вручил Туминасу диплом, цветы и денежный сертификат. "Римас, я тебя очень люблю. Ты прекрасен во всем - в твоей трогательности, в твоей заметности-незаметности, в твоей скромности и в твоих выдающихся способностях. Я тебя очень ценю", - сказал Калягин. Он добавил, что Туминас чем-то напоминает ему Олега Ефремова, чем-то - Анатолия Эфроса. "И это все - имена великих людей нашего театра", - сказал председатель СТД РФ.
Председатель СТД России, народный артист России Александр Калягин наградил личной премией за выдающийся вклад в театральное искусство своего коллегу, художественного руководителя Театра имени Вахтангова Римаса Туминаса. Мероприятие состоялось в закрытом формате, что называется, для своих, почти без журналистов, но для «Известий» сделали исключение.
Церемония, как и положено в первый день Масленицы, прошла с песнями, самоваром, бубликами, теплыми словами в адрес виновника торжества и, конечно же, блинами. Поздравить коллегу, а заодно отведать «председательских блинов» пришли директор Большого театра Владимир Урин, худрук театра «Практика» Марина Брусникина, директор Et Cetera Юрий Кравец, директор Театра Наций Мария Ревякина, артисты Виктор Вержбицкий, Игорь Костолевский, Евгений Стеблов и многие другие. За центральным столиком разместилась вахтанговская группа поддержки: директор Кирилл Крок, актриса Людмила Максакова, композитор Фаустас Латенас и др.
— Прекрасно, что мы вместе, — поприветствовал гостей Александр Калягин. — Мы собрались с одной целью — чествовать выдающегося человека. Председатель СТД отметил, что лишний раз представлять его не надо, поскольку Римаса Туминаса знают в Москве, России, да и во всем театральном мире. Вручив режиссеру цветы, диплом и денежный сертификат, председатель добавил: «Римас, я тебя очень люблю. Ты прекрасен во всем: в своей трогательности, в своей заметности-незаметности, в скромности и выдающихся способностях».
После продолжительных оваций слово взял Туминас. — Я понимаю, что вам было трудно определиться. Сколько просили, звонили, и тем не менее вы рискнули вручить награду мне, иностранцу, — иронизировал Римас Владимирович. — Нам надо оставаться верными театру. Лев Толстой заметил, что, кроме любви, ничего нет. Бог — это любовь. Режиссер призвал всех тех, кто не любил, пробудить любовь, после чего под дружные аплодисменты обнялся с Калягиным. Затем своего художественного руководителя поздравила Людмила Максакова, подготовившая подарок. Актриса продемонстрировала гостям статуэтку в виде руки, держащей шар удачи, которую она разработала совместно со скульптором специально для Туминаса. Актриса пояснила, что удача сопутствует в искусстве людям, которые не лгут, не боятся и стоят до последнего. — Мы вас очень любим, Римас, — заключила она.
Поздравления разбавлялись вокальными номерами молодых артистов. Гости налегали на блины, что в некотором смысле символично, так как у Масленицы и театра языческие корни.
Уловив момент, когда Римас Туминас остался один, «Известия» поинтересовались: — У вас столько наград стоит в кабинете Театра Вахтангова, не потеряли вкус? — Еще вызывают эмоции, — лукаво улыбнувшись, признался Римас Туминас. — Человек азартен, слаб человек. Думаешь, а есть ли еще какая-нибудь награда, которую не получил? Или, может, придумают что-то новое. Хотя, конечно, это секундная радость. Безумно приятно осознавать и видеть внимание коллег, но это моментальная реакция, а потом почему-то наступает грусть.
— А что бы вы могли воспринять как высшую награду за свое творчество? Режиссер задумался. А потом тихо произнес: — Живая вода… Надо живой, святой воды. Если она течет, как река, если вечная, глубокая и тихая, то, наверное, это лучше всего. Награда людей, зрителей…. Театр идет от них, он для них и про них. Так он уходит в вечность. Надо бы придумать зрителям награду. Режиссер вернулся за праздничный стол. Может, придумывать новую награду, а может, попытаться продлить секундную радость…
https://tvkultura.ru/ Новости культуры, 05.03.2019 | 10:45 Римас Туминас получил премию председателя Союза театральных деятелей
В Театральном центре "На Страстном" прошёл Приём Председателя Союза театральных деятелей Александра Калягина. По традиции он приурочен к первому Дню Масленицы. Среди гостей - известные актёры, режиссёры, художественные руководители и директора театров. Во время торжественного приёма Александр Калягин вручил ежегодную Премию Председателя. В этом году награду получил художественный руководитель Вахтанговского театра Римас Туминас за вклад в развитие театрального искусства России.
"Ты прекрасен во всём: в твоей трогательности, заметности и незаметности, в твоей скромности и твоих выдающихся способностях. Я тебя очень ценю! Ты мне чем-то напоминаешь Ефремова, который тоже любил жизнь. Ты мне чем-то напоминаешь Эфроса", - подчеркнул Александр Калягин. "Это исключительно. Не радость, а гордость за своих коллег, потому что от коллег получить премию Союза театральных деятелей - это поклон огромного для меня значения", - признался Римас Туминас.
В Санкт-Петербурге 8 марта, в день рождения Андрея Миронова, состоялась 9-я церемония вручения российской национальной актёрской премии «Фигаро». Вахтанговцы-лауреаты премии в номинации «Лучшие из лучших» за блистательное исполнение ролей на российской театральной сцене — Лидия Вележева и Алексей Гуськов. Поздравляем! (Фото с сайта https://www.mironov-theatre.ru)
Вчера, 4 марта, в Театральном центре СТД РФ "На Страстном" состоялся Прием Председателя, традиционно приуроченный к первому дню Масленицы. В этот день Александр Калягин собирает коллег по цеху, чтобы угостить блинами, повидаться, пообщаться, а главное - вручить Премию Председателя, премию за вклад в театральное искусство России, решение о присуждении которой принимает лично Александр Александрович.
На этот раз вечер выдался особенно теплым и душевным. Ведь премию вручали теплому и душевному человеку - художественному руководителю Государственного академического театра им. Евг.Вахтангова Римасу Туминасу.
Александр Калягин: "Представлять Римаса Туминаса не имеет смысла, его знают все. Нам очень повезло, что он с нами. Нам - это Москве, нашему театральному Союзу, всему миру. Его путь не был простым. Но он своей жизнью, своим трудом доказал, что нет ничего важнее искусства, театра. Что благодаря языку театра люди начинают понимать друг друга, обнимают друг друга, хотят работать вместе и творить. Римас, я тебя очень люблю! Ты прекрасен во всем. В твоей трогательности, в твоей скромности, в твоей гениальности. Я тебя очень ценю. Ты напоминаешь мне и Ефремова, и Эфроса, это все великие люди нашего театра. Спасибо тебе большое!"
Принимая награду, Римас Туминас ответил Александру Александровичу в своей фирменной шутливой манере:"Вы так грустно говорили, что я уже подумал, что пора.... покинуть Москву. Но если еще есть какие-нибудь премии, то я, конечно, останусь. Мне особенно приятна премия моих коллег и друзей, это очень важно для меня. Понимаю, как Вам трудно было определиться, Александр Александрович. Представляю себе, как Вас просили, сколько звонили Вам, рекомендовали, намекали, кому дать. Понимаю Ваши муки. Но Вы рискнули! Спасибо Вам за это".
Дальше Римас Владимирович говорил о том, что, наверное, чувствовали и о чем думали все присутствующие. "Насколько я помню, у театра никогда не было благополучного времени. Всегда говорят о том, что театр в кризисе. Но я чувствую, что сейчас наступает действительно непростое для театра время. И я должен понять его умом, ощутить нервами. И нам надо быть верными театру, той любви, о которой Толстой сказал, что кроме любви ничего нет. Если есть Бог, то это любовь. Кто не любил, того надо пригласить полюбить, пробудить любовь в нем. Кто любит - надо отойти, оставить в покое, не мешать. А кто разлюбил - того надо вернуть в лоно любви. Важнее этого ничего в театре нет".
Итальянский режиссер Лука де Фуско поставил в Театре им. Вахтангова спектакль о трех днях из жизни неаполитанской семьи.
Спектакли по пьесам Эдуардо де Филиппо, одного из величайших драматургов Италии, в разные годы входили в репертуар Театра им. Вахтангова. Комедию «Суббота, воскресенье, понедельник» директор Театра Стабиле ди Наполи Лука де Фуско выбрал не только для того, чтобы еще раз прикоснуться к творчеству выдающегося драматурга, но и для того, чтобы разрушить этнические стереотипы: персонажи де Филиппо зазвучали по-чеховски лирично.
Все счастливые семьи, как известно, похожи друг на друга. Наступает долгожданная суббота, а с ней и dolce far niente (сладкое ничегонеделание) для уставших после трудовых будней мужчин, в то время как их благоверные, напротив, заступают на дежурство и весь день хлопочут у плиты. И все ради еженедельного ритуала – рагу по-неаполитански, без которого не обходится ни один воскресный обед. Вызывающая расслабленность одних и кулинарные старания других порождают конфликты, постепенно перерастающие в семейную драму.
Не стала исключением и чета Приоре. Сценография Марты Кризолини Малатеста – оммаж Италии конца 1950-х годов – страны, которая уже оправилась от ужасов войны и заново научилась радоваться житейским мелочам. Кухня плавно перетекает в столовую комнату, где хозяева встречают своих многочисленных гостей. Персонажи одеты в платья и костюмы пастельных тонов по тогдашней моде. Окна распахнуты, и в полукруглую залу с балкончиками проникает синева южного неба. Стены словно впитали в себя эту лазуревую безмятежность, а фамильная мебель в белоснежных чехлах с оборочками выглядит особенно праздничной.
Уснувший до поры до времени Везувий, вписанный в импрессионистский пейзаж, не просто просыпается, но и готов к извержению по мере того, как в семье Пеппино Приоре (Евгений Князев) разгорается скандал. И вот уже каждый из домочадцев стремится спрятаться за «своей» створкой, чтобы не попасть под горячую руку родителя. Природа вторит человеческим драмам, играя со светом и тенью. Некогда ясное небо затягивается грозовыми тучами, сцена затемняется, и ничего не остается, как наглухо закрыть все окна, спасаясь от разрядов молний.
Три дня из жизни обычной неаполитанской семьи становятся театральным действом в трех частях, где у каждого из артистов будет свой яркий выход. В не предвещавший ничего плохого субботний день Пеппино будто попадает в королевство кривых зеркал, в котором мелкие недостатки других в его глазах вырастают до космических размеров. С самого утра он беспрестанно бурчит, избегает солнечного света, делает вид, что с интересом читает газету, а на самом деле пристально следит за всеми через увеличительное стекло нарастающего недовольства. Евгений Князев мастерски доводит комичность своего персонажа до внутреннего слома.
Любимая жена (Ирина Купченко) несколько месяцев назад вдруг перестала обращать на него внимание, больше не гладит рубашки и не машет рукой с балкона, когда он утром отправляется на работу. Старший сын Роберто (Олег Макаров) − ни рыба ни мясо, средний, Рокко (Леонид Бичевин), обрекает родного отца на скорое банкротство, открывая свой собственный магазин. Сестра Амелия (Анна Дубровская) сбивает с толку юную племянницу (Ася Князева) идеями об эмансипированных женщинах и карьере на телевидении, где сплошной разврат, при этом собственного сына (Евгений Пилюгин) превратила в инфантильного нытика. Брат Раффаэле (Сергей Пинегин) витает в облаках и смешит людей в маске Пульчинеллы. Тесть (Рубен Симонов) портит гостям шляпы, покровительствует негоднику Рокко и к тому же пытается установить свои правила в его, Пеппино, доме. Федерико (Эльдар Трамов), неудачливый жених Джульянеллы, боится всего на свете. Соседи (Михаил Васьков и Ольга Гаврилюк) раздражают своим навязчивым добродушием, не говоря уже о таком криминальном типе, как Микеле (Денис Самойлов), брате служанки (Полина Чернышова), который в любой момент может разнести полквартиры. Для полноты картины не хватает явившегося некстати портного (Анатолий Меньщиков), и воскресный обед будет гарантировано испорчен.
С приготовлением рагу тоже в этот раз не заладилось – героиня Ирины Купченко слишком зла на своего равнодушного и неблагодарного супруга. Похвалить невестку (Лада Чуровская) за посредственные кулинарные способности – дань вежливости, а сказать жене после стольких лет совместной жизни хотя бы несколько ласковых слов – уже ни к чему. Если рагу варится в ненадлежащей для священнодействия атмосфере, то, по неаполитанской традиции, семейный обед не сблизит собравшихся, а станет катализатором разлада. Идиллическая церемония передачи тарелок под божественную музыку Никколо Паганини закончится взрывом подлинно итальянских чувств. В слишком обходительном соседе Луиджи ревнивец муж заподозрит соперника, а в его внимании к хозяйке – вещественное доказательство супружеской измены. Оскорбленная жена на глазах у всех выбросит кольцо и произнесет страшные слова – ей жаль, что такой человек стал отцом ее детей.
Страсти закипают в этом доме, как рагу в кастрюле. Семья могла бы разрушиться, если бы на следующий день, в понедельник, не началась новая рабочая неделя. За ночь захворавшая было Роза благодаря стараниям золовки и доктора (Александр Павлов) обретет вторую молодость, а за перевоспитание Пеппино возьмется не по годам мудрая дочка Джульянелла. В сцене объяснения в любви Князев и Купченко настолько органичны и трогательны, что веришь в нерушимость семейных устоев. В них просыпаются пылкие юноша и девушка, для которых все только начинается, а впереди − долгая и счастливая жизнь. В благодарности за многолетнюю верность и заботу слышится признание в самых искренних чувствах друг другу, а заодно к Вахтанговскому театру и его зрителям. Этот блистательный актерский дуэт разрушает стереотипы о вечно шумных и легкомысленных итальянцах. Их персонажи находят истинную радость в том, что продолжают узнавать близкого человека, врачевать старые обиды и прощать за несовершенства. Драматургия вообще рождается в исследовании человеческой души. В любой семье случаются конфликты, которые рассеиваются, когда люди говорят друг другу нежные слова. А артисты выходят на сцену, чтобы снова и снова подтвердить свою любовь к живому и многоликому, смешному и грустному театру.
Ленком Московский государственный театр 22.3.2019 Пока многие смотрели футбол, в программу "Вечер с Владимиром Соловьёвым" пришли редкие гости. В их числе - директор театра "Ленком" Марк Варшавер. Делимся с вами записью эфира.
В понедельник, 25 марта на Симоновской сцене Театра им. Евгения Вахтангова состоится пресс-показ спектакля «Комедия о вдове» (сочинение единомышленников по пьесе Гольдони «Валенсианская вдова»).
Авторы и создатели спектакля - выпускники Театрального института имени Бориса Щукина, курс режиссёра Александра Коручекова. В спектакле звучит музыка Бизе, Минкуса, Грига.
Создатели спектакля, взяв за основу постановки комедию Лопе де Вега, «выражают своё юное безумие, любовь к поэзии, музыке и почти забытому сочетанию театрального пафоса, подлинной романтики и юмора».
Сюжет испанской приключенческой комедии не тайна: молодая вдова Леонарда служит предметом восхищения всей Валенсии. Однако, она не подаётся на уговоры дяди Лусенсьо выйти замуж вторично, остается надменно-равнодушной к ночным серенадам влюбленных. Леонарда посвящает жизнь служению Господу, желая достойно нести вдовье званье, но это оказывается не так просто, когда на смену молитве и ханжеству приходит любовь. Все здесь окутано любовью и подчинено ее законам.
«Самые современные мысли чаще всего способны подсказать классические тексты», - уверены создатели спектакля.
Сложность и необычность режиссерских решений иногда кроется в их простоте, игровой природе действия. Авторы постановки искали грани между условностью маски и подлинным переживанием, стремились к музыкальности слов.
респект
администратор
Сообщение: 24627
Зарегистрирован: 12.09.10
Отправлено: 27.03.19 06:48. Заголовок: (язвительный пост :..
(язвительный пост )
Пишет 4_15 (4_15), 2019-03-25 22:43:00 он будет культмаломассовым. планирую в нем негодовать. итак.
посетила вчерась театр имени Вахтангова. вынуждена признать, что была в нем первый раз. провела бытовой осмотр. дамских комнат в достатке. а если знать, где они спрятаны, то легко и непринужденно минуешь очереди. буфетные стойки тоже во множественном числе. традиционная рюмка театрального коньяка добывается без осложнений. по гардеробу не носятся резвые студенты, а пожилые старцы степенно вышагивают с гостевыми пальто, так что очередь все-таки настигла меня. зато номерки красивые. местечко было самое козырное с географической точки зрения. центр партера. и провальное с точки зрения удобства. деревянная спинка с чуть смягченной сидушкой. которую я, кстати, не напрягаясь выломала, пропуская запоздавших зрителей. сиденья не складываются. не складываются. совсем. как бы запомнить? но, чтобы я не писала, в театре имени Вахтангова всем организмом ощущается настроение и сила настоящего, мудрого, породистого Театра. и бархат вот этот. и глубокий зеленый. хорошо! но! если это прошло мимо тебя, то напоминаю, что вчера в московском регоне выпали осадки в виде снега с дождем. отвратительная морось. и разряженная публика толпилась под этой мерзлой кашей, не имея возможности даже войти под надежный театральный навес. там же решетки между колонн. за решетками стоял охранник и глядел на замерзающих дам в нарядных платьях. на просьбы трудящихся разинуть ворота, отвечал, что не положено. а что же и где у него положено не уточнял. вроде бы мелочь, но осадочек остался. а что же спектакль? коротенечко. в двух словах. по Островскому. музыка Налича, что нельзя не заметить. ребята замечательно поют. исполнительница главной роли никакая. нищенка из нее получилась бы замечательная! а вот сильная и самоотверженная ни разочка. все спектакли, в которых задействован кто-то именитый, похожи друг на друга. он - эпоха и история. все затухают рядом с ним, выполняя роль смиренных статистов. у него пусть небольшая, но яркая роль с самыми смешными репликами. и сколько бы ему не было лет - будут акробатические этюды, показывающие, что пороха в пороховницах еще вагон. даже, если это не так. героем вчерашнего вечера был Сергей Васильевич. бесконечное уважение. но так предсказуемо. а еще там были воздушный шар, танк и подводная лодка. кажется, из чугуна.
В Международный день театра, 27 марта, на основной сцене Вахтанговского театра состоится церемония вручения премии «Человек театра».
«Премия была учреждена Римасом Туминасом в 2015 году и ежегодно присуждается лучшим вахтанговцам. И не важно, на каком поприще они трудятся – выходят ли на сцену, овеянные многолетней славой, или находится в тени звездных коллег, работают ли в цехах, или в административной части театра. Важен их вклад в общее дело, преданность и беззаветное служение театру», – напомнили в пресс-службе театра.
Кандидаты выдвигаются закрытым голосованием, проводимым всем коллективом театра. Обладателями премии становятся вахтанговцы, набравшие наибольшее количество голосов. По традиции в голосовании не принимают участие художественный руководитель Римас Туминас и директор Кирилл Крок.
Символ премии – ювелирная брошь в форме веточки сирени – пятилистная примета счастья, любимый цветок Евгения Вахтангова (авторская работа главного художника театра Максима Обрезкова).
Премию будет вручать Римас Туминас. Ведущий церемонии – Дмитрий Трубочкин. Среди действующих лиц церемонии – Сергей Маковецкий, солисты Большого театра и артисты Вахтанговского театра.
В подготовке праздничной церемонии приняли участие музыкальный руководитель Татьяна Агаева, художник Максим Обрезков, хореограф Виктория Куль, помощники худрука по творческим вопросам Елена Дунаева, Сергей Сенин и Александрас Шемелис.
Среди лауреатов премии прошлых лет – Юлия Борисова, Василий Лановой, Владимир Этуш, Людмила Максакова, Мария Аронова, Владимир Иванов, заведующая режиссерским управлением Любовь Кузнецова, замдиректора Елена Чумак, администратор зала Лариса Крюкова, главный администратор по эксплуатации здания Нина Булохова, сотрудник охраны Александр Озеров, заведующая гримерным цехом Ольга Калявина, заведующая костюмерным цехом Галина Бажанова, костюмер Раиса Дуникова. Вахтанговцы также назвали лауреатами премии Римаса Туминаса и Кирилла Крока, нарушив при этом правила голосования.
МОСКВА, 27 марта. /ТАСС/. Государственный академический театр имени Евгения Вахтангова вручил в среду свою премию "Человек театра" пяти новым лауреатам. Награда, которая по традиции вручается в Международный день театра 27 марта, присуждена народным артистам РФ Ирине Купченко, Евгению Князеву и другим лучшим сотрудникам театра, передает корреспондент ТАСС.
Как и всегда, церемония состоялась на основной сцене Вахтанговского театра. Главным героем театрализованного представления выступил Сергей Маковецкий, представший в образе короля Людовика XIV. В программе также приняли участие артисты Большого и Вахтанговского театров. Вел церемонию доктор искусствоведения, историк театра Дмитрий Трубочкин, а вручал награду художественный руководитель Театра Вахтангова Римас Туминас. В 2015 году он учредил премию "Человек театра", которая с тех пор раз в два года присуждается лучшим сотрудникам театра, согласно закрытому голосованию всех членов коллективов.
Обладателями премии становятся вахтанговцы, набравшие наибольшее количество голосов. По уставу в голосовании не принимают участие художественный руководитель Римас Туминас и директор Кирилл Крок. В качестве премии лауреатам вручается ювелирный памятный знак, напоминающий веточку сирени - любимый цветок Евгения Вахтангова.
От народных артистов до рабочих сцены
Первой на церемонии в среду наградили народную артистку РФ Ирину Купченко. "Не ожидала, - призналась актриса. - У меня смешанные чувства: мания величия и комплекс неполноценности. Не рассчитывала получить премию "Человек театра", очень взволнована и благодарна". Следующим наградили народного артиста РФ Евгения Князева. Затем "веточку сирени" вручили заместителю директора по эксплуатации и капитальному ремонту Александру Гудкову. Следующего лауреата зал вызывал во весь голос - им оказался Владимир Довгань, заведующий художественно- постановочной частью. "Я люблю этот театр, спасибо за ваш выбор", - произнес лауреат. Следующим на сцене появился главный художник Театра Вахтангова Максим Обрезков. Он предложил собравшимся стоя почтить память ушедших мастеров театра, которые составили его славу и высоко подняли планку Вахтанговского театра. Стоя зал приветствовал и последнего, пятого лауреата премии "Человек театра". Им оказалась заслуженная артистка России Нина Нехлопоченко. "Мне 91 год. Я сыграла в Театре Вахтангова 115 ролей и до сих пор работаю. У меня нет большей любви, чем мой родной театр. И слава Богу, я ему еще нужна", - заключила артистка под овации зрительного зала.
Лауреатами премии прошлых лет стали актеры Юлия Борисова, Василий Лановой, Владимир Этуш, Людмила Максакова, Мария Аронова, режиссер Владимир Иванов, заведующая режиссерским управлением Любовь Кузнецова, замдиректора Елена Чумак, администратор зала Лариса Крюкова, главный администратор по эксплуатации здания Нина Булохова, сотрудник охраны Александр Озеров, заведующая гримерным цехом Ольга Калявина, заведующая костюмерным цехом Галина Бажанова, костюмер Раиса Дуникова.
Сегодня, в Международный день театра, на основной сцене Вахтанговского театра прошла 3-я торжественная церемония вручения Премии «ЧЕЛОВЕК ТЕАТРА». Премия учреждена художественным руководителем Театра Римасом Туминасом в 2015 году и ежегодно присуждается лучшим, достойным звания «Человек театра» вахтанговцам. Римас Туминас и вручает ее.
Символ премии - ювелирная брошь в форме веточки сирени – пятилистная примета счастья, любимый цветок Евгения Вахтангова (авторская работа главного художника театра Максима Обрезкова). Ведущий церемонии – Дмитрий Трубочкин. А на троне в облике КОРОЛЯ-СОЛНЦА весь вечер чер царил народный артист России Сергей Маковецкий🌞.
Прекрасным подарком лауреатам выступили солисты Большого театра - сопрано Мария Лобанова и Олег Долгов... Они на «Браво!» вокально, и артистически исполнили арии из итальянских опер («Джанни Скикки», «Турандот») и романс Чайковского👏 За роялем - концертмейстер Павел Небольсин.
Первой на сцену за привлекательной наградой поднялась шикарная Ирина Купченко🌟 Ее речь была такой искренней, что казалась неподготовленной импровизацией... «Я испытываю сейчас смешанные чувства - мания величия с комплексом неполноценности. Я - «человек театра»?! Меньше всего рассчитывала на такое звание, ведь я всегда разделяла жизнь и работу»... Под конец как подарок зрителям Ирина Петровна прочла проникновенные строки Тютчева «Нам не дано предугадать, как слово наше отзовётся...».
В лаконичной концентрированной церемонии был момент, пробравший меня до слез, - когда Сергей Маковецкий уступил свой трон старейшей актрисе-вахтанговке Нине Аполлоновне Нехлопоченко! Во время небольшой речи этой 91-летней актрисы с невероятным для миниатюрного создания голосом, сыгравшей...115 (!!!) ролей на родных подмостках, зал в порыве встал и лишь выдыхал «Браво!»... «Я счастлива! И нет у меня другой любви, кроме своего театра!»
Уже вне сцены директор театра Кирилл Крок, который невероятным образом всё успевает (он пришёл с церемонии в Большом театре) и за всем следит, поздравил Александра Рыщенкова с его юбилеем, отмечаемым именно в такой театральный день!..
После награждения в фойе Римас Владимирович Туминас поприветствовал собравшихся и поздравил с Праздником очень по-режиссерски. «Эти праздники напоминают маленькую смерть... В этом путешествии - наша жизнь... Важно увидеть друг в друге то красивое, то ценное, что в каждом есть. Я за это вас всех люблю». Ему вторила прима Театра Марина Есипенко «Театр - это маленькая жизнь»...🎭.
Сергей Маковецкий на вручении Ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени Театр имени Евгения Вахтангова 23.5.2019
Сергей Маковецкий, на вручении Ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени: «Мы сейчас вернулись с 3х-недельных гастролей в Китае. «Евгения Онегина» посмотрели 22 000 китайцев. И столько же были огорчены, что не смогли попасть на этот спектакль. Мы были так удивлены приёму! Зрители шли на спектакль с томиками Пушкина. Этот восторг, это внимание, эта радость! И во время спектакля, и потом, когда зрители переписывались в своих аккаунтах и писали, что узнали Россию, русскую душу...
ПЕКИН, 17 мая. /Корр. ТАСС Ольга Свистунова/. Художественный руководитель Государственного академического театра имени Евгения Вахтангова, режиссер Римас Туминас намерен в новом сезоне обратиться к роману-эпопее Льва Толстого "Война и мир", чтение которого в вахтанговской труппе начнется уже в сентябре. Об этой задумке и других планах режиссер рассказал в пятницу в интервью корреспонденту ТАСС в Пекине, где с успехом проходят гастроли знаменитого спектакля вахтанговцев "Евгений Онегин" в его постановке.
Вахтанговцы открыли китайцам "Евгения Онегина"
"Я поставил пушкинский роман в стихах семь лет назад, - напомнил Туминас. - С тех пор спектакль не сходит с нашей афиши и объехал уже полмира, включая США, Италию, Францию, Великобританию и многие другие страны. Был наш "Онегин" и в Китае - в 2017 году мы показывали его на международном фестивале в городе Учжень. Успех спектакля был так велик, что Театр Вахтангова сразу получил предложение провести большие гастроли в нескольких городах Поднебесной, которые мы сейчас и осуществляем". По словам худрука, гастроли начались 2 мая в Гуанчжоу (южная провинция Гуандун), где спектакль сыграли трижды в зале, рассчитанном на две тысячи мест. Затем четыре дня - с 9 по 11 мая - был Шанхай, Культурный арт-центр (Shanghai Culture Square), также вмещающий две тысячи зрителей. Заключительный блок показа "Евгения Онегина" с 16 мая проходит в Пекине, в двухтысячном National Centre for the Performing Arts, где и завершится 19 мая. "Повсюду спектаклю сопутствуют аншлаги и очень теплый прием зрителей", - без ложной скромности констатировал Туминас. "Чтоб они хлопали, чтоб они так кричали, этого не бывает в Китае, если и бывает, то очень редко, это только на концерте звезд, и у нас это было", - заявил вахтанговский худрук. "Нам были выделены огромные залы, - продолжил он. - Это и коммерческая сторона, и мы ее одолели. Люди покупали билеты за большие деньги, в пересчете на рубли по 6-7-9 тысяч". Но главное, по мнению Туминаса, заключалось в том, что вахтанговцы открыли китайцам "Евгения Онегина". "Как мне сказал профессор театрального института, лучший переводчик Пушкина в Китае, его соотечественники, наконец-то, начали понимать и перечитывать "Онегина", так что популярность романа очень возросла. Прежде им была известна опера "Евгений Онегин", но драму они не видели. Мы рады, что через этот жанр познакомили китайцев с "Евгением Онегиным", который они ринулись читать и распространять", - сказал вахтанговский худрук.
"Оказывается, я всю жизнь люблю Татьяну"
Режиссер с удовольствием рассказал, как родился замысел этого спектакля. "В школе мы все проходили Пушкина, и я, естественно, как и все мальчики, влюбился в Татьяну", - признался Туминас. "Потом, прошло много лет, и как-то в театре я увидел девочку, актрису молодую, Ольгу Лерман, она играла в студенческом спектакле. И влюбился второй раз, потому что в ней увидел я Татьяну. "Вот она - моя любовь детства и юношества", - подумал я и взял актрису в Вахтанговский театр", - поделился Туминас. "Вот ей я и поставил "Евгения Онегина", не было бы ее, я бы не ставил,- заявил режиссер. - Я, оказывается, всю жизнь Татьяну и любил. И по сей день люблю". Туминас сообщил, что Ольга Лерман играет Татьяну во всех спектаклях нынешнего китайского тура. На вопрос о том, собирается ли он когда-нибудь снять "Онегина" с репертуара, Туминас ответил однозначно. "Конечно, когда-нибудь спектакль умрет. Но не дадим ему умирать. Мы снимем раньше, чем он умрет", - заверил худрук. "Еще пару вводов, и снимем, - прогнозировал он. - Да, надо постоянно обновлять исполнительский состав, есть много молодых, энергичных, талантливых, которые могут. И есть, которые быстро устают, постарели в 33 года, им уже надоело. Но я говорю, что пройдет время, и вы будете вспоминать это как подарок судьбы, успейте оценить". При этом Туминас настроен оптимистично. "Пока что мы цветем. Если у розы пропадает запах, надо ее срезать. Но еще пахнет", - сказал он, предложив вернуться к образу пушкинской Татьяны.
Китайский "Фауст" от Туминаса
Разложив целую серию фотографий молодых китаянок, Туминас признал, что, по его мнению, любая из них могла бы перевоплотиться в китайскую Татьяну. "Но я сейчас ищу героиню другого романа", - заметил режиссер. Он сообщил, что затеял поставить на китайской сцене "Фауста" Гете. Кастинг на исполнение роли Маргариты уже состоялся. "Очень много Маргарит. А вот самые главные трудности с Мефистофелем и Фаустом", - посетовал режиссер. Он рассказал, что ранее предложил этот проект вахтанговцам. "Театр промолчал, очень скромно очень культурно. Подумали, что это тяжело, скучно, длинно. Так что я попробую в Китае", - сказал Туминас. "Сделаю это как буффонаду, трагикомедию, постараюсь показать, что это веселая пьеса", - поделился режиссер, проинформировав, что премьера спектакля намечена на 5-6 декабря.
Начнем читать "Войну и мир"
Что касается планов, связанных с Вахтанговским театром, то здесь худрук был осторожен. "Ничего не обещаю, - предупредил он, - но осенью начну читать с труппой тексты "Войны и мира". "Именно тексты. Не драматургию, - уточнил Туминас. - Тексты, над которыми я уже полгода работаю". По его словам, это "очень простая история". "Если войну убрать, то остается хорошая история, - размышлял вслух режиссер. - Может, какой-то француз станцует военный танец, потом русский исполнит военный танец. Вот тебе и война". "Выйдет, не выйдет. Но надо начинать читать. Так же мы поступали и с "Евгением Онегиным". С нового сезона начнем читать Толстого", - пообещал режиссер.
Памяти Някрошюса
"Вот если говорить о конкретных планах, то самый ближайший проект - это постановка трагедии Софокла "Эдип в Колоне" для фестиваля в Помпее", - сообщил Туминас. Он рассказал, что должен был ставить спектакль для этого фестиваля в 2020 году. А в 2019 году должен был выпустить свой проект выдающийся литовский режиссер Эймунтас Някрошюс, но он умер 20 ноября 2018 года. "Так что мой спектакль станет данью памяти этому гениальному художнику", - сказал Туминас. Премьера "Эдипа в Колоне" состоится в Помпее 27-28-29 июня. Но прежде пройдут репетиции в театре Неаполя. Именно туда из Пекина и вылетел Римас Туминас в пятницу, не дождавшись окончания самых продолжительных за последние 20 лет гастролей Вахтанговского театра со своим знаменитым "Евгением Онегиным", которые завершатся в китайской столице 19 мая.
До 21 июля в Москве и регионах проходит Международный театральный фестиваль им. А.П.Чехова. Участвуют коллективы со всего мира. Сохранение единого театрального пространства было и остается миссией Чеховского фестиваля на протяжении всей его истории. Театр Вахтангова принимает участие в Чеховском фестивале со спектаклем «Стефан Цвейг. Новеллы». Симоновская сцена, 7 июня. http://www.vakhtangov.ru/shows/stefanzweig
"...По словам главного специалиста компании DOKA Василия Литвина, вахтанговцы первыми в стране полностью перейдут на светодиодное оборудование. Даже в таких «монстрах», как Большой театр, МХТ им. Чехова или новенький концертный зал «Зарядье», работают на светодиодном и ламповом оборудовании в соотношении 50 на 50. Уникальность этих приборов в том, что они могут работать с очень низким уровнем шума и пониженной яркостью, а в случае, когда требуется тишина на сцене, яркость может быть сильно увеличена, — добавляет Литвин. — Такой свет добавляет универсальности драматическому театру и дает возможность играть, например, чисто музыкальные спектакли или мюзиклы."
Почти весь май Театр Вахтангова провел на масштабных гастролях в Китае, равных которым у нас не было со времен Советского Союза. Мы представили «Евгения Онегина» в постановке Римаса Туминаса. Играли на ведущих сценах — в Гуанчжоу, Шанхае, Пекине. Всего было показано 11 спектаклей, которые, как сообщили мне организаторы, посмотрели более 20 тыс. зрителей. На всех спектаклях — аншлаг. Я даже не мог выпросить две контрамарки для нашего консула. Считаю, нам есть чем гордиться, но главным образом хочу поделиться тем, что меня поразило.
В первую очередь — то, с какой легкостью организаторы заполнили 11 залов. Я думал, что они потратили на рекламу уйму денег, но, как мне пояснили, расходы были минимальны. Основной рекламный задел мы сделали в прошлом году, когда были в Чжэнчжоу на Международном театральном фестивале, аналоге нашего Чеховского. Трех показов тогда хватило, чтобы в социальных сетях произошел взрыв комментариев, вышла масса прессы, заметок в микроблогах — и это дало потрясающий результат. Как только на этот раз объявили о гастролях Театра Вахтангова, билеты буквально улетели. Причем они были недешевые: в пересчете на рубли — до 7,5 тыс.
Второе удивление — зритель. Если у нас в театре аудитория в основном от 35 лет, то в Китае — до 35. Пожилого человека в зале встретишь очень редко. Я спросил у нашего консула в Пекине, с чем это связано. Оказывается, у китайцев сейчас огромный тренд на европейский театр. Если молодой человек в компании рассказывает, что он видел такие-то спектакли, то автоматически относит себя к состоятельному, образованному классу людей. Меня потрясло, что люди приходили на спектакли с томиком Пушкина на китайском. А те, кто не успел заранее прочесть роман, после показов бежали в книжные магазины и скупали «Евгения Онегина».
Третье потрясение — организация. Россия не вложила в эти гастроли ни копейки государственных и частных денег. Всё оплачивала приглашающая сторона. Бюджет составил около полумиллиона долларов. Деньги пошли на логистику, аренду театров, перелеты, фуры с декорациями, гостиницы, рекламу, рабочие визы, работу огромного офиса менеджеров и т.д. Китайская ассоциация, по сути, вкладывалась в продвижение русского театра. В принципе каждый из нас может сказать, что он любит театр. А вот выложить под эту любовь полмиллиона долларов, да еще вложиться в иностранный коллектив может далеко не каждый. Вот эта реальная любовь к театру, умение наших партнеров видеть за деньгами нечто большее меня просто поразили.
В театре нельзя всё мерить только рублем. Есть вещи, которые подчас невозможно материализовать, но они остаются в сердце. Для меня эта мера после гастролей в Китае выражается в следующем: на последнем спектакле — это было в Пекине в огромном зале на 2 тыс. мест — зрители стали размахивать российским триколором. Мы ощутили энергию 2 тыс. человек, включивших фонарики телефонов. Потом люди толпами стояли у служебного входа и поджидали артистов, чтобы сфотографироваться. Я теперь зову нашего Николая Романовского, игравшего Ленского, «чайна стар» — нам буквально приходилось вырывать его из окружения поклонниц. У Театра Вахтангова открылся в Китае официальный фан-клуб. Зрители умоляли нас, чтобы мы приехали в следующем году. Некоторые путешествовали за нами из города в город, покупали билеты втридорога у спекулянтов. Одна русскоязычная женщина, живущая в Шанхае более 15 лет, в разговоре со мной сказала, что впервые за эти годы видела, чтобы в арт-центре, где мы играли, открыли балкон и он до отказа был заполнен.
Такие гастроли — проверка труппы на прочность. Нам было важно понять, сможем ли мы почти месяц находиться бок о бок в плотном графике. Вместе завтракать, передвигаться на машинах, репетировать, играть. Мы вообще внутренне, морально к этому готовы? Признаюсь честно, это было тяжело. Непростая страна, всё на китайском, без переводчика никуда, мало кто говорит по-английски. Тяжелая ситуация с едой, ее много, она интересная, всё хочется попробовать, но, как оказалось, она совершенно не для нас. Но мы выдержали. Смогли пройти вместе этот марафон, не сорвав не один спектакль. Я не слышал ни от кого разговоров о том, что как это всё тяжело и зачем мы вообще приехали в Поднебесную. Наоборот, все друг друга подбадривали, поддерживали. Это огромный человеческий, актерский труд.
Гастроли имели еще и немаловажную просветительскую миссию. Переводчик Пушкина на китайский язык после одного из показов сказал нашему художественному руководителю: «Римас, вы не понимаете, сколько сделали своим спектаклем сейчас для Пушкина. Как всколыхнули у нас давно увядший интерес к автору». Мне же думается, что нам удалось разбудить интерес не только к классику, но и к русскому театру, к нашему искусству. Теперь мы будем вести переговоры о гастролях на следующий год. Обсуждаются уже три названия. Пока же нам предстоят гастроли в Америку и Канаду со спектаклем «Маскарад». Пусть и не такие продолжительные, но это тоже вызов, очередная вершина, малознакомый мир и проверка своих сил.
В эти дни в Китае продолжаются гастроли Театра им. Вахтангова со спектаклем Римаса Туминаса «Евгений Онегин». Позади семь спектаклей в Гуанчжоу и Шанхае. Недавно труппа переехала в Пекин, где с 16 по 19 мая «Евгений Онегин» пройдет еще четыре раза. В новейшей истории коллектива это самые продолжительные гастроли (артисты вылетели из Москвы 27 апреля, а вернутся 20 мая).
– Римас Владимирович, всегда с интересом слежу за вашими репетициями и не перестаю удивляться, что всякий раз готовый рисунок спектакля вы наделяете новыми темами. Этакий режиссерский джаз: когда внутри заданной темы есть своя импровизация… – Да, вот правда – импровизация.
– Но спектакли идут едва ли не каждый день. Наверное, требуются силы. И главное, что вас на это подталкивает? – Я собрал актеров еще в Гуанчжоу и сказал им, что гастроли это единственная возможность сосредоточиться, продумать и прочитать свою роль. Это не то, что в Москве – сыграл два раза в месяц и «свободен». Там беготня – съемки, репетиции других постановок, быт, семья. Они приходят – играют «Онегина». И я всё понимаю: усталость, суматоха, ломки, нет времени перестроиться, но здесь же, на гастролях, можно достичь какого-то звучания! Для этого есть время. Давайте репетировать перед каждым спектаклем.
В Китае на меня обиделись критики. Я объявил репетицию, они все ждали в зале, а я увел актеров в комнату и посторонних не пустил. Мне кажется, спектакль должен рождаться без посторонних, это как появление ребенка на свет.
– Но ведь и критиков можно понять: на волне такого триумфа они хотели увидеть мастер-класс? – Да, всех интересует процесс – вот режиссер кричит или заставляет артиста повторить пройденное…
Но я сказал – нет. И мы начали в комнате: давайте здесь, где нам не помешают. Начали с того, что я попросил вспомнить многие нюансы этой истории. Почему, например, на именины опоздал Ленский? Тут уже пели, тут уже поздравляли и, наконец, появляется Ленский. Я у актера спрашиваю: «Почему твой персонаж опоздал?». Он рассуждает: «Ну, наверное, дела задержали или дорога долгая, и я добирался через ухабы».
Нет, говорю, это не ты добирался, а мишка, которого ты подарил Татьяне, опоздал. Ты искал этого мишку, но всё закрыто, магазин закрыт. Ездил во Псков, наверное. И пока ты его нашел, именины почти завершились. То есть каждая деталь, каждое слово, каждая фраза имеют значение. Всё заново и заново открывается. Жизнь каждый день подсказывает новую интонацию, ничего не меняя глобально.
– Стало быть, в процессе репетиций вы спорите и с самим собой как постановщиком: мол, почему я делал так, а не иначе? – Это естественно, но есть немаловажный нюанс: всегда надо следить за спектаклем, чтобы он оставался живым.
Перед «Дядей Ваней» Вдовиченков всегда требует: подскажите мотив. Кто мой герой: врач – не врач; лесник – не лесник? Кто я? И мы начинаем беседовать и возвращаем его в ту эпоху, в то время, в то лето. Это не галлюцинации. Просто без такого подхода – всё высыхает, как речка. А каждый актер – родник, который ее наполняет. Высохнет речка – изменится всё кругом. Поэтому надо, чтобы родник всегда журчал, был живой и давал речке силы.
Я бы мечтал, конечно, чтобы они могли играть без моих репетиций… И, надеюсь, это произойдет уже завтра: утром я улетаю в Неаполь ставить спектакль в память о Някрошюсе. Но я, признаться, так загрузил актеров в Гуанчжоу и в Шанхае, что им хватит до конца сезона. Только бы справились, только бы не забывали о нюансах, которые участникам спектакля понятны, а для зрителей их нужно «проиграть». Для меня самая большая беда, когда они перестают играть, перестают слышать друг друга, а как бы читают произведение по ролям. Сидишь за кулисами слушаешь трансляцию и думаешь: нет, засыхает речка, история «уходит», ее нужно взбодрить.
– Перед поездкой вы размышляли над тем, как сделать «Евгения Онегина» понятным в Китае? Меняли его звучание «под гастроли»? – Никак! Никогда не думаю о стране, где мы играем. Если в спектакле есть театральный язык, то он будет понятен в любой точке мира. И порой даже без перевода.
Я не занимаюсь этим. Иногда артисты говорят: давайте вставим китайскую фразу или французскую, или английскую (в зависимости от страны, где проходят гастроли), якобы мы тут щеголяем…
– А вы такие приемы не любите? – Не-не-не. Не переношу. Провинциализм. Пахнет эстрадой, подачкой.
– Сейчас в первом акте вы сидели за кулисами, но в антракте сделали очень точные замечания, разобрали сцены. Как это у вас получается? – На слух. Как по нотам… Эфрос ведь тоже не смотрел свои спектакли никогда. И если бы я их смотрел, то попросил бы дать занавес и сыграть снова. А так хожу за кулисами и слушаю, слушаю…
– Кстати, во многих своих интервью вы не раз говорили о том или ином актере: мол, это большой артист. С «большими актерами» работается легче? Вы чему-то подпитываетесь от них? – Сложный вопрос, потому что помимо таланта от артиста можно подпитаться и другого – звездности, самолюбия, гордости какой-то, мнимой значимости… Как сбивать? Одних ругать, других призывать к порядку, но главное – я приглашаю их вновь понять историю, которая лежит в основе спектакля.
И, конечно, я верю в них. Сейчас они устали. Гастроли – всегда испытание. Уже трудно, надоело, однообразно… Но я им говорю: успокойтесь. Через несколько лет вы станете взрослее и будете вспоминать, как здорово это было. И как жаль, что потеряно время, которое можно было бы использовать для разбора роли…
Конечно, они будут сожалеть и вспоминать. А я буду жить в деревне, пить вино и думать о времени, которое прошло мимолетно. Жизнь неумолима и всегда клонится к закату. Работа – как безнадежное торжество, красивый путь к смерти. Но если ты человек культурный, человек образованный, ты не должен бояться смерти. Ты должен понять общий ход развития цивилизации. Твой долг жить, но такой же долг остается и умереть, чтобы жизнь развивалась дальше. Так что, умереть надо красиво, и спектакль в Неаполе попробуем сделать об этом.
Когда Циолковский похоронил сына, у них случился конфликт с женой, которой показалось, что Циолковский недостаточно переживает столь трагическое событие. Но он ответил, что отпустил сына в вечное странствие. Так и спектакли мы отправляем в вечное странствие, поскольку один раз сыграли и ничего подобного уже не повторится. Искусство сиюминутно – «здесь и сейчас». И тут важно услышать дыхание жизни, уловить ее загадки, иронию, парадоксы… Вот почему я не могу переносить, когда артисты привносят какие-то «штучки», чтобы потешить зрителя. Хочешь рассмешить – вслушивайся в дыхание жизни.
– Это как в произведениях любимого вами Чехова. У него ведь крайне мало действительно юмористических фраз (так сказать, шутки ради шутки), но смешно становится именно от безысходности жизни, оттого, что у всех точно так же, и другой жизни не существует… – Да, все хотят счастья, а его нет. И можно посмеяться. Театр это красивая торжественная безнадежность. Всегда безнадежность, но такая упоительная и прекрасная.
Театр Вахтангова и фестиваль Cherry Orchard Festival представляют: «Маскарад» на сцене New York City Center, впервые в США! 13 - 16 июня. Накануне первого показа прошла пресс-конференция. Артисты встретились с поклонниками в NYPL The New York Public Library
Торонто, Елена Фрумин Ситникова, NEWS.AP-PA.RU Тот, кто живёт в чужом краю, поймёт, как важны эти встречи. Тем более, что происходят они совсем не часто. А жить без них, как выяснилось, нельзя.
«Бывало, так меня чужие жёны ждали. Теперь я жду жены своей». Эти строки из драмы Лермонтова «Маскарад», запомнившиеся с детства, я повторяла, и напевала, и декламировала, собираясь на спектакль Вахтанговского театра в Торонто. Повторяла, перебирая наряды, меряя и отвергая всё, пока не остановилась на элегантном чёрно-белом. Я повторяла их, пробиваясь сквозь пробки на залитых дождями улицах. Сквозь толпы болельщиков, высыпавших невесть откуда по случаю игры любимой команды Рапторс и буквально бросающихся под колёса и бьющих кулаком по капотам проползающих со скоростью улитки автомобилей с нервно вздрагивающими водителями внутри. Повторяла, поднимаясь на эскалаторе и проходя бесчисленными коридорами к нужной двери , ведущей в зрительный зал.
Спектакль задерживался , и женский голос по-английски объявил, что придётся подождать ещё минут пятнадцать все из-за тех же Raptors. И в конце короткой речи голос крикнул: «Go Raptors go!», но даже это не испортило ожидания. Я, как и все зрители, ждала Праздника. Мы собрались в этом зале для встречи с Русским Театром. Тот, кто живёт в чужом краю, поймёт, как важны для нас эти встречи. Тем более, что происходят они совсем не часто. А жить без них, как выяснилось, нельзя. Поэтому и приходят наши лучшие в мире зрители в этот зал , добираясь, кто на машинах, а кто на перекладных изо всех концов огромного мегаполиса. А кто-то приезжает и из другого города, за двести километров от Торонто (я знаю таких). Поэтому и выделяют из своих далеко не всегда обильных бюджетов немалую сумму на покупку билетов. Поэтому и ждём с таким нетерпением, когда последние опоздавшие пробьются сквозь толпы болельщиков, и занавес поднимется, и мы увидим спектакль по одной из самых загадочных пьес русской драматургии.
Лермонтов написал эту драму, когда ему было 20 лет. Пьеса, как сегодня сказали бы, в стиле нуар. Повествует о темных страстях человеческих. В ней нет положительного героя. Все персонажи, кроме невинной жертвы, порочны. Главный герой- убийца. Но именно он вызывает и интерес, и сочувствие. Арбенин - классический романтический герой, чьё прошлое темно, а будущее ужасно. Человек глубоких страстей и решительных поступков. Коллизия - подозрение в измене, перерастающее в уверенность, роковая цепь случайных обстоятельств, и трагическая развязка - смерть Нины, невинной жертвы; и невозможность будущего. И безумие как кара. Такова конструкция пьесы, истоки которой - в античных трагедиях с их темой неизбежного Рока. (В скобках который раз удивлюсь: откуда у двадцатилетнего юноши эта мудрость и сверхчеловеческая способность читать в душах человеческих? Гений, гений!) Простите за это коротенькое рассуждение на тему пьесы и сюжета. Без этого нельзя. Без этого просто нельзя понять, что там в спектакле происходит.
На сцене, засыпанной театральным снегом, стоят три постамента. На одном из них - скульптура Афродиты, два других пусты. Звучит тема из знаменитого вальса Хачатуряна (написанного им к спектаклю «Маскарад» , премьера которого состоялась 21 июня 1941 года в Вахтанговском же театре). Идёт снег. На сцене появляется некий персонаж, говорящий что-то неразборчиво и катающий в руках снежок. Потом выходит ещё кто-то, потом ещё и ещё. Мужчины в дворянских шинелях, женщины в платьях с рюшами и капорах. Один выходит с огромной рыбой подмышкой. Они снуют по сцене, сталкиваясь и отталкиваясь. Рыба проплывает сначала в одном, потом в другом направлении, чтобы всплыть в финале и остаться неразгаданной загадкой.
На сцене появляется Арбенин, из очень сокращённого диалога которого с Казариным мы узнаем, что Арбенин - профессиональный игрок, оставивший игру ради счастья с юной любимой женой. Действие двинулось. Чтобы тут же быть прерванным очередным появлением кого-то из безымянных персонажей в каком-то абсурдистком проходе, пробеге, пропрыге по сцене. Вот появляется князь Звездич, беспутный и блистательный, любимец женщин, волокита и гусар, один из персонажей, закручивающих пружину интриги. Но предстаёт он перед нами странным инфантильным клоуном, широко и нелепо жестикулирующим, размахивающим саблей, заглядывающим женщинам под юбки и вообще ведущим себя как очень плохо воспитанный подросток. Иногда он выезжает на коньках. Зачем - не спрашивайте. Его играет талантливый молодой актёр Игорь Бичевин. Играет так, как предписывает режиссерский рисунок роли. Иногда в нем прорывается истинное, человеческое - и немедленно скрывается за клоунской маской.
Вообще, на сцене царит почти цирковая атмосфера клоунады. Толпа статистов то марширует в ногу, то гоняется друг за другом, сознательно не давая нам сосредоточиться на действии. Чуть позже массовка вывезет на сцену чёрный ящик , в котором будет лежать покойник, держащий в поднятой руке игральную карту. Толпа будет пытаться этот ящик закрыть, но покойник нипочём не захочет опускать руку с картой. Тогда кто-то возьмёт кинжал и полоснёт по этой поднятой руке. Потом они потащат чёрный ящик за кулисы, откуда раздастся всплеск воды. Вроде утопили. И вдруг ящик выезжает обратно. В зале хохот. А клоуны на сцене не растеряются и привяжут к ящику груз - голую Афродиту, снятую с постамента. Умело привяжут, толстыми веревками. И плюхнут покойника за кулисами ещё раз. Теперь уже окончательно. Впрочем, нет. Этот покойник опять обнаружится, когда отодвинут с места то ли постамент, то ли саркофаг. Ещё реприза: на сцену выкатывают пианино. Пытаются открыть его - не получается. Тогда кто-то стреляет в пианино несколько раз, после чего оно открывается, но все равно не играет. Тогда массовка это пианино разбирает на доски , попутно выяснив, что оно полно снега. И с гиканьем убегает за кулисы.
В перерывах между репризами Арбенин пытается выяснить, верна ли ему Нина. Сцены идут драматично, с хорошим актерским нервом, вальс Хачатуряна в такт со снежной бурей создают высокое драматическое напряжение. Мощная музыка в сочетании с любым движением на сцене, будь то снег, огонь или вода - всегда беспроигрышно. Появляется баронесса Штраль в исполнении великолепной Лидии Вележевой. Тонкая, как игла, затянутая в чёрные шелка, она ведёт свою партию жёстко и остро . Открывает жгучую тайну. Зритель внимает... И тут на сцену выкатывается человек в хоккейной униформе, на коньках и с клюшкой. Он делает круг и с криком «O my god!» скрывается за кулисами. Вот в таких примерно контрастах поставлен спектакль. Оговорюсь сразу: актеры в спектакле высококлассные и играют они отлично.
Талантливейший и любимый Евгений Князев - великолепный Арбенин. Сильный, волевой, жесткий и жестокий. Породистый и статный. С прекрасной дикцией и выразительным, модулированным голосом. Его диалоги с Ниной, легкой и беззащитной, как мотылёк, драматичны и выразительны. В нем есть истинная страсть, и ревность, и мука. И безумие в финале, и нечеловеческое страдание от невозможности исправить им же сотворенное страшное - убийство невинной души, единственно любимого существа. Артист настолько силён, что часто ему удавалось переиграть толпу клоунов, комиковавшую вопреки трагедии. Часто, но не всегда. И оттого сама трагедия отдавала фарсом. А страсть, любовь, рок стали лишь дополнением к цирковым репризам.
При этом в спектакле есть выигрышные находки. Тот странный человек, который в самом начале катал в руках снежок (этого персонажа нет у Лермонтова, а в спектакле он назван Зимним человеком), по ходу спектакля выкатывает на сцену все новый, все больший снежный шар. В финале этот гигантский шар накатится на Арбенина, раздавит его, показав нам зримую силу однажды неправильно сказанного и услышанного слова, неправильно принятого решения. Очень эффектно решена сцена смерти Нины. Она занимает место на пустом постаменте, превратившись в собственную статую. А массовка окружает памятник металлической оградкой. Ну и беспроигрышный финал. Статуя , вальс, снег. Пару слов о костюмах, а также сценическом и музыкальном оформлении спектакля. Костюмы хороши (художник Максим Обрезков). Они, как и сценография (Адомас Яковскис), являются полноправными участниками спектакля, создавая необходимую атмосферу и придавая персонажам нужные характеристики. А вот насчёт музыки как-то странно получилось. Весь вечер звучал вальс Арама Ильича Хачатуряна, а в программке значится Фаустас Латенас. Хм. Что-то здесь не так.
******************************************************************************* Хорошие театры приезжают в Торонто не часто. Последний раз мы видели здесь «Дядю Ваню» два года назад. Того же театра, того же режиссёра. А до этого театр Вахтангова приезжал сюда ещё дважды. С «Евгением Онегиным» и «Улыбнись нам, Господи!». Так что с этим театром мы уже неплохо знакомы. Даже появилось ощущение, что нас им слегка перекормили. Но - выбора нет. Смотрим, что привозят. Спасибо за всё. На основании увиденных спектаклей можно смело говорить о режиссёрской манере постановщика. Это, как правило, хорошая русская классическая пьеса («Улыбнись нам, Господи!» - не в счёт. Там еврейская тема, это - особая статья). Очень хорошие актёры. И всегда снижение звучания. Всегда некая тонкая (или не слишком) издёвка. В «Онегине» это медведи, балалайки, зайцы, гармошки. В «Дяде Ване» - «гвоздь внимания» , забитый в верстак, намёк на эрегированный член Серебрякова, задранная юбка Елены и наркотический укол в вену дяди Вани. В «Маскараде» - практически цирковая клоунада в противовес лермонтовскому тексту. Не знаю, что и думать. Может, времена такие настали, когда публика-дура не в состоянии воспринять и переварить ни одну идею, если она не приправлена игриво-пошловатой интермедией? Неужели все так плохо с нашими людьми, когда-то «самыми читающими в мире»?
********************** Честно говоря, я видела этот спектакль не первый, а второй раз в жизни. Первый был в 1997 году, когда, вскоре после приезда в Канаду , я работала ассистентом художественного руководителя на ежегодном Международном театральном фестивале Worldstage. Работа моя заключалась в просмотре записей спектаклей, которые присылали нам со всего мира. Однажды мне в руки попала кассета с записью спектакля «Маскарад» Вильнюсского драматического театра в постановке Римаса Туминаса. Снег и Хачатурян очаровали меня. Особенно на фоне уже тогда ярко расцветшего «физиологического» театра, когда на сцене можно было увидеть что угодно, вплоть до акта дефекации. Я порекомендовала «Маскарад» к показу на фестивале. Спектакль шёл на литовском языке, а играли в нем замечательные и всем нам знакомые по советским фильмам литовские актеры. Признаться, когда я увидела спектакль живьём, он меня царапнул явным неуважением к русской классике. Очень явным. Не поручусь, но по-моему, высший петербургский свет там был в боярских шапках. Потом Римаса пригласили в Москву и он поставил свой «Маскарад» на Вахтанговской сцене. Этот, русский, вариант - гораздо мягче. Давно уж нет того фестиваля. Его закрыли в начале двухтысячных из-за того, что главным спонсором была табачная компания, а курить, как выяснилось, вредно. Спонсора отправили восвояси. Другого не нашли. Фестиваль закрыли. Единственный театральный фестиваль в Северной Америке. Фестиваля нет, а «Маскарад» жив. Ну и хорошо. Так что спасибо всем за всё. Приезжайте снова. А мы опять что-нибудь напишем.
... Кто слышал Мордвинова-Арбенина в старой постановке, тем более не поймет новой трактовки пьесы в стиле дель арте. Смешение бомонда с грубостью площадного театра не для слабонервных. Но Туминас (сын русской женщины из семьи староверов) так выживает в этом мире. Примирить высокое и низкое или перемешать их?..
Elena Frumin Sitnikova часто вспоминаю Мордвинова в старом фильме. Для меня он останется лучшим Арбениным
Признанный шедевр режиссера Римаса Туминаса неизменно производит на зрителей сильное эмоциональное впечатление. Вахтанговской театр на этой сцене не впервые. Но каждый спектакль все равно требует настройки: надо рассчитать и жест, и силу звука, и непременно соблюсти традицию, которой больше сотни лет. «Перед началом каждого спектакля собираемся всем составом, беремся за руки, сосредотачиваемся и посылаем, если хотите, в космос, к небу обращение: помоги нам, Бог, сыграть этот спектакль, чтобы он прошел хорошо», — рассказывает народный артист РФ Евгений Князев.
Из всех произведений Лермонтова эта вещь, пожалуй, самой трудной судьбы. Поэту трижды пришлось переписывать пьесу в угоду цензуре, но он так и не увидел свое детище на подмостках. Римас Туминас перенес свою постановку из Вильнюсского театра на московскую почву несколько лет назад. По сути, собрал заново на крепкий проверенный костяк. С тех пор его «Маскарад» объехал десятки стран и пару континентов. «Это настолько зрелищно. Я не знаю русского, но у меня дух захватывает. Совершенно! Я его кожей чувствую этот спектакль», — говорит Магда Кац.
Есть версия, что «Маскарад» написан с реальных персонажей. Любовь, ревность и страшная, так долго вынашиваемая месть. Почему 21-летнего поэта так глубоко волновала эта история? Звездич в спектакле ест черешню и неожиданно говорит с кавказским акцентом. Режиссерский отсыл к дуэли, на которой Мартынов, съев пригоршню ягод, легко и бездумно застрелил великого поэта. Звездич в Арбенина не стреляет, но невольно словом убивает наповал. «Звездич толкает, а дальше уже взрыв не остановить. То есть он оказался этим запалом. Этим взрывателем. И его самого потом снесло», — говорит актер Леонид Бичевин. Здесь все засыпано снегом. Снежный ком трагедии нарастает к концу, сметая, как лавина, главного героя. Этот спектакль можно было бы смотреть без звука — настолько он красив. Но с великой музыкой Арама Хачатуряна (композитор написал этот вальс специально для «Маскарада» в 1941 году) он превращается в незабываемое зрелище.
«Я потрясена оригинальностью. Тут прекрасные визуальные метафоры, музыка гениальная. Актерская игра замечательная. Тут все сказочно», — делится впечатлениями Джил О’Хара. Вахтанговцы привезли этот снег с собой. Взяли даже с запасом. Труппа всегда играет в «родных» декорациях. И теперь эта русская метель в центре Нью-Йорка — одно из самых незабываемых событий театрального сезона. «Американцы удивительно похожи на нас. Они тоже как дети. Им нужно тоже не только впечатление, смысл, глубина. Но еще и зрелище. Нужны ветер, огонь, люди, танцы, музыка», — говорит народный артист РФ Юрий Шлыков.
В первых рядах — Михаил Барышников. Правда, с прессой он не общается. Так решил еще десятки лет назад. Выдающийся танцовщик не пропустил ни одного спектакля вахтанговцев, которые выступают в рамках фестиваля «Вишневый лес». «Театр российский находится на самом высоком уровне. И репертуарный театр, который существует в России, такого прецедента нет нигде. И в Америке такого нет», — генеральный продюсер фестиваля «Вишневый лес» Ирина Шабшис. Знаменитый Бродвей с его шумными мюзиклами и захватывающими шоу отсюда в двух шагах. У публики выбор есть. И тем ценнее, что зрители пришли на русскую классику с ее вечным поиском ответов на вечные вопросы.
Вчера, 30 июня в театре им. Вахтангова прошло закрытие сезона.Уже десять лет это проходит как праздник. Перед театром на Арбате на импровизированной сцене идет концерт молодых артистов -вахтанговцев. Это они были инициаторами таких вечеров.Эту уже традицию поддержали и именитые артисты более старшего поколения Вот и вчера среди участников праздничного мероприятия можно было видеть Василия Ланового, Евгения Князева Алексея Гуськова, Алексея Кузнецова, Юлию Рутберг, Ольгу Тумайкину, Александра Олешко и многих других. Ведущими концерта были Марина Есипенко и Юрий Цокуров Зрителей, как всегда было много.Было много шуток и веселья.
https://vm.ru/news/673541.html Римас Туминас о запретах, отсутствии героев и жизни с чистого листа Анжелика Заозерская, 5 июля 2019
Именно человека, героя, зрителя я ставлю на первое место во всем и всегда, поделился Римас Туминас Фото: Наталия Нечаева, «Вечерняя Москва»
Спектаклем режиссера Римаса Туминаса «Горе от ума» начались гастроли московского театра «Современник» в столице Казахстана. Посмотреть легендарную постановку на сцене Дворца мира и согласия пришли первые лица государства. А накануне гастролей Римас Туминас в эксклюзивном интервью газете «Вечерняя Москва» объяснил, почему он так настойчиво возвращается к русской классике, и рассказал, что вскоре собирается поставить на сцене Театра имени Вахтангова спектакль по роману Льва Толстого «Война и мир».
О героях маленького роста
— Римас Владимирович, именно с постановки «Горе от ума» в театре «Современник» начался взлет вашей карьеры в Москве. Как возникла идея обратиться к комедии Грибоедова? — Еще раньше я поставил в «Современнике» спектакль «Играем Шиллера!». Публика его приняла хорошо, и художественный руководитель театра Галина Волчек предложила мне сделать что-то еще. По дороге в театр я увидел памятник Грибоедову и подумал: «А почему на Чистых прудах есть Грибоедов, а в «Современнике» нет Грибоедова?» Пришел в театр и предложил Волчек поставить «Горе от ума», заявив при этом Галине Борисовне о своем намерении «растерзать Чацкого».
— За что же «растерзать»? — За болтовню и обман! По большому счету, Чацкий — талантливый болтун. Чацкий обманул саму идею свободы. Человек по-настоящему свободен только тогда, когда ограничивает себя практически во всем. Чацкий нарушает многие законы человеческого общения. Да, он умный, образованный, талантливый, но его философия свободы плещется, как вода в аквариуме, и не воплощается ни во что. Чацкий — этакая «вещь в себе», которая так и остается нераскрытой. Он не знает, куда направить свой талант, как реализовать ту свободу, которая «бродит в его больной голове». Ему бы сосредоточиться, поучиться, не распыляться. Из него мог бы получиться мыслитель, ученый. Но из-за претензий, гордыни, «комплекса мужчины невысокого роста» ничего полезного и серьезного он так и не сделал.
— Но в комедии «Горе от ума» не указан рост Чацкого... — Я подумал, что если Молчалин — высокий красавец, то его антипод Чацкий — невысокий и некрасивый. Но умный! Комплекс «низкорослого мужчины с наполеоновскими планами» смешался у Чацкого с понятием свободы. Совершенно прав Фамусов, когда говорит ему: «Иди-ка послужи». На что Чацкий тут же находит ответ: «Служить бы рад — прислуживаться тошно». Кто ему говорил о том, чтобы «прислуживаться»? Он просто не хотел работать и придумывал оправдания. В советской школе из Чацкого еще декабриста пытались сделать! Какой из него герой? Разве он готов чем-то жертвовать, страдать? Кстати, сегодня в российской оппозиции наблюдаются манипуляции и игры со свободой. Якобы все запрещают оппозиции. Кто сегодня что запрещает?
Русскому человеку не хватает реального дьявола. Русский придумывает своего дьявола, не желая признавать дьявола всемирного, считает Римас Туминас Фото: Наталия Нечаева, «Вечерняя Москва»
— Неужели вам, художнику, никогда в жизни ничего не запрещали? — Этот вопрос постоянно задают мне на Западе журналисты: «Вы же как режиссер государственного театра ставите только то, что вам позволяют ставить?» Устал повторять, что всю жизнь ставлю те спектакли, которые хочу ставить, и никогда не сталкивался с цензурой. Истинное искусство никто запретить не может. Как правило, всякие бездарности кричат: «Не дают, закрывают!» Да кто кого сегодня закрывает? А если закрывают, так поезжайте на Запад, где все позволено. Многие уезжали, когда не давали творить, но почти все вернулись. Мало у кого получилось реализоваться на Западе.
— Почему же все-таки нет героя в русской литературе? — И Грибоедов, и Пушкин, и Лермонтов, и Тургенев — все хотели создать героя. И Чехов пытался в первой пьесе «Иванов» вывести героя, но быстро понял, что героя — нет, и похоронил эту идею. Но ни у кого из них это не получилось. Пушкин не знал, что делать с Онегиным, и не завершил роман. После дуэли с Ленским Онегину следовало бы поехать на войну и сражаться за свободу, вот и вышел бы герой… Печорин из романа «Герой нашего времени» хотя бы заслужил смерть (да, смерть надо тоже заслужить), а Чацкий и Онегин перестали быть интересны и авторам, и времени. Пропали. Нет героя, да... Заболтали все талантливые люди друг друга и себя... Все слова, слова, а поступков — нет. Сегодня в России в стане оппозиции и либерализма одна болтология. Я бы запретил на государственном уровне все телевизионные политические шоу, которые морочат людям голову и спекулируют свободой.
— Вы сказали «смерть нужно заслужить», это задевает. Смерть на дуэли, как у Пушкина и Лермонтова, — красивая, достойная? — И Пушкин, и Лермонтов были провокаторами. Оба — маленького роста и с огромными амбициями. Оба играли с судьбой. Когда я ставил драму «Маскарад», в деталях изучал дуэль Лермонтова. В моей постановке летит пуля через всю сцену. Лермонтов, приехав на дуэль, с шампанским ждал друзей и хотел красиво помириться с Мартыновым. Но вмешалась природа. Началась гроза… Когда началась дуэль и Лермонтов взял пистолет, он смотрел на дорогу в ожидании друзей. В это время Мартынов выстрелил, и его пуля попала прямо в сердце Лермонтова. О судьбе-злодейке и словах-убийцах
— Римас Владимирович, тема судьбы присутствует в каждой вашей постановке. Как вы считаете, вправе ли человек играть с роком? — Каждый человек думает, что можно играть с судьбой, и пытается это делать, но проигрывает. Только единицам невероятно сильных людей удается побороть судьбу. Я сам с судьбой пытаюсь примириться. Играю с ней через персонажей, о которых ставлю спектакли. Или через них хочу обмануть судьбу... Дело в том, что литературные персонажи — реальные люди. Они подают нам знаки, голоса, чтобы мы пустили их в наш мир, чтобы они посмотрели на нас со стороны. Им уже не дано разговаривать. Но они «приходят» на спектакли и видят, как артисты доигрывают их жизни. Если они почувствуют, что над ними издеваются, то уже не вернутся. Я считаю, что театр — это отпущение грехов как для зрителей, так и для героев спектаклей. Нельзя простить только убийство.
— Но Чацкий никого не убил, а вы его так «размазали». — Убил без пистолета. Грибоедовский афоризм помните: «Злые языки страшнее пистолета»? Иногда слово страшнее пули. Чацкий наполнен ядом, потому что перепутал свои амбиции с пониманием истинной свободы. Ему одному, а не всем, нужна свобода. Он думал, что все будут смотреть на него, такого свободного, вознесут на престол и объявят святым. Ты, как Христос, вылечи другого, помоги другому, освободи другого, спаси другого. Обрести свободу можно только принесением себя в жертву. Иисус Христос свободу обрел.
— Так и тянет спросить: а дьявол свободен? — В том-то и дело, что нет. Самая трудная на свете роль — Мефистофеля. Уже несколько лет думаю о постановке романа Гете «Фауст», книгу читаю постоянно, но пока не готов начать работу. Мешает... жалость к Дьяволу. Не могу я его «растерзать», как Чацкого, чтобы потом «отпустить грехи». Я его жалею. Мефистофель ограничен в своих действиях. Хотел бы он установить свой порядок, а это, скорее всего, хаос, который он как порядок понимает, но не в силах. Гете ясно пишет о том, что Дьявол дружит с Богом, и в этом главный парадокс неба и ада.
— В русском человеке больше демонического или божественного? — Вне всякого сомнения, что божественного. Русскому человеку не хватает реального дьявола: он придумывает своего дьявола, не желая признавать всемирного. В России — индивидуальные черти, по большому счету, выдуманные.
Истинное искусство никто запретить не может, считает Римас Туминас Фото: Наталия Нечаева, «Вечерняя Москва»
— Не думали ли вы поставить роман Булгакова «Мастер и Маргарита»? — До Булгакова еще не дошел. Хотел поставить «Бег», но понял, что лучше меня это сделает Юрий Бутусов. Пригласил Юрия Николаевича в Театр Вахтангова и доверил спектакль. Не ошибся. Тогда я подумывал об уходе из Вахтанговского и о том, что постановка «Бега» была бы символичной.
Пока цветут розы
— Кто же вам помешал «убежать» из Москвы? — Актеры Театра имени Вахтангова не отпустили. Людмила Максакова не разрешила, Юлия Борисова остановила. Хотя я точно знаю, что уходить надо вовремя и красиво. Пока цветут розы... Казалось бы, все помнят о том, что нельзя задерживаться, но, увы, задерживаются. Часто вспоминаю слова Анатолия Эфроса: «Надо уходить, надо уходить, надо уходить, да вот только куда?»
— У вас ведь свой театр в Вильнюсе? — И театр, и дом, и сад — все есть. Вот контракт с Театром имени Вахтангова закончится, и уеду я в родную Литву заниматься садоводством. Очень люблю природу. А в саду сажаю розы. Каждый раз удивляюсь, что они приживаются и даже цветут. Как писала Марина Цветаева: «За этот ад, за этот бред даруй мне сад на старость лет».
— Кем вы мечтали быть в юности? — После школы хотел поступить в Летное училище. А стал по первому образованию режиссером телевидения. Видимо, кто-то сверху направлял меня. Не думал я становиться режиссером. Самые опасные и рискованные профессии — летчик и режиссер. Каждую минуту могут упасть и разбиться. Я каждый день падаю. Сомнения, страхи — все это падения.
— Вы реалист или все-таки фантазер, как человек творческий? — В режиссуре и в руководстве театром — жесткий реалист. А так... Мне нравится сюрреализм. На мой взгляд, вся наша жизнь… мерцающая.
— Вы говорили как-то, что «настоящее искусство существует по своим законам». По каким? — Прежде всего, по человеческим. Лично для меня главное — человек, его история, душа, судьба, и я хочу проникнуть в его жизнь, дойти до сути и помочь. Сказать доброе слово, что он — красивый, талантливый, полезный. Именно это я хочу донести до зрителей, которые приходят на наши спектакли. Наша задача — вернуть человеку веру в себя, поднять его с колен, помочь улыбнуться. Для меня театр важен в человеческом смысле, именно человека я ставлю на первое место во всем и всегда. Режиссура для меня на втором месте. Актерская игра — на третьем. Самое главное — воспитать человека. Точнее, не воспитывать, а делиться своим, нашим богатством. А самое большое богатство — любовь к жизни. А для любви необходима искренность. Я очень люблю Россию, русских людей именно за искренность. И за красивую детскую наивность. Русские — как невинные дети. Вы очень ранимые, потому что не закрыты от опасности дьявола. Поэтому Россия время от времени и оказывается в его власти.
Только единицам невероятно сильных людей удается побороть судьбу. Я сам с судьбой пытаюсь примириться Фото: Наталия Нечаева, «Вечерняя Москва»
Не бороться и не сдаваться
— Как вы относитесь к тому, что Литва называет русских оккупантами? — Я считаю, что Россия спасла мир от фашизма и что мы победили в Великой Отечественной войне. Победили, потому что русские не жалели себя и принесли себя в жертву на алтарь Победы. Мой отец дошел до Берлина и вернулся домой в 1945 году. Он редко говорил о войне, но считал себя победителем. Война не покидала его до конца жизни, поселилась в нем навсегда.
— А вы воин? — Я отказался от борьбы за власть, за успех, за жизнь. Когда со мной случилась беда — моя болезнь — сначала я испытал шок, а через некоторое время успокоился и решил, что бороться не надо. Тот, кто борется, теряет свободу. Он становится заложником, пленником своей борьбы, протеста.
— Вы говорили о том, что собираетесь поставить спектакль по роману Толстого? — Хочу поставить размышление о жизни с игровыми большими сценами по роману «Война и мир». Думаю, что какими-то чертами своих близких, родственников наделю героев спектакля «Война и мир», как это было и у Толстого.
— А на кого из родственников вы больше похожи? — На деда... Он был настоящий мужик, конюх, прожил 107 лет. Но под конец жизни дед говорил о том, что я хочу его отравить. Я не испытывал к нему сильной любви, потому что он мучил мою маму. Мой отец со своим отцом, моим дедом, всю жизнь враждовали друг с другом, а под конец так полюбили друг друга, что начали мучить мою бедную маму. Не так подала, не так сделала — одна критика. Я приезжал домой уже студентом и видел, как они издеваются над ней. Она хотела уйти к своей сестре, но все откладывала. Я не знал, как ей помочь. Все, что я мог, — это злобно смотреть на деда. Думая про себя: «Сколько же ты еще будешь жить и мучить мою маму».
— Тяжело это слушать... А что вы ощущаете сейчас? — Начало новой жизни, новых чувств. Мне кажется, что я все еще смогу начать жизнь «с чистого листа» и получить радость от первых минут творчества.
Римас Туминас: Всем кажется, что красота - это что-то яркое, что легко сделать в искусстве. Но легко сделать кич... Фото: Андрей Парфенов/ РГ
"Надо уметь очищаться"
- В Эдипе есть свобода мышления. В нас этого нет. Приспосабливаемся… Он был заносчив, амбициозен, горд, самолюбив - такой вырос. Видите ли, колесница Эдипу дорогу не уступила, поэтому он всех поубивал! Но после победы над Сфинксом царь много лет жил этой славой, гордился, что освободил Фивы, - значит, стал слепым! Наши руководители тоже так живут: вроде встречаются, как бы все знают и видят, но на деле - слепы. Эдип прозрел на 15 минут и выколол свои глаза. Вот эта способность человека превратиться в героя, который судит и наказывает себя, - самый важный удар античности по нам. Удар высокой морали. Сегодня у нас уже никто себя не казнит. Если и застрелится человек, то - чтобы не быть разоблаченным. Низость пронзила нашу жизнь. Но делать ошибки, и большие ошибки, можно - никогда не поздно их признать и стать человеком, спасти страну и себя. Надо уметь очищаться.
"Ищи боль в других"
- Знаете, что на меня повлияло как на режиссера? Был такой, казалось бы, незначительный эпизод… Все мы в молодости испытывали страх и боль, когда надо было идти к зубному врачу. Там было такое кресло, в которое нужно было упереться ногами, вцепиться руками и терпеть. Сегодня ты ничем не стеснен, лежишь, анестезию вкололи - и болтаешься, безвольный и ненужный. А тогда я уселся в кресло, напротив было окно с видом на улочку, которая спускалась куда-то вниз. Моросил дождь, я был готов к испытанию и несправедливости. А по улице шла бабушка с палочкой и тяжелой сеткой. Останавливалась передохнуть и шла, опять останавливалась и шла. Я сосредоточился на ней, как актер в этюде, стал думать: кому сейчас труднее и больнее - мне или ей? И даже не почувствовал, как мне сверлили зуб! Этот случай очень сильно на меня психологически подействовал. Я стал искать боль не в себе, а в других. Через других можно найти себя. И в искусстве, и в жизни. В них есть система, действующая веками. И она должна присутствовать там независимо от твоего желания быть модным. Можно отходить от нее, но с возрастом ты все равно возвращаешься к этой системе, потому что она сильнее. Анатолий Эфрос, помню, во время репетиций всегда сверялся с текстом пьесы, держал книгу при себе. Закрыл ее накануне премьеры, аккуратно придавив рукой, - будто поблагодарил. Современные же режиссеры, особенно молодые, - я это вижу! - читают пьесу один раз, сразу откладывают в сторону и думают: "А где здесь я?.." Исходя из этого, и ставят спектакль. Хотя - кто тебя спрашивал, где в пьесе ты? Не надо этим вопросом задаваться…
"Играть надо небесам"
- Раньше я актеров всех любил. Сейчас только уважаю. Но это чувство более глубокое и постоянное. Вот с женщинами сложнее - влюбляюсь! Из-за этого даже курс актерский перестал набирать. В спектакли тоже влюбляюсь - да так, что на третий-четвертый раз хочу их снять с репертуара, чтобы никто, кроме меня, не видел. Вот у поляков то же самое: до того любят своего Адама Мицкевича, что никак не могут поставить. Всегда с удовольствием закрывал свои спектакли. Мне кажется, они не исчезают, а отправляются в вечную жизнь, продолжают там играться и становятся идеальными. Там, в небесах, звучит хорал и живут ангелы, наши ушедшие - близкие и далекие. Для них надо играть. Театр - страшная профессия: актер как бы поднимает мертвых. И если мы играем неточно, приблизительно, то ангел плачет, а до нас свое горе не может донести…
"В нас живет стремление к конфликту, нас с детства приучают бороться за все. Жить без конфликта сложнее, но интереснее"
…Мне очень нравится одна мысль, уже избитая, известная благодаря Шекспиру: "Весь мир - театр". Первым ее высказал в такой форме французский поэт Пьер де Ронсар. "Весь мир - театр, мы все - актеры поневоле, всевышняя Судьба распределяет роли, и небеса следят за нашею игрой" - так это у него звучит. "Всевышняя судьба распределяет роли" - такое актерам хорошо говорить, удобное объяснение. Но главная тут строчка - "И небеса следят за нашею игрой". Вот играть надо небесам, а не зрителю и не партнеру по сцене. Еще актеры любят искать в пьесе характер и конфликт. Как будто там можно что-то новое найти. В культуре, кажется, всего 26 типов конфликтов. Если кто-то откроет 27-й, это будет мирового уровня событие… По-моему, начинать репетировать надо без характера и конфликта! Просто закрывать двери у них перед носом. Они будут стучаться, томиться, умирать там от невостребованности. Потом мы раскроем двери - а нам уже ни характер, ни конфликт не нужны. Да, поначалу непонятно: что играть-то? Человека играть! Не характер, а человека. А то мы все трактуем концепции, а человеком кто займется?.. Так что без конфликта сложнее, но интереснее. В нас живет стремление к конфликту, нас с детства приучают бороться за все. Стоило мне отказаться от этой борьбы - и мир сразу другой, и люди как-то добрее.
"И в 95 можно стать звездой!"
- Молодежь у нас в театре, глядя на Маковецкого, начинает выбирать себе роли. Отказываться от эпизодов, от второго плана. Несколько лет в театре прослужили и уже копаются, что играть, а что нет. Уже не хотят "обслуживать" того, кому дали большую роль: "Мы сокурсники, понимаете… Нет, мы в прекрасных отношениях, но я не могу переступить через себя!" Я решил никого не уговаривать. Не соглашайся, уходи, жди главной роли. Я посмотрю, как разлагается личность. Актер - он же как корова. Он должен давать молоко. Когда приходит человек в труппу, надо его спросить: "Будешь давать молоко?" - "Буду, по десять литров". - "Будешь на дойку ходить?" - "Да, утром и вечером". Год проходит, два - что-то уже не десять литров в день получается. А на третий год вырастают рога, и корова становится оленем. Украшением природы... Для меня образец - не так давно ушедшая от нас актриса Галина Коновалова. Слава к ней пришла в 94 года, и Галина Львовна выкладывалась, как никто другой. Хваталась за любые эпизоды. В больницу попадала - обкладывалась там рецензиями и так выздоравливала. Приходила в театр и, глядя на коллег, возмущалась: "Как так, им по 30 лет - а уже начинают пить, депрессия, усталость, карьера не состоялась… И в 95 можно стать звездой!"
"Счастлив быть вторым"
- В молодости я верил, что могу очистить, переустроить мир с помощью искусства. Шел по городу на свой спектакль, смотрел на людей, сидящих в кафе, и думал: "Как так, что они тут делают, почему не спешат в театр? Наверное, не знают, что там премьера". Сейчас этой иллюзии нет. Я смотрю на зрителей, пришедших в театр, и хочу спросить их: "Вам что, нечем заняться?" Наверное, с возрастом приходит разочарование. Всю жизнь я был первым: режиссером, главным режиссером, руководителем. Я об этом мечтал! Мечтал купить шляпу и шарф, расхаживать по театру: "Ну что, репетируете?" Хлопнуть дверью перед собой и тут же ее открыть… А недавно пригласили ставить оперу "Катерина Измайлова" в Большом театре - согласился с удовольствием. Потому что там главное - музыка, то есть дирижер, а ты на вторых ролях. Когда уже втянулся в работу, вспомнил, что Станиславский и Немирович-Данченко тоже ушли в оперные постановки под старость. Я так счастлив быть вторым! Мне скажут: "Вот это уберите, переделайте, вы же не в драматическом театре" - и я убираю, переделываю. Не потому, что боюсь быть выгнанным. Просто рад услужить, уступить. Я таким ассистентом был бы!.. Наверное, скоро в ассистенты и пойду. …Всем кажется, что красота - это что-то яркое, что легко сделать в искусстве. Но легко сделать кич… Через красоту нужно идти к гармонии - как бы нас ни унижали и ни мучили, мы должны гармонизировать если не жизнь, то друг друга. Чтобы достичь истины. У Шекспира в пяти актах все погибают, но в финале все приходит к справедливости, воцаряется гармония. Шестой акт о том, как жить в этой гармонии, автор не написал. Главное - путь. Может быть, цель недостижима. Но счастье в том, что ты в пути. Как у Чехова - счастья нет, но ты знаешь, что оно существует, и этого достаточно. А мы приучены за него бороться. Хотим затянуть счастье к себе и заколотить дверь, чтобы оно жило с нами вечно. И обижаемся, что счастье прошло мимо. А ничего страшного тут нет. С этой дороги сойду, попаду куда-то еще. Возьму много вина, сяду под деревом читать рецензии, которые прежде не читал, и плакать: "Было…"
Справка "РГ" Римас Туминас - один из "литовских" мэтров европейской режиссуры. Возглавляет Малый театр Вильнюса (основанный им же в 1990-м) и Театр имени Евгения Вахтангова в Москве (с 2007 года), где с его приходом начался настоящий ренессанс. Ставит спектакли во многих странах. Лауреат Госпремии РФ, "Золотой Маски", международной премии имени К. Станиславского и других наград.
60 лет назад, в июле 1959 года, состоялась премьера спектакля «Стряпуха» по пьесе Анатолия Софронова. Постановка - Рубен Николаевич Симонов. В ролях: Юлия Борисова, Николай Гриценко, Лариса Пашкова, Михаил Ульянов, Юрий Яковлев, Николай Плотников и др. Вахтанговцы создали из водевиля о жизни в колхозе такой весёлый, жизнерадостный и популярный спектакль, что вскоре было написано и поставлено продолжение - «Стряпуха замужем».
С приходом Римаса Туминаса (в 2007 году) Вахтанговский театр стал одним из лучших в стране, а сам худрук – нарасхват. Времени у режиссера в обрез: вчера он прилетел из Италии, где поставил спектакль «Эдип в Колоне», а завтра отправлялся в родную Литву. Поэтому встречу назначил в необычномместе – парикмахерской на Арбате.
«В России нет героев»
– Римас Владимирович, недавно в столице Казахстана с успехом прошли гастроли театра «Современник», дававшего ваш спектакль «Горе от ума». Вы в нем без особой симпатии представили на сцене первого «лишнего человека» русской литературы – Александра Чацкого. Неужели вам не жаль его, сиротинушку? – Сам так захотел – выскочка. Вообразил, что выше, умнее других. По своей природе он неплохой человек, но бестолковый, ленивый. Хотя талантливый. В нем есть задатки человека любящего...
– Где вы увидели эти задатки? – Из Италии он вез в Москву всем подарки. Софье – красивые ткани. Много тканей. Сам выбирал. Правда, на таможне из-за большого багажа с подарками его долго держали, и он прибыл только под утро. Нервный, уставший.
– Неужели Грибоедов не наделил Чацкого своими чертами? – И Грибоедов, и Пушкин, и Лермонтов, и Тургенев хотели создать героя. Но ни у кого из них это не получилось. И Чехов пытался в первой пьесе «Иванов» вывести героя, но быстро понял, что героя нет, и похоронил эту идею. В России нет героев. Жаль ваших женщин, которым некого любить всю жизнь.
– Что же нам делать? – Выходить замуж за европейцев – немцев, поляков, французов, литовцев. Рожать детей с деловой жилкой, с чувством ответственности за свои слова, с мужским началом.
– А на кого оставить русских мужчин? Сваха Роза Сябитова сказала мне на днях, что «в мировом рейтинге женихов русские мужчины на последнем месте». – Они должны измениться. Так относиться к женщинам, к любви, к семье, как русские мужчины, недопустимо. Причем это происходит веками. Все, что могут русские мужчины – воевать. Взять оружие и отправиться на войну для русского проще, чем работать в поле. Так было давно. Не хотят русские мужчины работать. Я сам отношусь к женщинам гораздо лучше, чем к мужчинам, и об этом все мои спектакли. Мне жалко и Софью, и Татьяну, и Нину, и Соню, и мою бедную маму, и мою умную жену, и мою дерзкую дочь, потому что все они намного лучше своих мужчин. Моя жена Инга в тысячу раз добрее, умнее, мудрее, терпеливее, великодушнее меня. Моя мама Вероника была на много голов выше моего отца. Боюсь, что он так и не понял этого.
«Каждый день падаю»
– Как получилось, что вы стали режиссером? – Видимо, кто-то сверху направлял. Сначала хотел быть моряком, конструктором, скульптором и летчиком. После окончания школы ехал поступать в летное училище, а оказался в Литовской консерватории на факультете режиссуры телевидения. Не особо хотел учиться на режиссера, но так получилось. Театр всегда был для меня спасением. Когда женщины отвергали меня и уходили к другим мужчинам, я думал: «Вот поставлю спектакль, и они узнают, кого потеряли!» Ставил спектакли, но женщины не возвращались. Иногда хотелось отомстить, но никогда не получалось.
– А женщины вам мстили? – И у женщин не получалось. Месть обходит меня стороной. Ангелы спасают от зла. Я чувствую ангелов, слышу их голоса и умею отгонять дьявола.
– Как боретесь с черной силой? – Дьявола нужно держать в черном теле. Не давать ему пищу. При этом и не гнать метлой. Пусть стоит за дверью и ждет. А когда он уже будет без сил, впустить в дом и сказать: «Ох, бедный, где же тебя носило?» Голодный дьявол свалится у порога, чуть полежит и пойдет прочь.
– Были ли в вашей жизни неудачи, падения? – Каждый день падаю. Сомнения, страхи – все это падения. Падаешь, падаешь, а потом поднимаешься. Но это не тактика, а реальность. Каждый день думаю уйти из театра и стать садовником. Верди в документах, анкетах всегда писал, что он не композитор, а садовник. Уже столько лет начинаю день с мысли об уходе, о том, чтобы стать садовником...
– Что же вам мешает? – Не отпускают меня актеры Театра Вахтангова. Людмила Максакова не разрешает. Говорит, что уедет вместе со мной в Вильнюс. И Юлия Борисова не разрешает.
«Россия – во власти дьявола»
– С какой профессией можно сравнить профессию режиссера? – С шахтером. Мы также бродим под землей в поисках полезных ископаемых. Когда добываем, выносим на поверхность, актеры делают из камней драгоценности, а администрация и директор эти наши сокровища присваивают и продают. Вообще, я жалею, что не стал летчиком. Летчик и режиссер – самые опасные и рискованные профессии. Каждую минуту можно упасть и разбиться. Вот и стригусь под Экзюпери.
– Фантазия у вас богатая! – Скорее мне нравится сюрреализм. На мой взгляд, вся наша жизнь – мерцающая. Так много богатств в мире, но все они как бы в дымке тумана, во мгле… И самое большое богатство – любовь к жизни. А для любви необходима искренность. Я очень люблю Россию, русских людей именно за искренность и наивность. За красивую детскую наивность. Вы очень ранимые, потому что не закрыты от опасности дьявола. Поэтому Россия время от времени оказывается в его власти.
– За любовь нужно бороться? – Любовь – Божий дар, и она никуда не девается. Бороться за нее не надо. Она есть, и всё. Кроме Бога, ее никто не может забрать. Я не верю в искренность слов Татьяны Лариной: «Я вас люблю, чего лукавить, но я другому отдана и буду век ему верна». Она сохранила в душе как святое девичью любовь к Онегину. И в Петербурге стала стеклянной. Русские женщины очень хорошо умеют убивать в себе любовь. Если бы Онегин поехал воевать и вернулся к Татьяне с наградами и ранами, она бы это оценила. Мужчины должны совершать поступки, а не только говорить о своих чувствах и планах. Вот Болконский пошел на войну – и вернул любовь Наташи Ростовой. Думаю вскоре поставить спектакль-размышление о жизни по мотивам романа Льва Толстого «Война и мир». Берусь за Толстого, чтобы отомстить за моего любимого Чехова. Вы же знаете историю, как Толстой обидел Чехова? Я ее обозначу в своей постановке. Попробую отомстить впервые в жизни.
https://www.facebook.com/groups/253448551364291/ Медиа-проект ARTИСТ 20 сентября в 22:03 2019 Вахтанговский вояж - день первый Пресс-конференция в Париже - все ещё впереди и все только начинается!
Все даты в формате GMT
3 час. Хитов сегодня: 214
Права: смайлы да, картинки да, шрифты да, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация вкл, правка нет
pamsik, 1 апр, 2018 22:57 
) 
) 
- участник сейчас на форуме
- участник вне форума